Болящий дух лікує песнопенье
Е. Баратинський

Арттерапія, якщо розуміти її як цілеспрямоване використання деяких психологічних і медичних ефектів художньої творчості і сприйняття, представляється явищем зовсім недавнім з історичної точки зору.

Але навряд чи ми помилимося, сказавши, що вона - не по назві, а по суті - ровесниця самого мистецтва. А значить, і людини. Адже те, що ми зараз називаємо мистецтвом, являє собою початковий ознака і незаперечне свідчення людського існування в світі. Як би далеко в минуле ні простягалося пізнання, ми бачимо, що істота, впевнено і без застережень зване людиною, завжди створювало ті чи інші просторові або тимчасові форми, які містять і висловлюють щось більше самих себе. І в силу цього зберігають в самій людині несвідоме, а іноді і усвідомлене почуття причетності до іншого, більшого, неминущому, до деякого глибинного, невидимому виміру світу і себе самого. Забігаючи вперед, скажу: подібний досвід життєво значущий і цілителів в самому узагальненому, недиференційованому сенсі слова.

Непрямим підтвердженням того, що арттерапія корениться в сивої давнини, можуть служити практики так званих традиційних, або «примітивних» суспільств, психологічно і фізично впливають на людей ритмо-інтонаційними, рухово-пластичними, кольорово-символічними сторонами ритуалів.

Мистецтва в більш сучасному сенсі слова, що виділилися з первинного ритуально-магічного сінкрета, також здавна виявляли терапевтичний потенціал. Зокрема, перекази про Піфагора і піфагорійців свідчать, що цілеспрямоване застосування того чи іншого музичного ладу змінювало внутрішній стан, наміри і вчинки людей. Платон чітко бачив виховно-терапевтичні можливості мистецтв. Правда, бачив він також, що при певних умовах, оскільки це може стати руйнівним - але про яке цілющому засобі не можна сказати того ж? Яким би загадковим ні залишався повний сенс аристотелевского катарсису, безсумнівно, що він означає якесь оновлення і очищення душі під впливом сценічного дійства, і т.д, і т.п.

Повернемося до артерапіі наших днів, яка стає все більш помітною, навіть модною складової психологічної практики. Вона галузиться, породжує все нові напрямки: терапія музична, анімаційна, библиотерапия, хорео-, кукло-, кольорово, казкотерапія, лікувальна ліплення, терапевтичний театр ... Найширший діапазон душевного і тілесного неблагополуччя людини охоплюється арт-терапевтичної практики: схильність до депресії, тривожність, порушення сну, тиску, мови, сенсомоторної сфери, комунікативних здібностей, проблеми корекції, реабілітації, підтримки людей з обмеженими можливостями ... Дії арттерапевт носять «прицільний», часом навіть рецептурний характер. Так, створюються переліки музичних творів, прослуховування яких показано в тому чи іншому конкретному випадку; спеціально складаються п'єси, колізії яких повинні допомогти виконавцям дозволити аналогічні травмуючі ситуації в їх домашньої або студійного життя.

Зауважу: такий підхід до мистецтва, хоча і виправданий благою метою і ефективністю, носить утилітарно-прикладний характер: терапевт використовує окремі, по суті периферичні особливості видів мистецтв і конкретних творів, співвідносячи їх з настільки ж конкретними обставинами життя клієнта. Загальна суть мистецтва, художнє перетворення буття, то, що за висловом М. Пришвіна, спонукає письменника «переводити всерйоз життя свою в слово», залишається на задньому плані. Нижче я розгляну можливість іншого підходу, про який майже «проговорився» на самому початку статті.

Чудовий педагог-аніматор і арттерапевт Ю.Красний назвав одну зі своїх книг «Арт - завжди терапія» (3). Книга - про важко хворих дітей і про гранично конкретних методиках роботи з ними в анімаційній студії, але назва красномовно говорить про те, що занурення в сферу художнього освоєння світу цілюще і благотворно саме по собі. І не тільки для людини, визнаного хворим.

Це підтверджують і наука, і педагогічна практика. Так, вітчизняні та зарубіжні дослідження в галузі музичної психології виявляють благотворний вплив музики в особистісному та інтелектуальному планах ((4); (5)), говорять про її цілісному позитивному впливі на дитину, починаючи з пренатального періоду (6). Посилені заняття образотворчим мистецтвом не тільки інтенсифікують загальний розумовий розвиток підлітків, а й виправляють викривлення ціннісної сфери (7), підвищують розумову активність і загальну успішність школярів (8). Добре відомо, що в тих навчальних закладах, де хоча б якогось виду художньої творчості приділяють достатньо уваги, підвищується емоційний тонус дітей, вони починають краще ставитися до навчання і до самої школи, менше страждають від горезвісних перевантажень і шкільних неврозів, рідше хворіють і краще вчаться.

Так що можна говорити не тільки про арттерапії для тих, хто в ній вже потребує, а й про загальну «артпрофілактіке» - а профілактика, як відомо, у всіх відносинах краще лікування. В очікуванні часів, коли щось подібне можна буде у вітчизняному загальну освіту, постараємося розібратися, за рахунок чого досвід художньої творчості, спілкування з мистецтвом може надавати цілющу дію на людську особистість.

Почати доведеться здалеку. Але перш зробимо важливі застереження.

Перша з них необхідна, щоб попередити одне дуже очевидне заперечення. Багато явища мистецтва новітнього часу, особливо - наших днів (говорю про мистецтво серйозного професійного рівня), м'яко кажучи, не є носіями і «генераторами» душевного здоров'я; що стосується внутрішнього стану і долі деяких талановитих людей мистецтва, то цього не побажаєш своїм дітям та учням. Які ж підстави стверджувати, що душевне здоров'я полягає в такому вже тісній спорідненості з художньою творчістю? Скажу відразу: тіньові сторони сучасної культури, в тому числі культури художньої, цілком реальні, але їх обговорення потрібно вести, починаючи, в прямому і переносному сенсі, «від Адама». Зробити що-небудь подібне в рамках даної роботи ми не можемо, і тому, маючи на увазі цю сторону справи, будемо говорити про безумовно позитивних аспектах художньої творчості людини, які в масштабах історії культури, безсумнівно, переважають. Крім того, наведене заперечення відноситься виключно до професійної художньої середовищі певного історичного періоду. Ми ж говоримо зараз про мистецтво в загальну освіту, і тут позитивна роль його не викликає сумнівів і підтверджується наведеними вище прикладами. Що стосується самих відмінностей «загальнолюдського» та професійного художнього досвіду, то ця тема теж вимагає спеціального глибокого обговорення. Обмежимося поки коротким натяком: в сучасній секуляризованому і гранично спеціалізованої культурі ці дві сфери розрізняються майже так само, як корисні для всіх заняття фізкультурою - і спорт вищих досягнень, що загрожує психологічними і фізичними травмами.

