Bolestivý duch lieči chorál
E. Baratynsky

Arteterapia, ak ju chápeme ako cieľavedomé využitie určitých psychologických a medicínskych účinkov umeleckej tvorivosti a vnímania, sa z historického hľadiska javí ako fenomén veľmi nedávny.

Ťažko sa však môžeme mýliť, keď hovoríme, že nie je menom, ale v skutočnosti je v rovnakom veku ako samotné umenie. A to znamená osobu. Koniec koncov, to, čo dnes nazývame umenie, je pôvodný znak a nespochybniteľný dôkaz ľudskej existencie vo svete. Bez ohľadu na to, ako ďaleko v minulosti poznanie siaha, vidíme, že bytosť, sebavedome a bez výhrad nazývaná človekom, si vždy vytvorila určité priestorové alebo časové formy, ktoré obsahujú a vyjadrujú niečo viac ako seba. A na základe toho zachovávajú v samotnej osobe nezodpovedný a niekedy vedomý pocit spolupatričnosti k inej, väčšej, trvalej, k nejakej hlbokej, neviditeľnej dimenzii sveta a seba samého. Do budúcnosti poviem: takáto skúsenosť je životne dôležitá a liečivá v tom najobecnejšom, nediferencovanom zmysle slova.

Nepriamym potvrdením skutočnosti, že arteterapia má korene v nepamäti staroveku, môžu byť praktiky takzvaných tradičných alebo „primitívnych“ spoločností, ktoré psychologicky a fyzicky ovplyvňujú ľudí rytmicko-intonačnými, motoricko-plastickými, farebne-symbolickými aspektmi. rituálov.

Umenie v modernejšom zmysle slova, ktoré vyplynulo z primárneho rituálno-magického synkretizmu, tiež odpradávna vykazovalo terapeutický potenciál. Najmä legendy o Pytagorasovi a Pytagorejcoch svedčia o tom, že cieľavedomé použitie toho či onoho hudobného režimu zmenilo vnútorný stav, zámery a činy ľudí. Platón jasne videl vzdelávací a terapeutický potenciál umenia. Je pravda, že tiež videl, že za určitých podmienok sa ich účinok môže stať deštruktívnym - ale o tom, aký liečebný prostriedok nemožno povedať rovnako? Bez ohľadu na to, aký tajomný môže ostať plný význam aristotelovskej katarzie, niet pochýb o tom, že to znamená istý druh obnovy a očistenia duše pod vplyvom scénického predstavenia atď.

Vráťme sa k umeniu našej doby, ktoré je čoraz zreteľnejšie, ba dokonca aj módnou súčasťou psychologickej praxe. Rozvetvuje, dáva vzniknúť všetkým novým smerom: muzikoterapia, animácia, biblioterapia, choreo-, bábkové, farebné, rozprávkové terapie, terapeutické modelovanie, terapeutické divadlo ... Najširšia škála duševných a fyzických chorôb na človeka sa vzťahuje arteterapeutická prax: sklon k depresiám, úzkosti, poruchám spánku, tlaku, reči, senzomotorickej sfére, komunikačné schopnosti, problémy s korekciou, rehabilitáciou, podporou ľudí so zdravotným postihnutím ... Pôsobenie arteterapeuta spočíva v „cielené“, niekedy dokonca na lekársky predpis. Takže sa vytvárajú zoznamy hudobných diel, ktorých počúvanie sa zobrazuje v konkrétnom prípade; diela sú špeciálne zložené, ktorých kolízie by mali umelcom pomôcť vyriešiť podobné traumatické situácie v ich domácom alebo ateliérovom živote.

Poznámka: tento prístup k umeniu, aj keď je odôvodnený dobrým účelom a efektívnosťou, má utilitárnu aplikáciu: terapeut využíva samostatné, v podstate periférne črty druhov umenia a konkrétnych diel, ktoré ich korelujú s rovnako špecifickými okolnosťami život klienta. Všeobecná podstata umenia, umelecká premena bytia, ktorá podľa slov M. Prishvina pobáda spisovateľa „vážne preložiť svoj život do jedného slova“, zostáva v pozadí. Ďalej zvážim možnosť iného prístupu, ktorú som takmer „nechal skĺznuť“ hneď na začiatku článku.

Úžasný učiteľ-animátor a arteterapeut Y. Krasnyn nazval jednu zo svojich kníh „Umenie je vždy terapia“ (3). Kniha pojednáva o ťažko chorých deťoch a o mimoriadne špecifických metódach práce s nimi v animačnom štúdiu. Názov však hovorí o tom, že ponorenie do sféry umeleckého vývoja sveta je samo o sebe liečivé a prospešné. A nielen pre človeka uznaného za chorého.

Potvrdzuje to prírodoveda aj učiteľská prax. Domáce a zahraničné štúdie v oblasti hudobnej psychológie tak odhaľujú priaznivé účinky hudby na osobnú a intelektuálnu úroveň ((4); (5)), hovoria o jej integrálnom pozitívnom vplyve na dieťa počnúc prenatálnym obdobím ( 6). Intenzívne hodiny výtvarnej výchovy nielenže zintenzívňujú všeobecný duševný vývoj dospievajúcich, ale aj naprávajú deformácie hodnotovej sféry (7), zvyšujú duševnú činnosť a celkovú výkonnosť školákov (8). Je dobre známe, že v tých vzdelávacích inštitúciách, kde sa aspoň nejakému druhu umeleckej tvorivosti venuje náležitá pozornosť, stúpa emocionálny tón detí, ktoré sa lepšie spájajú s učením a so samotnou školou, menej trpia povestnými preťaženiami a školou. neurózy, je menej pravdepodobné, že ochorejú a lepšie sa učia.

Takže je správne hovoriť nielen o arteterapii pre tých, ktorí to už potrebujú, ale aj o všeobecnej „umeleckej prevencii“ - a ako viete, prevencia je vo všetkých ohľadoch lepšia ako liečba. V očakávaní čias, kedy bude niečo také možné v domácom všeobecnom vzdelávaní, sa pokúsime zistiť, ako môže mať skúsenosť s umeleckou tvorbou, komunikáciou s umením liečivý účinok na ľudskú osobnosť.

Budete musieť začať zďaleka. Najprv si však urobme niekoľko dôležitých upozornení.

Prvá z nich je nevyhnutná na zabránenie jednej príliš zjavnej námietke. Mnoho fenoménov moderného umenia, najmä našich čias (hovorím o umení na vážnej profesionálnej úrovni), mierne povedané, nie je nositeľom a „generátorom“ duševného zdravia; Pokiaľ ide o vnútorný stav a osud niektorých talentovaných ľudí v oblasti umenia, nemôžete to svojim deťom a študentom priať. Aké sú dôvody tvrdenia, že duševné zdravie tak úzko súvisí s umeleckou tvorbou? Hneď poviem: tieňové stránky modernej kultúry, vrátane umeleckej, sú celkom skutočné, ale ich diskusia by sa mala začať, doslova a do písmena, „od Adama“. V rámci tejto práce nemôžeme nič také podniknúť, a preto pri zohľadnení tejto stránky veci budeme hovoriť o absolútne pozitívnych aspektoch ľudskej umeleckej tvorivosti, ktoré nepochybne prevládajú na škále kultúrnych dejín. Uvedená námietka sa navyše vzťahuje výlučne na profesionálne umelecké prostredie určitého historického obdobia. Teraz hovoríme o umení vo všeobecnom vzdelávaní a jeho pozitívna úloha tu je nepochybná a potvrdzujú ju vyššie uvedené príklady. Pokiaľ ide o samotné rozdiely medzi „univerzálnymi“ a profesionálnymi umeleckými skúsenosťami, táto téma si vyžaduje aj osobitnú hlbokú diskusiu. Zatiaľ sa obmedzíme na krátku nápovedu: v modernej sekularizovanej a mimoriadne špecializovanej kultúre sa tieto dve oblasti líšia takmer rovnako ako pre každého užitočná telesná výchova - a športy s vysokým výkonom, plné psychických a fyzických traum.

