Ağrıyan ruh ilahiyi iyileştirir
E. Baratynsky

Sanat terapisini, sanatsal yaratıcılığın ve algının belirli psikolojik ve tıbbi etkilerinin amaçlı kullanımı olarak anlarsak, tarihsel açıdan çok yeni bir fenomen gibi görünüyor.

Ama onun adı değil, aslında sanatın kendisiyle aynı yaşta olduğunu söylediğimizde pek yanılmayız. Ve bu bir kişi anlamına gelir. Ne de olsa şimdi sanat dediğimiz şey, dünyadaki insan varlığının orijinal işareti ve tartışılmaz kanıtıdır. Geçmiş idrak ne kadar uzağa giderse gitsin, insan denilen kendinden emin ve çekincesiz bir varlığın her zaman kendinden daha fazlasını içeren ve ifade eden belirli uzamsal veya zamansal formlar yarattığını görüyoruz. Ve bu sayede, kişinin kendisinde, dünyanın ve kendisinin derin, görünmez bir boyutuna, daha büyük, bozulmaz bir başkasına açıklanamaz ve bazen bilinçli bir aidiyet duygusu korurlar. İleriye baktığımda şunu söyleyeceğim: Böyle bir deneyim, kelimenin en genel, farklılaşmamış anlamında hayati ve iyileştiricidir.

Sanat terapisinin çok eski çağlarda kök saldığının dolaylı bir doğrulaması, ritüellerin ritmik-tonlama, motor-plastik, renk-sembolik yönleriyle insanları psikolojik ve fiziksel olarak etkileyen sözde geleneksel veya "ilkel" toplumların uygulamaları olabilir.

Birincil ritüel-büyüsel bağdaştırıcılıktan ortaya çıkan kelimenin daha modern anlamındaki sanatlar da antik çağlardan beri terapötik potansiyel göstermiştir. Özellikle, Pisagor ve Pisagorcular hakkındaki efsaneler, bir veya daha fazla müzik modunun amaçlı kullanımının insanların iç durumunu, niyetlerini ve eylemlerini değiştirdiğini kanıtlar. Platon, sanatların eğitici ve tedavi edici potansiyelini açıkça gördü. Doğru, belirli koşullar altında etkilerinin yıkıcı olabileceğini de gördü - ama hangi iyileştirici çare hakkında aynı şey söylenemez? Aristotelesçi katarsis'in tam anlamı ne kadar gizemli kalsa da, sahne performansının vb. etkisi altında ruhun bir tür yenilenmesi ve arınması anlamına geldiğine şüphe yoktur.

Giderek daha belirgin hale gelen günümüz sanatına, hatta psikolojik pratiğin moda bir bileşenine dönelim. Dallanır, yepyeni yönlere yol açar: müzik terapisi, animasyon, bibliyoterapi, kore-, kukla-, renk-, peri masalı terapisi, terapötik modelleme, terapötik tiyatro ... uyku, baskı, konuşma, duyusal-motor küre, iletişim becerileri , düzeltme sorunları, rehabilitasyon, engellilerin desteklenmesi ... Bir sanat terapistinin eylemleri "hedeflidir", hatta bazen doğada reçetedir. Böylece, belirli bir durumda gösterilen müzik eserlerinin listeleri oluşturulur; Özel olarak bestelenmiş parçalar, çarpışmaları, sanatçıların evlerinde veya stüdyo yaşamlarında benzer travmatik durumları çözmelerine yardımcı olmalıdır.

Not: Sanata bu yaklaşım, iyi bir amaç ve verimlilikle gerekçelendirilse de, faydacı-uygulamalı bir doğaya sahiptir: terapist, sanat türlerinin ve belirli eserlerin ayrı, esasen çevresel özelliklerini kullanır ve bunları sanatın eşit derecede özgül koşullarıyla ilişkilendirir. müşterinin hayatı. Sanatın genel özü, varlığın sanatsal dönüşümü, M. Prishvin'in sözleriyle, yazarı "hayatını ciddi bir şekilde bir kelimeye çevirmeye" teşvik eden şey arka planda kalır. Aşağıda, makalenin en başında neredeyse "kaybettiğim" farklı bir yaklaşımın olasılığını ele alacağım.