І друга застереження. Міркування, викладені нижче, не претендують на доказовість в традиційному, «строго науковому» сенсі слова. Як і все в «інонаучного», гуманітарній сфері знання, вони прагнуть не до «точності знання», а до «глибиною проникнення» (9), і звернені до цілісного, не до кінця вербалізуемой досвіду читача як партнера в діалозі.

Отже, перш за все: які найзагальніші, глибинні і несітуатівние причини нашого психологічного неблагополуччя і потенційного психічного нездоров'я? Образно кажучи, одна з них лежить в «горизонтальному», інша - в «вертикальному» вимірі буття, тоді як сама людина, з його усвідомлюваними та несвідомими труднощами і суперечностями, перебуває постійно в точці їх перетину.

Негаразди «по горизонталі» корениться в тому, що наше свідоме «я», виділяючись на початку життя з первинної нерасчлененной цілісності, з необхідністю протиставляє себе навколишнього світу як деякого «не тільки я» і, в умовах сучасної раціоналізованій культури, «твердне» в цьому закономірний, але односторонньому протиставленні; «Огороджує» свою територію, як би укладає себе в прозору, але непроникну психологічну оболонку відчуженості від світу, нібито спочатку зовнішнього і далекого йому. Саме відлучає себе від причетності до всеедіной буття.

І в інтелектуальному, і в емоційному плані у людини формується образ безпочаткового і нескінченного світу, що живе за своїми, суто об'єктивних природних і соціальних законів і байдужого до його швидкоплинному існуванню. Миру безособових, що детермінують людини причинно-наслідкових зв'язків, до якого можливо лише тимчасово пристосуватися. Теоретики розмірковують в зв'язку з цим про «граничної атомізірованності свідомості сучасного індивіда» або (як наприклад, психолог С.Л. Рубінштейн) говорять, що в такому світі людини як такої немає місця; у поетів народжується образ «пустелі світу», пройти яку (запам'ятаємо для подальшого!) допомагає пройти творчість.

Зрозуміло, далеко не кожна людина, а тим більше дитина, стане вдаватися до подібної рефлексії. Але коли несвідома пам'ять людини про власну цілісності і універсальну природу, про споконвічну онтологічну єдність зі світом, його потреба переконатися, що «в пустелі світу я не самотній» (О. Мандельштам) не отримують відгуку і підтвердження, це створює постійну загальну основу психологічного неблагополуччя , несводимого до конкретних життєвих проблем і ситуацій.

Архаїчну, але дієву форму подолання, точніше - попередження цієї недуги чудовий етнограф У.Тернер описав як циклічну регламентовану зміну двох способів існування традиційного суспільства, які він визначив як «структура» і «коммунитас» (тобто спільність, прилученість (10) . Велику частину життя кожен член строго відрізняти за ознаками раси і стуктурований суспільства перебуває в своїй віковій, гендерної, «професійної» осередку і діє в суворій відповідності з системою соціальних очікувань. Але в певні періоди ця структура на короткий час скасовується, і кожен ритуально занурюється в безпосереднє переживання всеєдності, що охоплює і інших людей, і природу, і світ в цілому. Доторкнувшись до єдиної першооснові буття, люди можуть без загрози для психічного здоров'я повертатися до повсякденного функціонування в своїй розчленованої соціальній структурі.

Очевидно, що в інших історико-культурних умовах феномен коммунитас в такому вигляді невоспроізводім, але він має безліч аналогів: від культури карнавалу до традицій хорового співу, від древніх містерій до участі в релігійних таїнствах (правда, в цьому випадку ясно заявляє про себе «вертикальне »вимір обговорюваної проблеми, про який йтиметься далі). Але зараз важливо наголосити на іншому: людина, не усвідомлюючи того, визиску прилучення до чогось «більшого себе». І відсутність такого досвіду - позитивного, соціально схвалюється - обертається абсурдними, часом руйнівними і патологічними проривами блокованої потреби «атомизированного індивіда» вирватися за «прапорці» своєї окремості і долучитися до якогось «ми». (Згадаймо про вплив на слухачів деяких напрямків сучасної музики, про поведінку футбольних уболівальників і про багатьох набагато більш похмурих проявах психології натовпу, а з іншого боку - про депресію і суїцид на грунті психологічного самотності.)

Яке ж терапевтичне або, краще сказати, профілактичне значення може мати в цьому питанні досвід художньої творчості?

Справа в тому, що в основі самої його можливості лежать не окремі сенсорні або будь-які інші здібності, пов'язані із здійсненням діяльності в тому або іншому виді мистецтва, а особливе цілісне ставлення людини до світу і до себе в світі, яке сильно розвинене у художників , але потенційно властиво кожній людині і особливо успішно актуалізується в дитячому віці. Психологічний зміст цього естетичного ставлення багаторазово описано представниками різних видів мистецтва, різних епох і народів. І головна його особливість саме в тому, що в естетичному переживанні зникає невидимий бар'єр, що ізолює самозамкнутое «я» від решти світу, і людина безпосередньо і усвідомлено переживає своє онтологічне єдність з предметом естетичного ставлення і навіть зі світом в цілому. Тоді особливим чином відкривається йому неповторний чуттєвий вигляд речей: їх «зовнішня форма» виявляється прозорою носієм душі, прямим виразом внутрішнього життя, родинного і зрозумілою людині. Тому й самого себе він відчуває, хоча б на короткий час, причетним буття всього світу і його вічності.

«Я прагнув - говорить у своєму автобіографічному творі В.Гете, з любов'ю дивитися на те, що відбувається зовні і піддати себе впливу всіх істот, кожного на його власний лад, починаючи з людської істоти і далі - по низхідній лінії - в тій мірі, в якій вони були для мене збагненна. Звідси виникло чудове спорідненість з окремими явищами природи, внутрішнє співзвуччя з нею, участь у хорі всеосяжного цілого »(11, с.456)

«І тільки тому, що ми є родичами з усім світом, - каже наш великий письменник і мислитель М.М. Пришвін, відновлюємо ми силою родинного уваги загальну зв'язок і відкриваємо своє ж приватне в людях іншого способу життя, навіть в тварин, навіть рослинах, навіть в речах »(12, с.7). Творці мистецтва, що жили в різні часи і часто нічого не знали один про одного, свідчать, що тільки на грунті такого досвіду може зародитися істинно художній твір.