A druhá výhrada. Úvahy uvedené nižšie nepredstierajú, že sú dôkazom v tradičnom „prísne vedeckom“ zmysle slova. Rovnako ako všetci ostatní v „vedeckej“ humanitárnej sfére znalostí sa nesnažia „o presnosť vedomostí“, ale o „hĺbku prieniku“ (9) a smerujú k integrálnej, nie úplne verbálnej skúsenosti čitateľa ako partnera v dialógu.

Takže po prvé: aké sú najobecnejšie, najhlbšie zakorenené a nesituačné dôvody nášho psychologického utrpenia a potenciálnych duševných chorôb? Obrazne povedané, jeden z nich spočíva v „horizontálnej“, druhý - vo „vertikálnej“ dimenzii bytia, zatiaľ čo samotný človek je so svojimi vnímanými i nevedomými ťažkosťami a rozpormi neustále v mieste ich priesečníka.

Nevýhoda „horizontálne“ má pôvod v tom, že naše vedomé „ja“, vyčnievajúce na začiatku života z primárnej nerozdelenej celistvosti, sa nevyhnutne postaví proti okolitému svetu ako akýsi „nie ja“ a v podmienkach moderná racionalizovaná kultúra „tvrdne“ v tejto prirodzenej, ale jednostrannej opozícii; „Oplotiť“ svoje územie, akoby sa uzavrel v priehľadnej, ale nepreniknuteľnej psychologickej schránke odcudzenia sa svetu, akoby spočiatku vonkajšej a cudzej. Sám sa exkomunikuje z účasti na existencii all-inclusive.

Intelektuálne i emocionálne si človek utvára obraz začínajúceho a nekonečného sveta, ktorý žije podľa svojich vlastných, čisto objektívnych prírodných a sociálnych zákonov a je ľahostajný k jeho pominuteľnej existencii. Svet neosobných, človekom určujúcich vzťahov príčin a následkov, ktorým je možné sa prispôsobiť iba dočasne. V tejto súvislosti sa teoretici zamýšľajú nad „konečnou atomizáciou vedomia moderného jednotlivca“ alebo (ako napríklad psychológ S. L. Rubinstein) tvrdia, že v takom svete nie je miesto pre človeka ako takého; básnikom sa rodí obraz „púšte sveta“, ktorý pomáha tvorivosti prechádzať (spomenieme si na neskôr!).

Samozrejme, nie každý človek, nieto ešte dieťa, sa bude takýmto úvahám oddávať. Ale keď je v nevedomej pamäti človeka jeho vlastná integrita a univerzálna podstata, počiatočná ontologická jednota so svetom, jeho potreba zabezpečiť, aby „na púšti sveta nie som sám“ (O. Mandelstam) nedostal odpoveď a potvrdenie, vytvára sa tak trvalý spoločný základ pre psychické ťažkosti, ktoré sú neredukovateľné voči konkrétnym každodenným problémom a situáciám.

Pozoruhodný etnograf W. Turner označil archaickú, ale účinnú formu prekonania, respektíve prevencie tohto ochorenia, za cyklickú regulovanú zmenu dvoch spôsobov existencie tradičnej spoločnosti, ktorú definoval ako „štruktúru“ a „communitas“ ( tj spoločenstvo, účasť (10) Po väčšinu svojho života zostáva každý člen prísne hierarchickej a štruktúrovanej spoločnosti vo svojom vlastnom veku, pohlaví, „profesionálnej“ bunke a koná v prísnom súlade so systémom sociálnych očakávaní. krátka doba je zrušený a každý sa rituálne ponorí do priameho zážitku úplnej jednoty, zahŕňajúcej ostatných ľudí, prírodu a svet ako celok. Dotknutím sa jediného základného princípu bytia sa ľudia môžu vrátiť k svojmu každodennému fungovaniu vo svojej rozštiepenej sociálnej štruktúre bez ohrozenia duševného zdravia.

Je zrejmé, že v iných historických a kultúrnych podmienkach nie je fenomén communitas v tejto podobe reprodukovateľný, má však veľa analógov: od kultúry karnevalu po tradície zborového spevu, od starodávnych záhad až po účasť na náboženských sviatostiach (avšak , v tomto prípade „vertikálne» Meranie diskutovaného problému, o ktorom bude reč neskôr). Teraz je však dôležité zdôrazniť niečo iné: človek bez toho, aby si to uvedomoval, hľadá pripútanosť k niečomu „väčšiemu, ako je on sám“. A absencia takejto skúsenosti - pozitívnej, spoločensky schválenej - sa zmení na absurdné, niekedy deštruktívne a patologické objavy blokovanej potreby „atomizovaného jedinca“ vymaniť sa z „vlajok“ svojej samostatnosti a pripojiť sa k určitému „my“. (Pripomeňme si, aký vplyv majú niektoré smery na poslucháčov súčasná hudba, o správaní futbalových fanúšikov a o mnohých oveľa temnejších prejavoch psychológie davu a na druhej strane o depresiách a samovraždách na základe psychologickej osamelosti.)

Akú terapeutickú alebo lepšie povedané profylaktickú hodnotu môžu mať v tejto veci skúsenosti s umeleckou tvorbou?

Faktom je, že samotné jeho schopnosti nie sú založené na individuálnych zmyslových alebo iných schopnostiach spojených s realizáciou aktivít v tej či onej forme umenia, ale na zvláštnom holistickom ľudskom prístupe k svetu a k sebe samému vo svete, ktorý je medzi umelcami., ale je potenciálne charakteristická pre každého človeka a obzvlášť úspešne sa uplatňuje v detstve. Psychologický obsah tohto estetického postoja opakovane popisovali predstavitelia rôznych druhov umenia, rôznych epoch a národov. A jeho hlavnou črtou je práve skutočnosť, že neviditeľná bariéra, ktorá izoluje sebauzatvorené ja od zvyšku sveta, v estetickom zážitku mizne a človek priamo a vedome prežíva svoju ontologickú jednotu s predmetom estetického vzťahu a dokonca s svet ako celok. Potom sa mu zvláštnym spôsobom odhalí jedinečný zmyselný vzhľad vecí: ich „ vonkajšia forma»Ukázalo sa, že je priezračným nositeľom duše, priamym vyjadrením vnútorného života, podobným a pre človeka zrozumiteľným. Preto sa aspoň na krátky čas cíti byť zapojený do existencie celého sveta a do jeho večnosti.