Harika bir öğretmen-animatör ve sanat terapisti Y. Krasny, kitaplarından birine “Sanat her zaman terapidir” adını verdi (3). Kitap, ciddi derecede hasta çocuklar ve bir animasyon stüdyosunda onlarla çalışmanın son derece özel yöntemleri hakkındadır, ancak başlık, dünyanın sanatsal gelişimi alanına dalmanın kendi içinde iyileştirici ve faydalı olduğu gerçeğinden çok şey bahseder. Ve sadece hasta olarak tanınan bir kişi için değil.

Bu hem bilim hem de öğretim pratiği ile doğrulanır. Bu nedenle müzik psikolojisi alanında yerli ve yabancı çalışmalar müziğin kişisel ve entelektüel düzeydeki yararlı etkilerini ortaya koymakta ((4); (5)), doğum öncesi dönemden başlayarak çocuk üzerindeki bütünleyici olumlu etkisinden bahsetmektedir ( 6). Görsel sanatlarda pekiştirilmiş dersler sadece ergenlerin genel zihinsel gelişimini yoğunlaştırmakla kalmaz, aynı zamanda değer alanındaki çarpıklıkları da düzeltir (7), okul çocuklarının zihinsel aktivitelerini ve genel performansını artırır (8). En azından bir tür sanatsal yaratıcılığa değer verilen eğitim kurumlarında, çocukların duygusal tonlarının yükseldiği, öğrenmeyle ve okulun kendisiyle daha iyi ilişki kurmaya başladıkları, kötü şöhretli aşırı yüklenmelerden ve okuldan daha az muzdarip oldukları iyi bilinmektedir. nevrozlar, daha az hastalanırlar ve daha iyi öğrenirler.

Bu nedenle, sadece zaten ihtiyacı olanlar için sanat terapisi hakkında değil, aynı zamanda genel “sanat önleme” hakkında da konuşmak doğru - ve bildiğiniz gibi önleme, her bakımdan tedaviden daha iyidir. Yurtiçi genel eğitimde böyle bir şeyin mümkün olacağı zamanların beklentisiyle, sanatsal yaratım deneyiminin, sanatla iletişimin insan kişiliği üzerinde nasıl iyileştirici bir etkisi olabileceğini anlamaya çalışacağız.

Uzaktan başlamak zorunda kalacaksın. Ama önce, bazı önemli uyarılar yapalım.

Bunlardan ilki, çok açık bir itirazın önüne geçmek için gereklidir. Modern sanatın birçok fenomeni, özellikle günümüzün fenomenleri (ciddi bir profesyonel düzeydeki sanattan bahsediyorum), en hafif tabirle, akıl sağlığının taşıyıcıları ve "üreticileri" değildir; Bazı yetenekli sanat insanlarının iç hallerine ve kaderlerine gelince, bunu çocuklarınıza ve öğrencilerinize dileyemezsiniz. Akıl sağlığının sanatsal yaratımla bu kadar yakından ilişkili olduğunu iddia etmenin gerekçeleri nelerdir? Hemen söyleyeceğim: Sanat kültürü de dahil olmak üzere modern kültürün gölgeli tarafları oldukça gerçektir, ancak tartışmaları kelimenin tam anlamıyla ve mecazi olarak “Adem'den” başlatılmalıdır. Bu çalışma çerçevesinde böyle bir şeyi üstlenemeyiz ve bu nedenle, konunun bu yönünü akılda tutarak, kültür tarihi ölçeğinde şüphesiz hakim olan insan sanatsal yaratıcılığının kesinlikle olumlu yönlerinden bahsedeceğiz. Ek olarak, yukarıdaki itiraz yalnızca belirli bir tarihsel dönemin profesyonel sanat ortamına atıfta bulunur. Şimdi genel eğitimde sanattan bahsediyoruz ve burada sanatın olumlu rolü şüphesizdir ve yukarıdaki örneklerle doğrulanır. "Evrensel" ve profesyonel sanatsal deneyim arasındaki farklılıklara gelince, bu konu ayrıca özel bir derin tartışmayı gerektirir. Şimdilik kendimizi kısa bir ipucu ile sınırlayacağız: modern laikleşmiş ve aşırı derecede uzmanlaşmış kültürde, bu iki alan neredeyse herkes için yararlı olan beden eğitimi ile psikolojik ve fiziksel travmalarla dolu yüksek performanslı sporlarla neredeyse aynı şekilde farklıdır.