Так естетичний досвід, який - підкреслимо! - у відповідних педагогічних умов може пріобрестікаждий дитина, допомагає заростити онтологічну тріщину і відновити єдність людини зі світом «по горизонталі». У всякому разі, дати людині дослідно пережити можливість, реальність цієї єдності. А подібний досвід, навіть якщо він рідкісний, не цілком відрефлексувати, не утримано в свідомості, неодмінно збережеться на несвідомому, а вірніше сказати - на сверхсознательном рівні, і буде постійно підтримувати людину в його як завгодно складні взаємини з навколишнім світом.

Зауважимо: нам знадобилося згадати про сверхсознании, і це значить, що ми підійшли до тієї межі, за якою наші роздуми переміщаються в «вертикальний» план обговорюваного питання.

Граничним виразом естетичного досвіду, про який йшла мова до цих пір, можна визнати відому рядок Ф.І. Тютчева: «Все в мені, і я у всьому! ..» Не важко зрозуміти, що в цих словах виражено не тільки якесь особливе ставлення до світу, а краще сказати - з миром, «горизонтально» розпростертим навколо нас. Тут вгадується інший рівень самосвідомості і самовідчуття людини, присутність іншого, більшого «я», відповідного «всього», здатного вмістити «все», і завдяки цьому ясно промальовується причина нашого внутрішнього неблагополуччя, що лежить в «вертикальному» вимірі буття.

У релігійно-філософської літературі, в працях багатьох психологів, в духовно-практичному досвіді людей різних часів і народів, а також в досвіді самоспостереження численних творчо обдарованих людей ми знаходимо свідчення того, що поряд з емпіричним «я» нашого повсякденного самосвідомості реально існує інше, «вища« я », що несе в собі всю повноту можливостей, яку ми частково актуалізуємо в просторі-часі земного життя і в умовах обмеженої соціокультурного середовища. Не маючи можливості в рамках даної статті міркувати на цю тему докладно, зауважу тільки, що без такого припущення неможливо говорити всерйоз про творчість, незрозумілими стають такі явища, як самовиховання, самовдосконалення і т.д.

Цю верховну «інстанцію» індивідуального людського буття називають по-різному: вища «я» - на відміну від повсякденного, «справжнє» - на відміну від ілюзорного і мінливого, «вічне» - на відміну від смертного, що минає, «вільний» - в відміну від детермінованого сукупністю біосоціальних або будь-яких інших «об'єктивних» чинників, «духовне» «я» (13), «творче« я »(14) і т.д.

Стикаючись з цим «я» надсвідомості на шляхах духовного самовдосконалення, або в процесі творчості в тій чи іншій області, чи отримуючи це як би «даром» в потоці повсякденного життя, людина відчуває себе самим собою з перш невідомої виразністю, інтенсивністю, переконливістю і повнотою . Зрозуміло, подібні піки, як і переживання єдності зі світом, про які ми говорили раніше, не можуть стати нашим постійним станом, але відсутність, або глибоке забуття подібного досвіду - цей, образно кажучи, «розрив по вертикалі» - стає причиною глибокої внутрішньої невлаштованості людини, непереборний якими б то не було змінами в його зовнішньому житті або приватними рекомендаціями консультанта-психолога, не порушують суті справи.

Філософ визначить цей розрив як «розбіжність сутності та існування людини»; психолог-гуманіст - як відсутність самоактуалізації, як «депривації вищих потреб» (А. Маслоу); психотерапевт може з достатньою підставою побачити в ньому причину втрати сенсу життя - корінь всіх хвороб (В. Франкл). У будь-якому випадку мова йде про те, що ми не тільки не є актуально «самі собою», що, може бути, і не можна досягти у всій повноті - ми живемо на далекій периферії самих себе, не намагаючись відновлювати втрачений зв'язок з власним справжнім «я », наближатися до нього. Живемо не тільки в чужому світі, але по суті чужі і самим собі.

І знову виникає те ж питання: чому в цьому положенні може допомогти людині ранній (або навіть не тільки ранній) досвід художньої творчості?

Повернемося трохи назад. В естетичному переживанні людина, часом - несподівано для самого себе, перетинає звичні межі свого «его», живе спільним життям з великим світом, і це створює сприятливий грунт для свого роду одкровення про себе самого, для «зустрічі» з великим я, відповідним цьому світу. Людина, за висловом поетаУолта Уїтмена, раптом з радістю відкриває, що він більше і краще, ніж думав, що він не поміщається «між черевиками і капелюхом» ...

Такого роду «зустрічі» переживають і фіксують в спогадах дуже багато майстрів мистецтв. Тоді у них народжуються задуми, які явно виходять за межі їх звичайних можливостей, і, тим не менш, втілюються. У процесі створення або виконання твору людина відчуває себе «знаряддям» в руці «когось» набагато більш могутнього і прозорливого, а результат сприймає часом відсторонено, як щось таке, до чого він не має прямого відношення. Подібним самозвіту зазвичай властива вселяє довіру тверезість, відсутність афектації. Рівень усвідомленості цього досвіду різний - від переживання емоційно-енергетичного підйому, творчого дерзання, трансцендирования власних кордонів до свідомого, майже на рівні методики, залучення «творчого я» до співпраці - як, наприклад, в практиці великого російського актора М.Чехова (15) . Не буду намагатися будь-яким чином інтерпретувати ці психологічні феномени, саме існування яких не викликає сумнівів. Для нас зараз важливо інше: художньо-творчий досвід (а, ймовірно, і всякий істинно творчий досвід) - це, певною мірою, досвід «биванія самим собою». Він дозволяє подолати, хоча б на час, «розрив по вертикалі»: пережити момент єдності повсякденного - і вищого, творчого я; щонайменше - згадати і пережити самий факт його існування.