„Snažil som sa,“ hovorí V. Goethe vo svojej autobiografickej práci, aby sa s láskou pozrel na to, čo sa deje vonku, a aby som sa vystavil vplyvu všetkých bytostí, každý svojím spôsobom, počnúc ľudskou bytosťou a potom - pozdĺž zostupná čiara - do tej miery, v akej boli pre mňa zrozumiteľné. Vznikol teda úžasný vzťah k určitým prírodným javom, vnútorná zhoda s nimi, účasť na refréne všeobjímajúceho celku “(11, s. 456)

„A len preto, že sme v príbuzenskom vzťahu s celým svetom,“ hovorí náš skvelý spisovateľ a mysliteľ MM. Prishvin, mocou spriaznenej pozornosti obnovujeme spoločné puto a otvárame svoje osobné v ľuďoch iného spôsobu života, dokonca aj v zvieratách, dokonca aj v rastlinách, dokonca aj vo veciach “(12, s. 7). Tvorcovia umenia, ktorí žili v rôznych dobách a často o sebe nič nevedeli, svedčia o tom, že iba na základe takýchto skúseností môže vzniknúť skutočne umelecké dielo.

Teda estetický zážitok, ktorý - zdôrazňujeme! - v patričnej miere pedagogické podmienky každé dieťa si ho môže osvojiť, pomáha liečiť ontologickú trhlinu a „horizontálne“ obnoviť jednotu človeka so svetom. V každom prípade, dať človeku príležitosť, realitu tejto jednoty. A takáto skúsenosť, aj keď je zriedkavá, nie úplne reflektovaná, neudržiavaná vo vedomí, určite zostane v nevedomí, respektíve na nadvedomej úrovni a bude neustále podporovať človeka v jeho ľubovoľne zložitých vzťahoch s okolitým svetom. ho.

Poznámka: bolo treba spomenúť nadvedomie, čo znamená, že sme sa dostali k hranici, za ktorou sa naše myšlienky posúvajú do „vertikálneho“ plánu diskutovanej problematiky.

Konečným vyjadrením estetického zážitku, o ktorom sa doteraz diskutovalo, je známa línia F.I. Tyutcheva: „Všetko je vo mne a ja som vo všetkom! ..“ Nie je ťažké pochopiť, že tieto slová vyjadrujú nielen určitý zvláštny postoj k svetu, ale skôr - so svetom „horizontálne“ rozloženým okolo nás. Tu sa odhaduje iná úroveň sebauvedomenia a sebauvedomenia človeka, prítomnosť iného, ​​väčšieho „ja“, úmerného „všetkému“, schopného pojať „všetko“, a vďaka tomu aj dôvod pretože naše vnútorné ťažkosti spočívajú vo „vertikálnej“ dimenzii bytia.

V náboženskej a filozofickej literatúre, v dielach mnohých psychológov, v duchovných a praktických skúsenostiach ľudí rôznych časov a národov, ako aj v skúsenostiach so sebapozorovaním mnohých tvorivo nadaných ľudí nachádzame dôkazy, že spolu s empirické „ja“ nášho každodenného sebauvedomenia, v skutočnosti existuje niečo iné, „vyššie„ ja “, ktoré v sebe nesie celú plnosť možností, ktoré čiastočne realizujeme v časopriestore pozemského života a v podmienkach obmedzené spoločensko-kultúrne prostredie. Ak nebudem môcť podrobne diskutovať o tejto téme v rámci tohto článku, poznamenám iba, že bez takéhoto predpokladu nie je možné vážne hovoriť o tvorivosti, také javy ako sebavzdelávanie, sebazdokonaľovanie atď. Sa stávajú nevysvetliteľnými.

Táto najvyššia „inštancia“ individuálnej ľudskej existencie sa nazýva inak: vyššie „ja“ - na rozdiel od každodenného, ​​„pravé“ - na rozdiel od iluzórneho a premenlivého, „večné“ - na rozdiel od smrteľného, ​​prechodného “. zadarmo "- na rozdiel od súboru biosociálnych alebo akýchkoľvek iných" objektívnych "faktorov," duchovných "" I "(13)," tvorivých "I" (14) atď.

Kontaktovanie tohto „ja“ nadvedomia na cestách duchovného sebazdokonaľovania alebo v procese tvorivosti v konkrétnej oblasti alebo jeho prijatie akoby „zadarmo“ v prúde každodenného života sa človek cíti sám sebou predtým neznáma jasnosť, intenzita, istota a úplnosť ... Takéto vrcholy, ako napríklad skúsenosti s jednotou so svetom, o ktorých sme hovorili už skôr, sa nemôžu stať našim trvalým stavom, ale absencia alebo hlboké zabudnutie na túto skúsenosť - toto, obrazne povedané, „vertikálna priepasť“ - sa stáva príčina hlbokej vnútornej poruchy osoba, ktorú nie je možné odstrániť žiadnymi zmenami v jeho vonkajšom živote alebo súkromnými odporúčaniami konzultanta psychológa, ktoré nemajú vplyv na podstatu veci.

Filozof bude definovať túto medzeru ako „rozpor medzi podstatou a existenciou človeka“; humanistický psychológ - ako nedostatok sebarealizácie, ako „zbavenie vyšších potrieb“ (A. Maslow); psychoterapeut v ňom rozumne vidí príčinu straty zmyslu života - koreň všetkých chorôb (V. Frankl). V každom prípade hovoríme o tom, že nielenže vlastne nie sme „sami sebou“, čo možno nie je dosiahnuteľné v celom rozsahu - žijeme na vzdialenej periférii seba samého a nesnažíme sa obnoviť stratené spojenie s našimi vlastné skutočné „ja“ “, priblížte sa k nemu. Žijeme nielen v mimozemskom svete, ale v podstate mimozemšťania aj sami pre seba.

A opäť sa vynára rovnaká otázka: ako môže človeku v tejto situácii pomôcť skorá (alebo dokonca nielen skorá) skúsenosť s umeleckou tvorbou?

Vráťme sa trochu späť. V estetickom zážitku človek niekedy - neočakávane pre seba, prekročí obvyklé hranice svojho „ega“, žije spoločný život s veľkým svetom, a to vytvára úrodnú pôdu pre akési zjavenie o sebe samom, pre „stretnutie“ s veľkým ja, porovnateľné s týmto svetom. Muž, slovami básnika Walta Whitmana, zrazu s radosťou zistí, že je väčší a lepší, ako si myslel, že sa nezmestí „medzi topánky a klobúk“ ...

Mnoho majstrov umenia zažije a zaznamená si tento druh „stretnutia“ do svojich spomienok. Potom majú nápady, ktoré zjavne idú nad rámec ich bežných schopností, a napriek tomu sú stelesnené. V procese vytvárania alebo vykonávania diela sa človek cíti ako „nástroj“ v rukách „niekoho“ oveľa mocnejšieho a perspektívnejšieho a niekedy vníma výsledok oddelene, ako niečo, ku čomu nemá priamy vzťah. Takéto správy sa obvykle vyznačujú dôveryhodnou triezvosťou, nedostatkom afektu. Úroveň vedomia tejto skúsenosti je odlišná - od prežívania emocionálneho a energetického vzostupu, tvorivého odvážneho úsilia, prekračovania vlastných hraníc po vedomé, takmer na úrovni metodiky, priťahovania „tvorivého ja“ k spolupráci - ako napríklad v prax veľkého ruského herca M. Čechova (15) ... Nepokúsim sa nijakým spôsobom interpretovať tieto psychologické javy, o ktorých existencii je niet pochýb. Teraz je pre nás dôležité niečo iné: umelecká a tvorivá skúsenosť (a pravdepodobne každá skutočne tvorivá skúsenosť) je do istej miery skúsenosťou „byť sám sebou“. Umožňuje vám aspoň dočasne prekonať „vertikálnu priepasť“: zažiť okamih jednoty každodennosti - a vyššieho, tvorivého ja; prinajmenšom - pamätať a zažiť samotný fakt jeho existencie.