Ve ikinci uyarı. Aşağıda belirtilen düşünceler, kelimenin geleneksel, "kesinlikle bilimsel" anlamında kanıt gibi görünmemektedir. “Diğer-bilimsel”, insani bilgi alanındaki herkes gibi, onlar da “bilginin doğruluğu” için değil, “nüfuz derinliği” (9) için çaba harcarlar ve tamamen sözlü değil, bütünsel deneyime yönlendirilirler. diyalog ortağı olarak okuyucu.

O halde, her şeyden önce: psikolojik sıkıntı ve olası akıl hastalığımızın en genel, köklü ve durumsal olmayan nedenleri nelerdir? Mecazi olarak konuşursak, bunlardan biri “yatay”, diğeri - varlığın “dikey” boyutunda yer alırken, kişinin kendisi, algılanan ve bilinçsiz zorlukları ve çelişkileriyle sürekli olarak kesişme noktasındadır.

"Yatay olarak" dezavantaj, yaşamın başlangıcında birincil bölünmemiş bütünlükten sıyrılan bilinçli "Ben" imizin, kaçınılmaz olarak kendisini çevreleyen dünyayla bir tür "ben değil" olarak karşı karşıya gelmesinden kaynaklanmaktadır. modern rasyonalize edilmiş kültür, bu doğal ama tek yanlı karşıtlık içinde "sertleşir"; Sanki başlangıçta ona dışsal ve yabancıymış gibi, kendisini dünyadan şeffaf ama aşılmaz psikolojik bir yabancılaşma kabuğuna kapatıyormuş gibi, topraklarını "çitlemek". Her şey dahil varoluşa katılımdan kendisini aforoz eder.

Hem entelektüel hem de duygusal olarak, bir kişi, kendi tamamen nesnel doğal ve sosyal yasalarına göre yaşayan ve onun geçici varlığına kayıtsız kalan, başlangıçsız ve sonsuz bir dünyanın imajını oluşturur. Yalnızca geçici olarak uyum sağlamanın mümkün olduğu, kişisel olmayan, insanı belirleyen neden-sonuç ilişkileri dünyası. Bu bağlamda, teorisyenler "modern bireyin bilincinin nihai atomizasyonu" üzerinde düşünürler veya (örneğin, psikolog S. L. Rubinstein'ın yaptığı gibi) böyle bir dünyada insana yer olmadığını söylerler; şairler, yaratıcılığın geçmesine yardımcı olan "dünyanın çölü" imajını doğurur (bunu daha sonra hatırlayacağız!).

Elbette, bırakın çocuğu, her insan böyle bir düşünceye kapılmayabilir. Ancak bir kişinin kendi bütünlüğüne ve evrensel doğasına, dünyayla başlangıçtaki ontolojik birliğe ilişkin bilinçdışı hafızası, “dünyanın çölünde yalnız olmadığımdan” (O. Mandelstam) bir Tepki ve doğrulama, bu, belirli günlük problemlere ve durumlara indirgenemez, kalıcı bir ortak psikolojik sıkıntı temeli yaratır.

Dikkat çekici etnograf W. Turner, bu rahatsızlığın üstesinden gelmenin veya daha doğrusu önlemenin arkaik ama etkili bir biçimini, "yapı" ve "komünitalar" olarak tanımladığı geleneksel bir toplumun varoluşunun iki yolunun döngüsel, düzenlenmiş bir değişimi olarak tanımladı ( yani topluluk, katılım (10) Hayatının büyük bir bölümünde katı hiyerarşik ve yapılandırılmış bir toplumun her üyesi kendi yaşı, cinsiyeti, “profesyonel” hücresinde kalır ve toplumsal beklentiler sistemine sıkı sıkıya göre hareket eder. kısa zaman kaldırılır ve her biri, diğer insanları, doğayı ve bir bütün olarak dünyayı kucaklayarak, kendisini doğrudan bir toplam birlik deneyimine ayinsel olarak kaptırır. İnsanlar, tek bir temel varlık ilkesine dokunarak, ruh sağlığını tehdit etmeden, parçalanmış toplumsal yapıları içinde günlük işleyişine dönebilirler.