Зауважу: кажучи про творчість, я маю на увазі не «створення чогось нового», це лише наслідок, зовнішнє свідчення процесу творчості, до того ж свідчення не завжди виразне і безперечне. Під творчістю я розумію, в першу чергу, прояв «внутрішньої активності душі» (16), яка реалізується як вільний (детермінований ззовні) породження і втілення власного задуму в тій чи іншій області життя і культури.

Чимало існує свідчень, від богословських до експериментально-педагогічних, що підтверджують, що людина-кожен людина - творець за своєю природою; потреба творити в найзагальнішому сенсі слова, «жити зсередини назовні» (митрополит Антоній Сурожський) інтимні чином характеризує саму сутність людини. І реалізація цієї потреби - необхідна умова душевного здоров'я, а її блокування, настільки характерне, зокрема, для сучасного загальної освіти - джерело неявній, але серйозної небезпеки для людської психіки. Як говорить сучасний дослідник В. Базарний, людина буває або творчим, або хворим.

Повертаючись до образно-символічним координатами нашого викладу, можна сказати, що справжня творчість народжується якраз в перехресті горизонтальної та вертикальної осей - відновлених відносин людини з самим собою і зі світом. Коли людина бачить споріднений йому навколишній світ очима вищого, творчого я і реалізує можливості творчого я в образах, мові, матеріальності навколишнього світу. Ця гармонія втілюється у всякому істинно художньому творі (яким би складним або трагічним не було його конкретний зміст) і безпосередньо впливає на глядача, читача або слухача, пробуджуючи і в ньому пам'ять, нехай неясну, про споконвічну єднанні зі світом і про великий «внутрішній людині »в ньому самому.

Тут закономірно народжується питання. Очевидно, що творчість і художня творчість - аж ніяк не синоніми, що творча самореалізація можлива у всіх областях діяльності людини і в усіх його взаєминах зі світом; чому ж ми так підкреслюємо значення мистецтва і художньої творчості для душевного здоров'я людини, і зростаючого людини - особливо?

Йдеться, перш за все, про віковий пріоритеті мистецтва. Саме в цій області практично всі діти дошкільного, молодшого шкільного, молодшого підліткового віку можуть в сприятливих педагогічних умовах придбати емоційно позитивний і успішний досвід творчості як такої, породження і втілення власних задумів.

Далі. Чи існує інша галузь культури, в якій діти 9, 7, 4 років можуть створювати щось таке, що визнає цінним суспільство і вища професійна еліта? Цінним не тому, що це зробив дитина, а цінним як самостійний факт культури? А в мистецтві справа йде саме так: видатні майстри всіх видів мистецтва вже більше ста років бачать в дітях своїх молодших колег, здатних створювати естетичні цінності, і навіть не проти дечим у них повчитися. І ще одне. Малолітній (але все ж таки не 4- і не 7-річний!) Фізик або математик робить в принципі той же, що і дорослий вчений, тільки на багато років раніше: не існує «дитячої науки». А дитяче мистецтво існує: будучи художньо цінним, твір дитини в той же час несе яскраво виражену вікову позначку, легко впізнавану і невіддільну від художньої цінності твору. Це говорить, з моєї точки зору, про глибоку «природосообразности» художньої творчості: дитина набуває повноцінний творчий досвід в найбільш адекватних для нього вікових формах.

Зустрічаються, правда, важкозрозумілі явища, коли дитина створює текст або малюнок, який ні в емоційно-змістовному сенсі, ні навіть з точки зору досконалості втілення задуму ніякої вікової позначки не несе, і міг би належати дорослому художнику. Я не готовий до того, щоб обговорювати в деталях і пояснювати це дивовижне явище - нагадаю лише, що і дорослий художник у творчості буває «більше самого себе». А краще сказати - буває «самим собою».

А. Мелік-Пашаєв

література

1. Ідеї \u200b\u200bестетичного виховання. Антологія в 2-х томах. Т.1, М .: «Мистецтво», 1973 г.
2. Аристотель. Поетика. (Про мистецтво поезії.) М .: Гос.іздательство художньої літератури, 1957 р
3. Червоний Ю.Є. АРТ - завжди терапія. М.: Видавництво ТОВ Міжрегіональний центр управлінського і політичного консультування, 2006 р
4. Торопова А.В. Розвиток цілісності особистості через чуттєве наповнення музичної свідомості дитини. / Методологія педагогіки музичної освіти (наукова школа Е.Б.Абдулліна). - М., МПДУ, 2007. С. 167-180.
5. Кірнарская Д.К. Музичні здібності. М .: Таланти-ХХ1 століття, 2004 р
6. Лазарєв М. Нова парадигма освіти. Мистецтво в школі, №3, 2011 р
7. Сітнова Е.Н. Вплив художньо-естетичної освіти на розвиток особистості в підлітковому і юнацькому віці. Автореф. канд.дісс., М., 2005 р
8. Кашекова І. Цифри і тільки цифри. Мистецтво в школі, №4, 2007 р
9. Бахтін М.М. Естетика словесного творчества.М.: Мистецтво, 1979 г.
10. Тернер, У. Символ і рітуал.М.: Наука, 1983 г.
11. Гете, В. Поезія і правда.Собр.соч., Т.3.Іздателство художньої літератури, 1976 г.
12. Пришвін М.М. Силою родинного уваги. М .: Мистецтво в школі, М., 1996 р
13. Флоренская Т.А. Діалог у практичній психології. М.:, 1991 р
14. Мелік-Пашаєв А.А. Світ художника. М .: Прогрес-традиція, 2000 г.
15. Чехов М.А.Літературное спадщина в 2-х томах. М .: Мистецтво, 1995 г.
16. Зіньківський В.В. Проблема психічної причинності. Київ, 1914 р

, А. Т. Матвєєв, П. В. Митурич, В. І. Мухіна, І. І. Нівінскій, Н. І. Ніссен-Гольдман, П. Я. Павлинов, К. С. Петров-Водкін, А. І . Савінов, М. С. Сарьян, Н. А. Тирса, Н. П. Ульянов, П. С. Уткін, В. А. Фаворський, І. М. Чайків.