Dovoľte mi poznamenať: keď hovoríme o kreativite, nemám na mysli „vytváranie niečoho nového“, je to iba dôsledok, externý dôkaz procesu tvorivosti, navyše dôkazy nie sú vždy zrozumiteľné a nespochybniteľné. Pod tvorivosťou myslím v prvom rade prejav „vnútornej činnosti duše“ (16), ktorý sa realizuje ako slobodná (zvonku neurčená) generácia a stelesnenie vlastného zámeru v konkrétnej oblasti Života a kultúry.

Existuje veľa dôkazov, od teologických, po experimentálne a pedagogické, ktoré potvrdzujú, že každý človek je od prírody tvorcom; potreba vytvoriť v najvšeobecnejšom zmysle slova „žiť zvnútra“ (metropolita Anthony zo Sourozhu) charakterizuje samotnú podstatu človeka tým najintímnejším spôsobom. A uvedomenie si tejto potreby je nevyhnutnou podmienkou pre duševné zdravie a jej blokovanie, ktoré je tak charakteristické najmä pre moderné všeobecné vzdelávanie, je zdrojom implicitného, ​​ale vážneho nebezpečenstva pre ľudskú psychiku. Ako hovorí moderný výskumník V. Bazarny, človek je buď tvorivý, alebo chorý.

Ak sa vrátime k obrazovo-symbolickým súradniciam našej prezentácie, môžeme povedať, že skutočná tvorivosť sa rodí práve v nitkovom kríži horizontálnej a vertikálnej osi - obnovenom vzťahu človeka k sebe samému a k svetu. Keď človek vidí spriaznený svet okolo seba očami vyššieho, tvorivého ja a realizuje možnosti tvorivého ja v obrazoch, jazyku, materialite okolitého sveta. Táto harmónia je zakomponovaná do každého skutočne umeleckého diela (bez ohľadu na to, aký zložitý alebo tragický môže byť jeho konkrétny obsah) a priamo ovplyvňuje diváka, čitateľa alebo poslucháča, prebúdza v ňom spomienku, aj keď nejasnú, na počiatočnú jednotu so svetom a na veľký „vnútorný človek.“ V sebe.

Tu prirodzene vyvstáva otázka. Je zrejmé, že tvorivosť a umelecká tvorba nie sú v žiadnom prípade synonymom, že tvorivá sebarealizácia je možná vo všetkých oblastiach ľudskej činnosti a vo všetkých jeho vzťahoch so svetom; prečo tak zdôrazňujeme význam umenia a umeleckej tvorby pre duševné zdravie človeka a najmä rastúceho človeka?

Jedná sa v prvom rade o vekovú prioritu umenia. Práve v tejto oblasti môžu prakticky všetky deti predškolského veku, základnej školy, mladšieho dospievania v priaznivých pedagogických podmienkach získať emocionálne pozitívnu a úspešnú skúsenosť s tvorivosťou ako takou, tvorbou a stelesnením svojich vlastných nápadov.

Ďalej. Existuje ešte jedna oblasť kultúry, v ktorej môžu deti vo veku 9, 7, 4 rokov vytvoriť niečo, čo spoločnosť a najvyššia odborná elita považuje za cenné? Cenné nie preto, že to dieťa urobilo, ale cenné ako nezávislý fakt kultúry? A v umení je to presne tak: vynikajúci majstri všetkých druhov umenia videli deti ako svojich mladších kolegov, ktorí sú schopní vytvárať estetické hodnoty už viac ako sto rokov a ani sa nebránia niečo sa od nich naučiť. . Ešte jedna vec. Mladý (ale stále nie 4 alebo 7!) Fyzik alebo matematik robí v zásade to isté, čo dospelý vedec, len pred mnohými rokmi: „detská veda“ neexistuje. A umenie pre deti existuje: keďže je umelecky hodnotné, dielo dieťaťa zároveň nesie výraznú vekovú značku, ľahko rozpoznateľnú a neoddeliteľnú od umeleckej hodnoty diela. Toto hovorí z môjho pohľadu o hlbokej „zhode s prírodou“ umeleckej tvorivosti: dieťa získava plnohodnotný tvorivý zážitok v tých najvhodnejších formách veku pre neho.

Existujú však ťažko vysvetliteľné javy, keď dieťa vytvorí text alebo kresbu, ktorá nenesie žiadnu vekovú značku, a to ani v emocionálne zmysluplnom zmysle, ani z hľadiska dokonalosti stelesnenia myšlienky. , a mohli by patriť k dospelým umelcom. Nie som pripravený podrobne diskutovať a vysvetľovať tento úžasný fenomén - iba vám pripomeniem, že dospelý umelec vo svojej tvorbe je „viac ako on sám“. A je lepšie povedať - deje sa to „samo od seba“.

A. Melik-Pashaev

Literatúra

1. Myšlienky estetickej výchovy. Zborník v 2 zväzkoch. Zv. 1, M.: „Umenie“, 1973
2. Aristoteles. Poetika. (O umení poézie.) M.: Štátne vydavateľstvo beletria 1957
3. Yu.E. Krasnyj UMENIE je vždy terapia. M .: Publishing house LLC Interregional Center for Management and Political Consulting, 2006
4. A. V. Toropova Rozvoj celistvosti osobnosti prostredníctvom zmyslového naplnenia hudobného vedomia dieťaťa. / Metodika pedagogiky hudobnej výchovy (vedecká škola E.B. Abdullina). - M., Moskovská štátna pedagogická univerzita, 2007.S. 167-180.
5. Kirnarskaya D.K. Hudobné schopnosti. M.: Talenty - XXI. Storočie, 2004
6. Lazarev M. Nová paradigma vzdelávania. Umenie v škole, č.3, 2011
7. Sitnova E.N. Vplyv výtvarnej a estetickej výchovy na rozvoj osobnosti v dospievaní a dospievaní. Abstrakt dizertačnej práce. Kandidát dizertačnej práce, M., 2005
8. Kashekova I. Čísla a iba čísla. Umenie v škole, č.4, 2007
9. Bakhtin M.M. Estetika verbálnej tvorivosti), Moskva: Umenie, 1979.
10. Turner, W. Symbol a rituál (Moskva: Nauka, 1983)
11. Goethe, V. Poézia a pravda, Collected Works, zv. 3, Fiction Publishing, 1976.
12. Prishvin M.M. Silou spriaznenej pozornosti. M.: Art at school, M., 1996
13. Florenskaya T.A. Dialóg z praktickej psychológie. M .: 1991
14. Melik-Pashaev A.A. Svet umelca. M.: Tradícia pokroku, 2000
15. Čechov M.A. Literárne dedičstvo v 2 zväzkoch. M.: Art, 1995
16. Zenkovskij V.V. Problém duševných príčin. Kyjev, 1914

, A. T. Matveev, P. V. Miturich, V. I. Mukhina, I. I. Nivinsky, N. I. Niss-Gol'dman, P. Ya. Pavlinov, K. S. Petrov-Vodkin, A. I Savinov, MS Saryan, NA Tyrsa, NP Ulyanov, PS Utkin, VA Favorsky , IM Čajkov.