Açıkçası, diğer tarihsel ve kültürel koşullarda, bu formdaki Communitas fenomeni tekrarlanabilir değildir, ancak birçok benzerleri vardır: karnaval kültüründen koro şarkı söyleme geleneklerine, eski gizemlerden dini ayinlere katılıma (ancak , bu durumda, “dikey »Daha sonra tartışılacak olan tartışılan sorunun ölçümü). Ama şimdi başka bir şeyi vurgulamak önemlidir: bir kişi, farkında olmadan "kendinden daha büyük" bir şeye bağlanmaya çalışır. Ve böyle bir deneyimin yokluğu -olumlu, toplumsal olarak onaylanmış-"atomize edilmiş bireyin" kendi ayrılığının "bayraklarından" kurtulma ve belirli bir "biz"e katılma ihtiyacının saçma, bazen yıkıcı ve patolojik atılımlarına dönüşür. (Bazı yönlerin dinleyiciler üzerindeki etkisini hatırlayalım çağdaş müzik, futbol taraftarlarının davranışları ve kalabalık psikolojisinin çok daha karanlık tezahürleri hakkında ve diğer yandan psikolojik yalnızlığa dayalı depresyon ve intihar hakkında.)

Sanatsal yaratım deneyimi bu konuda hangi tedavi edici ya da daha doğrusu koruyucu bir değere sahip olabilir?

Gerçek şu ki, yetenekleri, bu veya bu sanat biçimindeki faaliyetlerin uygulanmasıyla ilgili bireysel duyusal veya diğer yeteneklere değil, dünyaya ve dünyada kendine karşı özel bir bütünsel insan tutumuna dayanmaktadır. sanatçılar arasında oldukça gelişmiştir, ancak potansiyel olarak her insanın karakteristiğidir ve özellikle çocuklukta başarıyla gerçekleştirilir. Bu estetik tutumun psikolojik içeriği, farklı sanat türlerinin, farklı dönemlerin ve halkların temsilcileri tarafından defalarca tanımlanmıştır. Ve ana özelliği, tam da, kendi kendine kapalı benliği dünyanın geri kalanından yalıtan görünmez engelin estetik deneyimde ortadan kalkması ve bir kişinin ontolojik birliğini estetik ilişkinin nesnesiyle ve hatta onunla doğrudan ve bilinçli olarak deneyimlemesidir. bir bütün olarak dünya. Daha sonra, özel bir şekilde, nesnelerin eşsiz şehvetli görünümü ona ifşa edilir: onların “ dış biçim»Ruhun şeffaf bir taşıyıcısı, içsel yaşamın doğrudan bir ifadesi, insana benzer ve anlaşılır olduğu ortaya çıkıyor. Bu nedenle, en azından kısa bir süre için, tüm dünyanın varlığının ve sonsuzluğunun bir parçası olduğunu hisseder.

V. Goethe otobiyografik eserinde, “dışarıda olup bitenlere sevgiyle bakmayı ve kendimi her biri kendi yolunda, bir insandan başlayarak ve sonra - bir süre boyunca tüm varlıkların etkisine maruz bırakmayı arzuladım” diyor. azalan çizgi - benim için anlaşılabilir oldukları ölçüde. Bu nedenle, belirli doğal fenomenlerle harika bir ilişki, onunla içsel uyum, her şeyi kapsayan bütünün korosuna katılım ”(11, s. 456)

Büyük yazarımız ve düşünürümüz MM, “Ve sadece tüm dünyayla akraba olduğumuz için” diyor. Prishvin, akraba ilginin gücüyle ortak bir bağı yeniden kuruyor ve farklı bir yaşam tarzına sahip insanlarda, hatta hayvanlarda, hatta bitkilerde, hatta şeylerde bile kendi kişiselliğimizi açıyoruz ”(12, s. 7). Farklı zamanlarda yaşayan ve çoğu zaman birbirleri hakkında hiçbir şey bilmeyen sanat yaratıcıları, yalnızca böyle bir deneyim temelinde gerçekten sanatsal bir çalışmanın ortaya çıkabileceğine tanıklık eder.