Члени і експоненти: І. П. Акімов, М. М. Аксельрод, М. А. Аринин, М. С. Аскіназі, В. Г. Бехтеев, Г. С. Верейський, А. Д. Гончаров, М. Е. Шира Горшман, Л . Д. Гудіашвілі, Е. Г. Давидович, Є. В. Єгоров, І. Д. Єрмаков, І. В. Жолтовський, Л. К. Івановський, В. І. Кашкін, І. В. Клюні, М. В . Кузнецов, Н. Н. Купреянов, С. І. Лобанов, К. С. Малевич, З. Я. Мостова (Матвєєва-Мостова), В. М. Мідлер, В. А. Милашевский, Б. В. Миловидов, А. П. Могилевський, П. І. Нерадовскій, А. П. Остроумова-Лебедєва, Н. І. Падаліцин, І. А. Пуні, В. Ф. Рейдемейстер, М. С. Родіонов, Н. Б. Розенфельд, С. М. Романович, В. Ф. Риндін, Н. Я. Симонович-Єфімова, Н. І. Симон, М. М. Синякова-Уречіна, А. А. Соловейчик, А. І. Столпнікова, А. І. Таманян, Н. П. Тарасов, М. М. Тарханов, В. П. Федоренко, Н. П. Феофілактов, А. В. Фонвізін, В. Ф. Франкетті, Р. В. Френкель-Манюссон, І. І. Чекмазов, Н. М. Чернишов, В. Д. Шитіков, С. М. Шор, І. А. Шпінель, В. А. Щуко, О. В. Щусєв, В. М. Юстицкий, Б. А. Яковлєв та інші.

Виставки: 1-я - 1925 (Москва) - 3-я - 1929 (Москва); Тисячі дев'ятсот двадцять вісім (Ленінград)

Засноване з ініціативи колишніх учасників об'єднань «Блакитна троянда» і «Світ мистецтва». Художники проголосили пріоритет високої професійної майстерності і емоційної змістовності твори. У завдання Товариства входило вивчення питань специфіки і взаємодії різних видів мистецтва, а також розробка містобудівних принципів, монументальна пропаганда, оформлення інтер'єрів громадських будівель.

На організаційних зборах головою товариства обрано П. В. Кузнєцов, його заступником - В. А. Фаворський, секретарем - К. Н. Істомін. У 1928 був прийнятий статут, в якому вказувалося: «Маючи на меті діяльну участь в соціалістичному будівництві і розвитку революційної культури, Товариство" Чотирьох мистецтв "об'єднує в межах РРФСР художників, що працюють в області живопису, скульптури, архітектури і графіки, ставлячи своїм завданням сприяння зростанню художньої майстерності і культури образотворчих мистецтв шляхом науково-дослідної та практичної роботи своїх членів і поширення художньо-технічних знань ».

Суспільство не мало власного приміщення; збори проводилися по черзі в майстернях його членів. Крім вирішення поточних питань, на них проводилися зустрічі з письменниками і поетами, влаштовувалися літературні читання та музичні вечори. Були розроблені марка (за ескізом А. І. Кравченко) і прапор Товариства (за ескізом Е. М. Бебутовой). Сформовано виставкове журі.

Перша виставка була відкрита в квітні 1925 в Державному музеї образотворчих мистецтв в Москві за підтримки ГАХН. 28 художників представили 215 творів (виданий каталог); на відкритті виступав нарком освіти А. В. Луначарський. На відкритті і по неділях на виставці проводилися виступи музичних ансамблів.

Друга виставка була організована за підтримки Мистецького відділу Главнауки в листопаді 1926 року в залах Державного Історичного музею; 72 художника представили 423 твори (виданий каталог). Виставка отримала в цілому доброзичливі відгуки в пресі. Критик І. Хвойник писав: «Питома вага групи в формально художньому сенсі визначається наявністю в ній неабиякої кількості великих майстрів, які становлять ядро \u200b\u200bцього об'єднання. Участь цих майстрів, цілком сформованих і помітних ще до революції, мабуть, являє головний інтерес групи. Особливо сильний в цьому сенсі графічний "сектор" суспільства ». Він же, відзначаючи потім кращих майстрів виставки (П. В. Кузнєцов, В. А. Фаворський, А. І. Кравченко, Л. А. Бруні, П. І. Львів, П. В. Митурич, П. Я. Павлинов , І. М. Чайків), підбив підсумок: «Тематично вся виставка створює враження надто" парнасский "відносини всієї групи до життя. З 400 майже робіт переважна більшість свідчить про занурення в пейзаж, про милування природою і великої симпатії до натюрморту ... За деякими виключеннями вся виставка тематично зв'язується з нашим часом вельми слабкими натяками, позбавленими дотепів і яскравості густо зачерпнутого побуту »(« Радянське мистецтво », 1926 № 10. С. 28-32). Подібну характеристику дала Ф. Рогінський: «Якщо підійти до" 4 мистецтвам "як до художнього об'єднання, його можна характеризувати як угруповання, хоча і володіє досить високим ступенем художньої культури, але стоїть десь в стороні від сучасності, поза нею. Це визначається не лише по сюжетному ознакою, т. Е. По відсутності зв'язку в сюжетах з поточної життям, і не тільки по основному настрою, ... але навіть за формальними ознаками, що не містить в собі ніяких видимих \u200b\u200bелементів, здатних творчо зійти і рухати об'єднання »(« Правда », 1926, 6 листопада).

У відповідь Суспільство «4 мистецтва» опублікував декларацію, в якій відстоював власні принципи: «Художник показує глядачеві, перш за все, художню якість своєї роботи. Тільки в цій якості виражається ставлення художника до навколишнього світу ... В умовах російської традиції вважаємо найбільш відповідним художній культурі нашого часу живописний реалізм. Зміст наших робіт характеризується не сюжетами. Тому ми ніяк не називаємо свої картини. Вибір сюжету характеризує художні завдання, які займають художника. У цьому сенсі сюжет є лише приводом до творчого перетворення матеріалу в художню форму ... »(Щорічник літератури і мистецтва на 1929 рік).

Після другої виставки було вирішено показати кращі роботи з перших двох виставок в Ленінграді, доповнивши експозицію творами ленінградських художників. Після переговорів з директором Державного Російського музею П. І. Нерадовскім Суспільству були надані нижні зали Музею. 3 березня 1928 відбулося відкриття виставки; брав участь 51 художник, експонувалося 284 твори (виданий каталог). Художники-ленінградці (А. Е. Карєв, В. В. Лебедєв, П. І. Львів, К. С. Петров-Водкін, Н. А. Тирса) представляли також Товариство на виставці «Сучасні ленінградські художні угруповання» (1928 / 1929).