Členovia a vystavovatelia: I. P. Akimov, M. M. Axelrod, M. A. Arinin, M. S. Askinazi, V. G. Bekhteev, G. S. Vereisky, A. D. Goncharov, M. E. Gorshman, L. D. Gudiashvili, EG Davidovich, EV Egorov, ID Ermakov, IV Zholtovsky, LK Ivanovsky, VI Kashkin, IV Klyun, M. V. Kuznecov, N. N. Kupreyanov, S. I. Lobanov, K. S. Malevich, Z. Ya. Mostova (Matveeva-Mostova), V. M. Midler, V. A. Milashevsky, B. V. Milovidov, AP Mogilevskij, PI Neradovskij, AP Ostroumova-Lebedeva, NI Padalitsyn , IA Puni, VF Reidemeister, MS Rodionov, NB Rosenfeld, S. M. Romanovich, V. F. Ryndin, N. Ya. Simonovich-Efimova, N. I. Simon, M. M. Sinyakova-Urechina, A. A. Soloveichik, A. I. Stolpnikova, A. I. Tamanyan, NP Tarasov, MM Tarkhanov, VP Fedorenko, NP Feofilaktov, AV Fonvizin, VF Franchetti, RV Frenkel-Manyusson, II Chekmazov, N. M. Černyšev, V. D. Shitikov, S. M. Shor, I. A. Shpinel, V. A. Shchuko, A. V. Shchusev, V. M. Yustitsky, B. A. Yakovlev iné.

Výstavy: 1. - 1925 (Moskva) - 3. - 1929 (Moskva); 1928 (Leningrad)

Vzniklo z iniciatívy bývalých členov združení „Modrá ruža“ a „Svet umenia“. Umelci vyhlásili za prioritu vysokú odbornú zručnosť a emocionálny obsah diela. Účelom spoločnosti bolo študovať špecifickosť a interakciu rôznych druhov umenia, ako aj vývoj urbanistických princípov, monumentálnej propagandy a navrhovanie interiérov verejných budov.

Na organizačnom stretnutí bol za predsedu spoločnosti zvolený P. V. Kuznecov, za jeho zástupcu V. A. Favorsky a za tajomníka K. N. Istomin. V roku 1928 bola prijatá charta, ktorá uvádzala: „S cieľom aktívne sa podieľať na socialistickej výstavbe a rozvoji revolučnej kultúry sa spoločnosť Four Arts Society združuje v rámci umelcov RSFSR pôsobiacich v oblasti maľby, sochárstva, architektúry a grafiky, zameraný na podporu rastu umelecká zručnosť a kultúru výtvarného umenia prostredníctvom výskumu a praktickej práce jeho členov a šírenia umeleckých a technických poznatkov. ““

Spoločnosť nemala vlastné priestory; stretnutia sa konali striedavo v dielňach jej členov. Okrem riešenia aktuálnych problémov sa konali stretnutia so spisovateľmi a básnikmi, organizovali sa literárne čítania a hudobné večery. Bola vyvinutá známka (na základe náčrtu A.I. Kravčenka) a transparent Spoločnosti (na základe náčrtu E.M. Bebutovej). Vytvorila sa výstavná porota.

Prvá výstava bola otvorená v apríli 1925 v Štátnom múzeu výtvarných umení v Moskve s podporou GAKhN. 28 umelcov predstavilo 215 diel (vydaný katalóg); na vernisáži bol ľudový komisár školstva A.V. Na vernisáži a v nedeľu bola na výstave predstavenie hudobných telies.

Druhá výstava bola organizovaná s podporou Výtvarného oddelenia hlavných vied v novembri 1926 v sálach Štátneho historického múzea; 72 umelcov predstavilo 423 diel (vyšiel katalóg). Výstava mala všeobecne priaznivý ohlas v tlači. Kritik I. Khvoinik napísal: „ Špecifická hmotnosť skupina vo formálne umeleckom zmysle je daná prítomnosťou spravodlivého počtu veľkých majstrov, ktorí tvoria jadro tohto združenia. Účasť týchto majstrov, ktorí boli celkom ustálení a znateľní aj pred revolúciou, je možno hlavným záujmom skupiny. V tomto zmysle je obzvlášť silný „sektor“ spoločnosti. “ Ten po slávení najlepších majstrov výstavy (P. V. Kuznecov, V. A. Favorsky, A. I. Kravčenko, L. A. Bruni, P. I. Lvov, P. V. Miturich, P. Ya. Pavlinov, IM Čajkov) zhrnul: „Tematicky celá výstava vytvára dojem príliš „parnasiánskeho“ postoja celej skupiny k životu. Z takmer 400 diel drvivá väčšina svedčí o ponorení do krajiny, obdive k prírode a veľkých sympatiách k zátišiu ... Až na malé výnimky je celá výstava tematicky spojená s našou dobou veľmi slabými náznakmi, zbavenými ostrosť a jas husto naberaného života “(„ Soviet Art, 1926, č. 10. S. 28–32). F. Roginskaya dal podobný popis: „Ak pristúpime k„ 4 umeniu “ako umeleckému združeniu, možno ho charakterizovať ako zoskupenie, hoci má pomerne vysoký stupeň umeleckej kultúry, ale stojí niekde mimo modernosti, mimo to. To nie je dané iba znakom deja, to znamená chýbajúcim spojením pozemkov so súčasným životom, a to nielen hlavnou náladou, ... ale dokonca aj formálnymi znakmi, ktoré neobsahujú žiadne viditeľné prvky schopné tvorivého výstupu a pohybu združenia “(„ Pravda “, 1926, 6. novembra).

Spoločnosť „4 Arts“ Society v reakcii na to vydala vyhlásenie, v ktorom obhajuje svoje vlastné princípy: „Umelec ukazuje divákovi v prvom rade umeleckú kvalitu jeho diela. Iba v tejto funkcii je vyjadrený umelcov prístup k svetu okolo neho ... V podmienkach ruskej tradície považujeme za najvhodnejšie umelecká kultúra našej doby, maliarsky realizmus. Obsah našich diel nie je charakterizovaný zápletkami. Naše obrazy preto nijako nepomenujeme. Výber zápletky charakterizuje umelecké úlohy, ktorým sa umelec venuje. V tomto zmysle je dej iba zámienkou na tvorivú transformáciu materiálu do umeleckej formy ... “(Ročenka literatúry a umenia za rok 1929).

Po druhej výstave sa rozhodlo ukázať najlepšie diela z prvých dvoch výstav v Leningrade a expozíciu doplniť dielami leningradských umelcov. Po rokovaniach s riaditeľom Štátneho ruského múzea P. I. Neradovským boli Spoločnosti poskytnuté nižšie sály múzea. Výstava bola otvorená 3. marca 1928; Zúčastnilo sa 51 umelcov, vystavilo sa 284 diel (vyšiel katalóg). Leningradskí umelci (A. E. Karev, V. V. Lebedev, P. I. Lvov, K. S. Petrov-Vodkin, N. A. Tyrsa) tiež reprezentovali Spoločnosť na výstave Súčasné leningradské umelecké skupiny (1928/1929).

Tretia (posledná) moskovská výstava „4 umenia“ sa konala v máji 1929 v aule Moskovskej štátnej univerzity na ulici Mokhovaya; Zúčastnilo sa 49 umelcov, vystavilo sa 304 diel (vyšiel katalóg). Získala dramaticky rad kritické hodnotenia v tlači. Takže časopis AHR „Umenie pre masy“ (1929, č. 3–4. Str. 52) napísal: „Spoločnosť„ 4 umenia “je jedným z tých, ktoré sa čoraz viac izolujú od spoločenských vplyvov a stávajú sa úzko cechom. , so znakmi aristokratickej izolácie podľa organizácie ... charakteristickým znakom poslednej výstavy „4 umenia“ je výrazné posilnenie mystického a neobjektívneho krídla spoločnosti ... Aký je výsledok tejto výstavy? Táto výstava po prvé potvrdzuje, že umelci, ktorí nečerpajú svoje sily z efektívnych sociálnych motívov, nevyhnutne vyblednú ... Spoločnosť „4 Arts“, ktorá si ako svoje motto nastavuje boj za kvalitu a nový štýl, v úzkom cechu a úplnom ignorovaní pre sociálny politický postoj krajiny Sovietov o tom špekuluje a svoje úspechy prezentuje ako univerzálnu kvalitu a metódu. ““

Napriek kritike sa spoločnosť zúčastnila veľkých skupinových výstav „Život a každodenný život detí Sovietsky zväz„(August 1929), dve putovné výstavy organizované Glavischestvom Ľudového komisariátu pre vzdelávanie (1929, Moskva; 1930, Nižný Novgorod, Kazaň, Sverdlovsk, Perm, Ufa, Samara, Saratov, Penza). Kritika sa však zintenzívnila. V apríli 1930 vyšiel v časopise „Art to the mases“ článok s názvom „Umelecké pašovanie alebo kto a ako slúži„ 4 umenia “(1930, č. 4. S. 10-12), v ktorých členovia spoločnosti boli obvinení z toho, že sú „buržoázni“, „sociálna pasivita“, „idealistický formalizmus“, závislosť od „dekadentných a upadajúcich foriem západoeurópskeho umenia“.

Uznesenie umeleckého sektora Ľudového komisariátu pre vzdelávanie o správe moskovských umeleckých spoločností prijaté koncom 30. rokov 20. storočia vyzvalo na „radikálnu reštrukturalizáciu“ spoločnosti a „očistenie jej radov“. Pod vplyvom tvrdej kritiky sa Spoločnosť zničila. Začiatkom roku 1931 požiadala skupina jej bývalých členov (K. N. Istomin, V. M. Midler, M. S. Rodionov, V. F. Ryndin, A. V. Fonvizin, N. M. Černyšev a ďalší) o členstvo v AHR.

Zdroje :

1. Boj za realizmus vo výtvarnom umení 20. rokov: Materiály, dokumenty, spomienky. M., 1962. S. 230 - 235.
2. Výstavy sovietskeho výtvarného umenia. Adresár. T. 1. 1917-1932. M., 1965. S. 153-154, 179-180, 261, 294-295.
3. T. Kotovič... Encyklopédia ruskej avantgardy. Minsk, 2003. S. 389–390.
4. Omega I.... Umelecké prevádzačstvo alebo kto a ako sa podáva „4 umenie“ // Umenie pre masy. 1930, č.4 (apríl). S. 10-12.
5. Severyukhin D. Ya., Leikind O. L... Zlatý vek umeleckých združení v Rusku a ZSSR. Adresár. SPb., 1992. S. 341–343.
6. Khvoinik I. E... „Štyri umenia“ a ich výstava // Sovietske umenie, 1926, č. 10. S. 28–32.

(9/11)

Rozmanitosť umenia je neobmedzená. Čo máte radšej: kino, divadlo, maľba, hudba? Prečo?

Umenie je v encyklopédiách definované ako proces a výsledok tvorby hmotných diel, ktoré odrážajú krásu alebo realitu. „Výtvarné umenie“ označuje niekoľko disciplín, ktorých účelom je vytvárať hmotné veci, ktoré odrážajú posolstvo, náladu a symboly, ktoré má interpret interpretovať.

Umenie zahŕňa rôzne formy, ako je prozaická tvorba, poézia, tanec, herectvo, sochárstvo, maľba, hudba atď. Pojem „umenie“ často znamená „výtvarné umenie“ - maľba, sochárstvo, kresba, gravírovanie. Inštalačné umenie, nábytok, priemyselný dizajn, grafický dizajn a ďalšie sú súčasťou úžitkového umenia. Existuje množstvo umení, vrátane vizuálneho umenia a dizajnu, dekoratívneho umenia, plastického umenia a múzických umení. Umelecký prejav môže mať mnoho podôb: maľba, kresba, grafika, sochárstvo, hudba a architektúra. Medzi nové formy patrí fotografia, film, videoart, konceptuálne umenie, performance, land art, móda, komiks, počítačové umenie. V každej forme môže existovať široká škála žánrov.

Zo všetkých foriem umenia mám najradšej maľbu a hudbu. Skutočne ma zaujíma maľba z niekoľkých dôvodov. Po prvé, je to jedna z najstarších foriem umenia. Ľudia maľovali asi 6-krát tak dlho, ako písali. Najstarší nájdený obraz je starý viac ako 32 000 rokov. Maľba je forma umenia, ktorej veria mnohí, že vyjadrujú pocity a nápady vo vizuálnej podobe. Pomocou vizuálnych obrazov - farieb, svetla a tieňa, foriem a tvarov, nás maliar nechá pochopiť svoje poňatie života, podeliť sa o svoje pocity a vychutnať si krásu sveta. Po druhé, maľba vám ponúka široký výber štýlov, umožňuje nám byť tak konkrétnymi alebo abstraktnými, ako chceme. Zo širokej škály rôznych umeleckých škôl a štýlov (realizmus, impresionizmus, kubizmus, fauvismus, surrealizmus, modernizmus, pop-art atď.) Si môžete vybrať ten, ktorý sa vám páči. Umelecké školy, ktoré uprednostňujem, sú realizmus a impresionizmus, pretože si myslím, že vykresľujú formu a náladu tým najvýraznejším a najživším spôsobom.

Druhou umeleckou formou, ktorá ma veľmi zaujíma, je hudba. Pojem „hudba“ je ťažké definovať. Dá sa to vysvetliť napríklad ako umenie vytvárať príjemné kombinácie zvukov v rytme, harmónii a kontrapunte. Hudbu, ktorú skladatelia tvoria, možno počuť z viacerých médií; najtradičnejším spôsobom je počuť to naživo za prítomnosti účinkujúcich. Živá hudba sa môže vysielať aj prostredníctvom rozhlasu, televízie alebo internetu. Po prvé, hudba mi pomáha uvoľniť sa a odbúrať stres. Keď počúvam hudbu, klasiku, džez, rap alebo inú hudbu, ktorá ma baví, zabúdam na ťažkosti každodenného života; hudba poskytuje únik z každodenných problémov. Stres sa rozplýva, keď ma pohltí krása hudby. Môže mi pomôcť cítiť sa pokojne a hlboko uvoľnene. Po druhé, hudba ovplyvňuje moje emócie. Každý druh hudby nastavuje odlišnú náladu a mení moju. Pritahuje to moju myseľ aj podvedomie. Či už sa cítim smutne, frustrovaný alebo zmätený, počúvam veselú alebo nežnú hudbu a nálada sa mi posúva.

Existuje veľa divízií a zoskupení hudby. Medzi väčšie žánre patrí klasická hudba, populárna hudba alebo komerčná hudba, country hudba a ľudová hudba. Klasická hudba je sofistikovaná a rafinovaná, ale je to univerzálna forma komunikácie, historicky to bola hudba vyšších vrstiev spoločnosti. Populárna hudba je hudba patriaca do niektorého z mnohých hudobných štýlov, ktorá je prístupná širokej verejnosti; väčšinou sa distribuuje komerčne. Niekedy sa mu hovorí skratka pre pop music, aj keď sa popová hudba častejšie používa pre užšie odvetvie populárnej hudby. Popová hudba je zvyčajne nezabudnuteľná a jej hlasy, texty a nástroje vytvárajú chytľavé melódie. Popová hudba láka poslucháčov ľahkým zvukovým obrazom.