Третя (остання) московська виставка «4 мистецтва» була проведена в травні 1929 в залах Московського державного університету на Мохової вулиці; брало участь 49 художників, експонувалося 304 роботи (виданий каталог). Вона отримала ряд різко критичних оцінок в пресі. Так, журнал АГР «Мистецтво в маси» (1929, №№3-4. С. 52) писав: «Суспільство" 4 мистецтва "відноситься до числа тих, які, все більше і більше ізолюючи себе від громадського впливу, стають вузько цехової , з рисами аристократичної відокремленості організацією ... характерною ознакою останньої виставки "4 мистецтва" є значне посилення містичного і безпредметного крила суспільства ... Який підсумок цієї виставки? По-перше, ця виставка підтверджує, що художники, які черпають свої сили з дієвих громадських спонукань, неминуче будуть в'янути ... Суспільство "4 мистецтва", поставивши своїм девізом боротьбу за якість і новий стиль, в межах вузької цеховщіни і цілковитого ігнорування суспільно політичної установки країни Рад, спекулює цим, видаючи свої досягнення за універсальне якість і метод ».

Незважаючи на критику, Товариство брало участь у великих групових виставках «Життя і побут дітей Радянського Союзу» (серпень 1929), двох пересувних виставках, організованих Главіскусством Наркомосу (1929, Москва; 1930 Нижній Новгород, Казань, Свердловськ, Перм, Уфа, Самара , Саратов, Пенза). Однак критика посилювалася. У квітні 1930 журнал «Мистецтво в маси» вийшов зі статтею «Художня контрабанда, або кого і як обслуговують" 4 мистецтва "» (1930, № 4. С. 10-12), в якій учасники Товариства були звинувачені в «буржуазності», «соціальної пасивності», «ідеалістичному формалізмі», пристрасть до «занепадницького і регресує формам західноєвропейського мистецтва».

У резолюції сектора мистецтв Наркомосу по доповіді московських художніх товариств, прийнятої в кінці 1930-х, містився заклик до «радикальної перебудови» Товариства і «чищенні його рядів». Під впливом жорсткої критики Суспільство самоліквідувалося. В початку 1931 група його колишніх членів (К. Н. Істомін, В. М. Мідлер, М. С. Родіонов, В. Ф. Риндін, А. В. Фонвізін, Н. М. Чернишов та інші) подали заяву про вступ в АГР.

джерела :

1. Боротьба за реалізм в образотворчому мистецтві 20-х років: Матеріали, документи, спогади. М., 1962. С. 230-235.
2. Виставки радянського образотворчого мистецтва. Довідник. Т. 1. 1917-1932. М., 1965. С. 153-154, 179-180, 261, 294-295.
3. Котович Т. В. Енциклопедія російського авангарду. Мінськ, 2003. С. 389-390.
4. Омега І. Художня контрабанда або кого і як обслуговують «4 мистецтва» // Мистецтво в маси. 1930 № 4 (квітень). С. 10-12.
5. Северюхін Д. Я., Лейкінд О. Л. Золотий вік художніх об'єднань в Росії і СРСР. Довідник. СПб., 1992. С. 341-343.
6. Хвойник І. Е. «Чотири мистецтва» і їх виставка // Радянське мистецтво, 1926, № 10. С. 28-32.

(9/11)

The variety of arts is unlimited. What do you prefer: cinema, theatre, painting, music? Why?

Art is defined in encyclopedias as the process and result of making material works, which reflect beauty or reality. The "creative arts" denote a number of disciplines whose purpose is to create material things which reflect a message, mood, and symbols for the viewer to interpret.

Art includes various forms such as prose writing, poetry, dance, acting, sculpture, painting, music, etc. The term "arts" often means "fine arts" - painting, sculpture, drawing, engraving. Installation art, furniture, industrial design, graphic design and others are included in applied arts. There are a variety of arts, including visual arts and design, decorative arts, plastic arts, and the performing arts. Artistic expression may take many forms: painting, drawing, printmaking, sculpture, music and architecture. New forms include photography, film, video art, conceptual art, performance art, land art, fashion, comics, computer art. Within each form, a wide range of genres may exist.

Of all the forms of art, I prefer painting and music. I am really interested in painting for several reasons. Firstly, it is one of the oldest forms of art. Humans have been painting for about 6 times as long as they have been writing. The oldest painting found is over 32,000 years old. Painting is a form of art which is believed by many to express feelings and ideas in the visual form. Using visual images - colours, light and shade, forms and shape, a painter makes us understand his concept of life, share his feelings and enjoy the beauty of the world. Secondly, painting offers you a wide choice of styles, it allows us to be as specific or abstract as we please. From the wide range of various art schools and styles (realism, impressionism, cubism, fauvism, surrealism, modernism, pop art, etc.) you can choose one to your liking. The art schools I prefer are realism and impressionism, as I think they depict form and mood in the most distinct and vivid way.

The second form of art I am really keen on is music. The term "music" is difficult to define. It can be explained, for example, as the art of making pleasing combinations of sounds in rhythm, harmony and counterpoint. The music that composers make can be heard through several media; the most traditional way is to hear it live, in the presence of performers. Live music can also be broadcast over the radio, television or the internet. Firstly, music helps me relax and relieve stress. When I listen to music, classical, jazz, rap or any other type of music I enjoy, I forget about the troubles of everyday life; music provides an escape from everyday problems. Stress melts away as I am taken in by the beauty of the music. It can help me feel calm and deeply relaxed. Secondly, music affects my emotions. Each type of music sets distinct mood and changes mine. In doing so, it appeals both to my mind and to the subconscious. Whether I am feeling sad, frustrated or confused, I listen to merry or tender music, and my mood shifts.

There are many divisions and groupings of music. Among the larger genres are classical music, popular music or commercial music, country music and folk music. Classical music is sophisticated and refined, but it is a universal form of communication, it historically was the music of the upper strata of society. Popular music is music belonging to any of a number of musical styles that are accessible to the general public; it is mostly distributed commercially. It is sometimes abbreviated to pop music, although pop music is more often used for a narrower branch of popular music. Pop music is usually memorable, with voices, lyrics, instruments creating catchy tunes. Pop music attracts listeners through easy sound images.