Preložiť nasledujúce vety do angličtiny.
1. Zo všetkých neobmedzených druhov umeleckých foriem uprednostňujem maľbu a hudbu.
2. Umenie je populárne u mnohých ľudí, pretože odráža krásu sveta.
3. Výtvarné umenie zahŕňa maľbu, kresbu, gravúru, sochárstvo a množstvo úžitkových umení, ako je inštalácia, priemyselný dizajn, grafický dizajn atď.
4. Umelecký prejav nadobúda tradičné formy, ako je maľba, sochárstvo, hudba a architektúra, ako aj množstvo nových foriem, ako je fotografia, videoart, koncepčné umenie, terénne úpravy atď.
5. Vizuálne obrazy, ktoré umelec používa, ako napríklad farba, svetlo, tieň, tvar, vyjadrujú jeho víziu života.
6. Najdôležitejšie prvky hudby sú zvuky, rytmus, harmónia a kontrapunkt.
7. Hudba zahŕňa mnoho žánrov (druhov), ako je populárna alebo komerčná hudba, country hudba, klasická hudba.
8. Klasická hudba bývala hudbou vyšších vrstiev spoločnosti, populárna hudba je k dispozícii širokému publiku.

1. Z neobmedzenej rozmanitosti umenia mám najradšej maľbu a hudbu.
2. Umenie je populárne u mnohých ľudí, pretože odráža krásu alebo realitu.
3. Medzi výtvarné umenia patrí maľba, kresba, gravírovanie, sochárstvo a množstvo ďalších úžitkových umení, ako je inštalačné umenie, priemyselný dizajn, grafický dizajn atď.
4. Umelecké vyjadrenie má tradičné formy ako maľba, sochárstvo, hudba a architektúra a množstvo nových foriem, ako je fotografia, videoart, konceptuálne umenie, landart atď.
5. Vizuálne obrazy používané maliarom, ako sú farby, svetlo, tieň, tvar, vyjadrujú jeho predstavu o živote.
6. Najdôležitejšie prvky hudby sú zvuky, rytmus, harmónia a kontrapunkt.
7. Hudba zahŕňa mnoho žánrov, napríklad populárna hudba alebo komerčná hudba, country hudba, klasická hudba.
8. Klasická hudba bývala hudbou vyšších vrstiev spoločnosti, populárna hudba je prístupná širokej verejnosti.

Z príručky „Unified State Exam. English. Oral Topics“ Zanina E.L. (2010, 272 s.) - Časť prvá. Témy skúšky z angličtiny. Formuláre 9/11.

Die kunst

In der Kunst widerspiegelt sich die Welt. Sie hilft dem Menschen sein schöpferisches Können zeigen. Die Kunst bereichert und formt den Menschen, erzieht die besten Eigenschaften an, appelliert an menschliche Gefühle, lässt ihn miterleben, mitdenken.

Es gibt verschiedene Kunstarten: Kino, Theater, Malerei, Skulptur, Literatur, Architektur, Tanz und Musik. Die Kunst nimmt im Leben der Menschen einen wichtigen Platz. Dank ihr wird das Leben schöner. Durch die Kunst lernen die Menschen die Natur und die anderen Menschen besser kennen und verstehen ihre Gedanken.

Viele Menschen interessieren sich für Kunst. Ich bin auch keine Ausnahme. Malerei bereitet mir besonderes Vergnügen. Mir gefallen solche Maler wie Schischkin, Aiwasowski, Serow.

Die Bilder von Schischkin "Der Roggen", "Waldische Weite" nageln die Schönheit des russischen Waldes fest. Diese Bilder, wie sein ganzes Schaffen, sind der Bestätigung der Größe und Anmut der russischen Natur gewidmet.

Bei Aiwasowski ist das Bild "Das Schwarze Meer" bekannt. Das ist sein bestes Bild in 70-80 Jahren. Vojna Das Meer, Lieblingsthema. Er stellte das Meer in seinen verschiedenen Zuständen, vo verschiedener Beleuchtung dar.

Serow schuff sein erstes Meisterwerk "Das Mädchen mit Pfirsichen", tiež ako 22 Jahre alt vojna. Dieses Mädchen hat am Bild einen ernsten, rýchlo erwachsenen Augenblick. In diesem Augenblick erraten sich hohe Ideale. Er war ein berühmter Porträtmaler. Außer Porträte arbeitete er auch an den Landschaften, in denen manchmal die Bauern dargestellt wurden.

Čl

Svet sa odráža v umení. Pomáha človeku preukázať jeho tvorivé schopnosti. Umenie obohacuje a formuje človeka, vychováva tie najlepšie vlastnosti, apeluje na ľudské city, umožňuje vám zažiť, premýšľať.

Existujú rôzne druhy umenia: kino, divadlo, maľba, sochárstvo, literatúra, architektúra, tanec a hudba. Umenie zaujíma v ľudskom živote dôležité miesto. Vďaka nemu sa život stáva krajším. Ľudia sa prostredníctvom umenia učia lepšie spoznávať prírodu a iných ľudí a chápať ich myšlienky.

Mnoho ľudí sa zaujíma o umenie. A tiež nie som výnimkou. Maľovanie ma mimoriadne teší. Mám rád umelcov ako Shishkin, Aivazovsky, Serov.

Shishkinove obrazy „Žito“, „Lesné vzdialenosti“ zdôrazňujú krásu ruského lesa. Tieto obrazy, rovnako ako všetky jeho diela, sú venované potvrdzovaniu veľkosti a milosti ruskej prírody.

Aivazovského obraz „Čierne more“ je dobre známy. Toto je jeho najlepší obraz v 70. a 80. rokoch. More bolo jeho obľúbenou témou. Zobrazil more v rôznych stavoch, v inom osvetlení.

Serov vytvoril svoje prvé majstrovské dielo „Dievča s broskyňami“, keď mal 22 rokov. Toto dievča na obrázku má vážny, takmer dospelý vzhľad. V tomto pohľade sa hádajú vysoké ideály. Bol slávnym maliarom portrétov. Okrem portrétov pracoval aj na krajine, na ktorej boli niekedy vyobrazení roľníci.

„Umenie pre umenie“, „čisté umenie“ je sa vyvinul vo Francúzsku v 19. storočí podmienené meno rad estetických preferencií a konceptov, spoločné vonkajšie znamenie ktoré - uplatnenie vnútornej hodnoty umeleckej tvorivosti, nezávislosť umenia od politiky, spoločenské požiadavky, výchovné úlohy. Pojmy „umenie pre umenie“ sa v zásade líšia v sociálnom a ideologickom pôvode a v objektívnom význame. Pojmy „umenie pre umenie“ často reagujú na zvýšený „utilitarizmus“ určitých škôl a trendov, na pokusy podriadiť umenie politickej moci alebo sociálnej náuke. V takýchto prípadoch sa ukazuje, že obrana je sebaobranou umenia pred silami nepriateľskými voči nemu, zachovávajúc jeho duchovnú špecifickosť, nezávislosť v rade ďalších foriem vedomia a činnosti. Túžba vytvoriť svet krásy napriek škaredej realite vychádza z prehnanej predstavy o vlastnej sile umenia pri premene života a často vedie k estetike. V skutočnej umeleckej praxi sa však proklamovanie umeleckého faktu ako „čistého umenia“ ukazuje spravidla ako úmyselný alebo nedobrovoľný podvod, ktorý je často zásterkou pre konzervatívny a iný nepopulárny v r. tento moment tendencie (napríklad v Rusku v období liberálnej činnosti v 60. rokoch 18. storočia, keď prívrženci „Umenia pre umenie“ bránili svoj verejný konzervativizmus a uchýlili sa k autorite A. S. Puškina).