Translate the following sentences into English.
1. З усього безмежного різноманіття видів мистецтва я віддаю перевагу живопис і музику.
2. Мистецтво користується популярністю у багатьох людей, оскільки воно відображає красу світу.
3. Образотворчі мистецтва містять живопис, малюнок, гравюру, скульптуру і ряд прикладних видів мистецтва, таких як інсталяція, промисловий дизайн, графічний дизайн і т. Д.
4. Художнє вираження приймає традиційні форми, такі як живопис, скульптура, музика і архітектура, а також ряд нових форм, таких як фотографія, відеоісскусство, концептуальне мистецтво, ландшафтний дизайн та т. Д.
5. Зорові образи, які використовує художник, такі як колір, світло, тінь, форма, висловлюють його бачення життя.
6. Найважливішими елементами музики є звуки, ритм, гармонія і контрапункт.
7. Музика включає безліч жанрів (різновидів), таких як популярна, або комерційна музика, музика кантрі, класична музика.
8. Класична музика раніше була музикою вищих верств суспільства, популярна музика доступна широкій аудиторії.

1. Of the unlimited variety of arts, I prefer painting and music.
2. Art is popular with many people because it reflects beauty or reality.
3. Fine arts include painting, drawing, engraving, sculpture, and a number of applied arts like installation art, industrial design, graphic design, and so on.
4. Artistic expression takes traditional forms like painting, sculpture, music and architecture, and a number of new forms, such as photography, video art, conceptual art, land art and so on.
5. Visual images used by the painter, such as colours, light, shade, shape express his concept of life.
6. The most important elements of music are sounds, rhythm, harmony and counterpoint.
7. Music includes many genres, such as popular music, or commercial music, country music, classical music.
8. Classical music used to be the music of the upper strata of society, popular music is accessible to general public.

З посібника "ЄДІ. Англійська мова. Усні теми" Занина Е.Л. (2010, 272с.) - Part one. English examination topics. Forms 9/11.

Die Kunst

In der Kunst widerspiegelt sich die Welt. Sie hilft dem Menschen sein schöpferisches Können zeigen. Die Kunst bereichert und formt den Menschen, erzieht die besten Eigenschaften an, appelliert an menschliche Gefühle, lässt ihn miterleben, mitdenken.

Es gibt verschiedene Kunstarten: Kino, Theater, Malerei, Skulptur, Literatur, Architektur, Tanz und Musik. Die Kunst nimmt im Leben der Menschen einen wichtigen Platz. Dank ihr wird das Leben schöner. Durch die Kunst lernen die Menschen die Natur und die anderen Menschen besser kennen und verstehen ihre Gedanken.

Viele Menschen interessieren sich für Kunst. Ich bin auch keine Ausnahme. Malerei bereitet mir besonderes Vergnügen. Mir gefallen solche Maler wie Schischkin, Aiwasowski, Serow.

Die Bilder von Schischkin "Der Roggen", "Waldische Weite" nageln die Schönheit des russischen Waldes fest. Diese Bilder, wie sein ganzes Schaffen, sind der Bestätigung der Größe und der Anmut der russischen Natur gewidmet.

Bei Aiwasowski ist das Bild "Das Schwarze Meer" bekannt. Das ist sein bestes Bild in 70-80 Jahren. Das Meer war sein Lieblingsthema. Er stellte das Meer in seinen verschiedenen Zuständen, in verschiedener Beleuchtung dar.

Serow schuff sein erstes Meisterwerk "Das Mädchen mit Pfirsichen", als er 22 Jahre alt war. Dieses Mädchen hat am Bild einen ernsten, fast erwachsenen Augenblick. In diesem Augenblick erraten sich hohe Ideale. Er war ein berühmter Porträtmaler. Außer Porträte arbeitete er auch an den Landschaften, in denen manchmal die Bauern dargestellt wurden.

мистецтво

У мистецтві відбивається світ. Воно допомагає людині показати свою творчу майстерність. Мистецтво збагачує і формує людину, виховує найкращі якості, апелює до людських почуттів, дозволяє переживати, думати.

Існують різні види мистецтва: кіно, театр, живопис, скульптура, література, архітектура, танці та музика. Мистецтво займає в житті людини важливе місце. Завдяки йому життя стає красивішим. Через мистецтво люди вчаться краще дізнаватися природу і інших людей, а також розуміти їхні думки.

Багато людей цікавляться мистецтвом. І я - теж не виняток. Живопис приносить мені особливе задоволення. Мені подобаються такі художники, як Шишкін, Айвазовський, Сєров.

Картини Шишкіна «Жито», «Лісові далі» підкреслюють красу російського лісу. Ці картини, як і всі його творчість, присвячені підтвердження величі та грації російської природи.

У Айвазовського досить відома картина «Чорне море». Це його найкраща картина в 70-80-х роках. Море було його улюбленою темою. Він зображував море в його різних станах, різному освітленні.

Сєров створив свій перший шедевр «Дівчинка з персиками», коли йому було 22 роки. У цієї дівчинки на картині серйозний, майже дорослий погляд. У цьому погляді вгадуються високі ідеали. Він був знаменитим портретистом. Крім портретів він також працював над пейзажами, в яких іноді були зображені селяни.

«Мистецтво для мистецтва», «чисте мистецтво» це склалося у Франції в 19 столітті умовну назву ряду естетичних уподобань і концепцій, загальний зовнішній ознака яких - затвердження самоцінності художньої творчості, незалежності мистецтва від політики, суспільних вимог, виховних завдань. По суті ж в різних умовах концепції «Мистецтва для мистецтва» різні як за соціальними і ідеологічним витоків, так і за своїм об'єктивним змістом. Часто концепції «Мистецтва для мистецтва» є реакцією на підвищений «утилітаризм» окремих шкіл і напрямів, на спроби підпорядкування мистецтва політичної влади або соціальній доктрині. У подібних випадках захист виявляється самозахистом мистецтва від ворожих йому сил, відстоюванням його духовної специфіки, його самостійності в ряду інших форм свідомості і діяльності. Прагнення створити світ краси всупереч некрасивою дійсності виходить з перебільшеного уявлення про власну мощі мистецтва в перетворенні життя і часто призводить до естетичності. Втім, в реальному художній практиці проголошення будь-якого художнього факту «чистим мистецтвом» виявляється, як правило, свідомої або мимовільної містифікацією, часто прикриттям консервативної та іншої непопулярної в даний момент тенденції (наприклад, в Росії в період ліберальної активності 1860-х, коли прихильники «мистецтва для мистецтва» захищали свій громадський консерватизм, вдаючись до авторитету О.С.Пушкіна).

Прагнення до відстоювання «чистого мистецтва» спостерігається в поглядах Стародавнього Сходу, в греко-римської античності (в «олександрійської» поезії, в римській літературі останніх століть імперії), в період пізнього Відродження - в маньеризме, гонгоризмом. Вперше поняття «Мистецтво для мистецтва» сформульовано в книзі Г.Е.Лессінга «Лаокоон» (1766). Ідеї \u200b\u200bоформляються в певну теорію в 19 столітті, багато в чому як реакція на крайнощі утилітаризму Просвітництва. Вчення І. Канта про практичну незацікавленість «судження смаку» (естетичних переживань), окремі формули Ф. Шіллера про мистецтво як про «грі» і про естетичну «видимості» (Шиллер Ф. Статті з естетики) послужили для романтиків не тільки підкріпленням думок про свободі натхнення, але, абсолютизувати, вони стали теоретичним витоком концепції «мистецтва для мистецтва». Століття «залізний» (Е. А. Баратинський) викликав і розквіт Захистимо право громадських організацій реалізму, і відповідну діяльність захисних сил мистецтва як такого. Їх однобічність панує в естетичної думки послідовників романтизму. Характерне явище - школа «парнасців» у Франції і її метр Т.Готьє (передмова до роману «Мадемуазель де Мопен», 1835-36); їх схильність до досконалої формі, прагнення до виразної пластики словесного зображення призводять до художнього ефекту; але це досягається ціною підкресленого ігнорування громадськості та соціальності. За словами Готьє, сила Ш. Бодлера в тому, що він «стояв за безумовну свободу мистецтва, він не допускав для поезії іншої мети, крім поезії» (Бодлер Ш. Квіти Зла). Характерне протиріччя: захист абсолютної незалежності мистецтва обертається фактичної несвободою в виборі тем, забороною на цивільні проблеми. Переконаним захисником теорії «Мистецтва для мистецтва» був О.Уайлд.

Різновидом «Мистецтва для мистецтва» є, по суті, і сучасна натуралістична продукція. Соціальна гострота, притаманна, зокрема, кращих творів братів Гонкур або Г. Флобера, розчиняється у епігонів в самоцельность копіюванні явищ, причому мистецтво часом прямо оголошується винятковим засобом насолоди (в романах Ж.К.Гюісманса). Опорою «Мистецтва для мистецтва» в негативному значенні цього поняття стають і різні форми «академізму» в образотворчому мистецтві; виступаючи на захист вічних норм краси, вони нерідко активно протидіють відтворення сучасної реальності як «грубої» (боротьба «академізму» з «передвижництво» в Росії). Формалістичні тенденції, що зустрічалися у деяких представників раннього символізму (С. Малларме), розростаються в програми і школи, на кшталт футуризму і численних подальших форм естетичного екстремізму. Так, колись прогресивна концепція самозахисту мистецтва вироджується в практичну пропаганду його самоліквідації. Стаючи все більш непопулярними, ідеї «Мистецтва для мистецтва» в близьку нам епоху частіше входять лише складовою частиною в естетичні побудови, які виступають проти крайнощів соціологізму. Ідея «Мистецтва для мистецтва» несподівано виявляється під покровом боротьби з «інтуїтивізмом» традиційного мистецтвознавства. Так, формалісти в поетичному творі бачили лише «текст», який підлягає розкладанню на прийоми.

«Мистецтво для мистецтва» в Росії

У російській мистецтві гасла «Мистецтва для мистецтва» стали по-справжньому войовничими з 40-50-х 19 століття, коли їх полемічно протиставили натуральної школі або «гоголівського напрямку». Бєлінський у статті «Вірші М. Лермонтова» (1841) запевняв: «Поезія не має ніякої мети у нестямі, але сама собі є мета». Пізніше в статті «Погляд на російську літературу 1847» під впливом ліберального оточення він змінив свій погляд: «Ми проте думаємо, що думка про якийсь чистому, відчуженим мистецтві, що живе у своїй власній сфері ... є думка відвернена, мрійлива. Такого мистецтва ніколи і ніде не бувало ». З другої половини 19 століття найбільш гострим предметом спору з'явилися судження Пушкіна про свободу художника, висловлені у віршах «Поет» (1827), «Поет і натовп» (1828), «Поетові» (1830) та ін. Противники «гоголівського напряму» ( А.В.Дружінін, С.С.Дудишкін, П. В. Анненков, почасти «молоді» слов'янофіли) абсолютизували окремі ліричні формули поета ( «Не для життєвого хвилювання ...» і т.д.), видаючи їх за основний мотив пушкінської естетики і обходячи їх конкретно-історичний сенс. Рішуче відкидаючи «Мистецтво для мистецтва», М. Г. Чернишевський і М. О. Добролюбов в силу відомої своєї обмеженості, метафизичности і полемічної упередженості не спростували трактування творів Пушкіна прихильниками теорії «артистизму» і звернули свою критику проти самого поета, визнаючи його лише великим майстром форми. Д.И.Писарев довершив повалення Пушкіна і закріпив непорозуміння: ототожнення власне програми «Мистецтва для мистецтва», Естетикою її суті з вимогою свободи натхнення, внутрішньої незалежності художника, а тільки це і відстоював Пушкін. До школи «чистого мистецтва» в російській поезії 19 століття звично відносили ряд поетів (А. А. Фет, А.Н.Майков частково Н.Ф.Щербіна в «антологічних» віршах), тому що в своїй поезії вони іноді демонстративно цуралися політичної і громадянської проблематики. Тенденції цієї школи в пору громадської реакції 1880-х позначилися в поезії А.Н.Апухтіна, А.А.Голеніщева-Кутузова, К.М.Фофанова. Але, на відміну від колишньої епохи, подібна поезія не стільки уникала громадянськості, скільки висловлювала розчарування в ілюзіях «загального блаженства» (кажучи словами А.К.Толстого), властивих умонастрою певних верств ліберальної інтелігенції; очевидно, вона не вкладається в рамки «Мистецтва для мистецтва». У літературних школах, що виникли слідом за символізмом (егофутурізм, імажинізм, почасти акмеизм), ідея «Мистецтва для мистецтва» себе по суті вичерпала на російському грунті. В.Я.Брюсов, А. Білий і, особливо, А.А.Блок з плином часу все наполегливіше стверджували зв'язок поезії з життям суспільства, хоча і ставили мистецтво вище будь-якої духовної діяльності.