Túžba brániť „čisté umenie“ sa pozoruje v pohľadoch na staroveký východ, v grécko-rímskom staroveku (v „alexandrijskej“ poézii, v rímskej literatúre posledných storočí ríše), v období neskorej renesancie - v manýrisme, Gongorizmus. Prvýkrát bol pojem „umenie pre umenie“ formulovaný v knihe G. E. Lessinga „Laocoon“ (1766). Myšlienky sa v 19. storočí formujú do určitej teórie, podobne ako reakcia na extrémy utilitarizmu osvietenstva. I. Kantova doktrína praktického nezáujmu o „súdy vkusu“ (estetické zážitky), jednotlivé vzorce F. Schillera o umení ako „hre“ a estetickom „vzhľade“ (Schiller F. Články o estetike) slúžili nielen romantikom ako posilnenie myšlienok o slobode inšpirácie, ale absolutizované sa stali teoretickým zdrojom pojmu „umenie pre umenie“. Doba železná (EA Baratynsky) spôsobila rozkvet sociálnej analýzy realizmu a reakciu ochranných síl umenia ako takého. Ich jednostrannosť dominuje estetickému mysleniu stúpencov romantizmu. Charakteristickým javom je škola „Parnassians“ vo Francúzsku a jej majster T. Gautier (predhovor k románu „Mademoiselle de Maupin“, 1835-36); ich náklonnosť k dokonalej podobe, snaha o expresívne plastiky slovného obrazu vedie k umeleckému efektu; ale to sa dosahuje za cenu zdôrazneného ignorovania verejnosti a spoločnosti. Podľa Gauthiera spočíva sila C. Baudelaira v tom, že „stál za bezpodmienečnou slobodou umenia, nedovolil, aby poézia mala iný cieľ ako poézia“ (Baudelaire C. Kvety zla). Charakteristický rozpor: obrana absolútnej nezávislosti umenia sa mení na skutočnú neslobodu pri výbere tém, zákaz občianskych problémov. O. Wilde bol pevným zástancom umenia pre teóriu umenia.

Druh „umenia pre umenie“ sú v podstate moderné prírodovedné produkty. Spoločenská ostrosť, ktorá je vlastná predovšetkým najlepším dielam bratov Goncourtovcov alebo G. Flauberta, sa medzi epigónmi rozplýva v kopírovaní javov, ktoré je samo riadené, a umenie je niekedy priamo vyhlásené za výlučný prostriedok potešenia (v románoch JC Huysmans). Rôzne formy „akademizmu“ vo vizuálnom umení sa tiež stávajú pevnosťou „umenia pre umenie“ v negatívnom zmysle tohto konceptu; obhajujú večné normy krásy, často sa aktívne stavajú proti reprodukcii modernej reality ako „drsnej“ (boj „akademizmu“ s „putovným hnutím“ v Rusku). Formalistické tendencie, s ktorými sa stretli niektorí predstavitelia raného symbolizmu (S. Mallarmé), prerastajú do programov a škôl, ako je futurizmus a početné následné formy estetického extrémizmu. Teda kedysi progresívny koncept sebaobrany umenia degeneruje do praktickej propagandy jeho sebazničenia. Čoraz viac nepopulárnejšie umenie pre umelecké nápady iba v ére, ktorá je nám blízka časť do estetických konštruktov, ktoré vystupujú proti extrémom sociologizmu. Myšlienka „Umenie pre umenie“ sa neočakávane objavuje pod rúškom boja proti „intuicionizmu“ tradičných dejín umenia. Formalisti v básnickom diele teda videli iba „text“, ktorý sa mal rozložiť na zariadenia.

„Umenie pre umenie“ v Rusku

V ruskom umení sa slogany „Umenie pre umenie“ stali skutočne militantnými od 40. do 50. rokov 19. storočia, keď boli polemicky proti prírodnej škole alebo „gogoľovskému trendu“. Belinsky vo svojom článku „Básne M. Lermontova“ (1841) uistil: „Poézia nemá cieľ mimo seba, ale sama má cieľ.“ Neskôr v článku „Pohľad na ruskú literatúru 1847“ pod vplyvom liberálneho prostredia zmenil názor: „Napriek tomu si myslíme, že myšlienka čistého, samostatného umenia žijúceho vo vlastnej sfére ... je abstraktná, zasnená myšlienka. Takéto umenie nebolo nikdy nikde vidieť. ““ Od druhej polovice 19. storočia boli najnaliehavejším predmetom sporov Puškinove rozsudky o slobode umelca vyjadrené v básňach „Básnik“ (1827), „Básnik a dav“ (1828), „The Básnik "(1830) a ďalší. Odporcovia" gogoľovského trendu "(AVDruzhinin, SSDudyshkin, PV Annenkov, čiastočne" mladí "slovanofili) absolutizovali určité lyrické vzorce básnika (" Nie pre každodenné vzrušenie ... "atď.) .), vydávajúc ich za hlavný motív Puškinovej estetiky a obchádza ich konkrétny historický význam. NG Chernyshevsky a NA Dobrolyubov rezolútne odmietli „Umenie pre umenie“ kvôli svojim známym obmedzeniam, metafyzike a polemickej zaujatosti nevyvrátili interpretáciu Puškinových diel podporovateľov teórie „umenia“ a obrátili svoju kritiku proti sám básnik, uznávajúc ho iba za veľkého majstra formy. D.I. Pisarev dokončil zvrhnutie Puškina a upevnil nedorozumenie: identifikácia samotného programu „Umenie pre umenie“, estetika svojej podstaty s požiadavkou slobody inšpirácie, vnútornej nezávislosti umelca, a len to presadzoval Puškin. Škole „čistého umenia“ sa v ruskej poézii 19. storočia bežne pripisovalo niekoľko básnikov (A.A. Fet, A. N. Maikov, čiastočne N. F. Šcherbin v „antologických“ a občianskych otázkach. Tendencie tejto školy v čase verejnej reakcie v 80. rokoch 19. storočia sa prejavili v poézii A. N. Apukhtina, A. A. Golenishcheva-Kutuzova, K. M. Fofanova. Ale na rozdiel od predchádzajúcej éry sa takáto poézia nevyhla ani tak civilizmu, ako skôr sklamanie z ilúzií o „univerzálnej blaženosti“ (slovami A. K. Tolstého), ktoré sú vlastné mentalite určitých vrstiev liberálnej inteligencie; zjavne to nespadá do rámca čl. V literárnych školách, ktoré vznikli po symbolike (ego-futurizmus, imagizmus, čiastočne akmeizmus), sa myšlienka „Umenie pre umenie“ na ruskej pôde v podstate vyčerpala. V.Ya.Bryusov, A. Bely a najmä A.A. Blok v priebehu času čoraz nástojčivejšie presadzovali spojenie medzi poéziou a životom spoločnosti, hoci umenie stavali nad každú duchovnú činnosť.