Yani - vurguladığımız - estetik deneyim, uygun pedagojik koşullar her çocuk onu edinebilir, ontolojik bir çatlağı iyileştirmeye ve bir kişinin dünyayla olan birliğini "yatay olarak" geri kazanmaya yardımcı olur. Her halükarda, bir kişiye deneyim fırsatı vermek, bu birliğin gerçekliğini. Ve böyle bir deneyim, nadir olsa bile, tam olarak yansıtılmamış, bilinçte tutulmamış olsa bile, kesinlikle bilinçaltında veya daha doğrusu süperbilinç düzeyinde kalacak ve etrafındaki dünyayla keyfi olarak karmaşık bir ilişki içinde bir kişiyi sürekli olarak destekleyecektir. o.

Not: Süperbilinçten bahsetmemiz gerekiyordu ve bu, düşüncelerimizin tartışılan konunun "dikey" planına geçtiği çizgiye geldiğimiz anlamına geliyor.

Şimdiye kadar tartışılan estetik deneyimin nihai ifadesi, F.I.'nin iyi bilinen çizgisidir. Tyutcheva: “Her şey içimde ve ben her şeydeyim! ..” Bu kelimelerin sadece dünyaya karşı belirli bir özel tutumu ifade etmekle kalmayıp, daha ziyade çevremize “yatay” yayılmış dünya ile olduğunu anlamak zor değil. Burada, bir kişinin farklı bir öz-farkındalık ve öz-farkındalık düzeyi tahmin edilir, “her şey” ile orantılı, “her şeyi” içerebilen farklı, daha büyük bir “ben” in varlığı ve bu sayede sebep çünkü içsel sorunumuz varlığın “dikey” boyutunda yatmaktadır.

Dini ve felsefi literatürde, birçok psikoloğun çalışmalarında, farklı zamanlardan ve halklardan insanların manevi ve pratik deneyimlerinde ve ayrıca yaratıcı yetenekli çok sayıda insanın kendini gözlemleme deneyiminde kanıtlar buluyoruz. günlük öz bilincimizin ampirik “Ben” i, gerçekten başka bir şey var, kendi içinde tüm olasılıkları taşıyan, dünyevi yaşamın uzay-zamanında ve sınırlı bir sosyo-ekonomik alanda kısmen gerçekleştirdiğimiz “Yüksek” Ben “ -Kültürel çevre. Bu konuyu bu makale çerçevesinde ayrıntılı olarak tartışamayacağım, yalnızca böyle bir varsayım olmadan yaratıcılık hakkında ciddi bir şekilde konuşmanın imkansız olduğunu, kendi kendine eğitim, kendini geliştirme vb. fenomenlerin açıklanamaz hale geldiğini belirteceğim.

Bireysel insan varoluşunun bu yüce "örneği" farklı olarak adlandırılır: daha yüksek "Ben" - gündelik olanın aksine, "gerçek" - yanıltıcı ve değişkenin aksine, "ebedi" - ölümlü, geçici olanın aksine, " özgür" - biyososyal veya diğer herhangi bir "nesnel" faktör kümesinden farklı olarak, "manevi" "Ben" (13), "yaratıcı" Ben "(14), vb.

Manevi kendini geliştirme yollarında veya belirli bir alanda yaratıcılık sürecinde süper bilincin bu “Ben” i ile temasa geçmek ya da günlük yaşamın akışında “ücretsiz” gibi almak, kişi kendini onunla hisseder. önceden bilinmeyen bir netlik, yoğunluk, kesinlik ve bütünlük... Elbette, daha önce bahsettiğimiz dünyayla birlik deneyimleri gibi bu tür zirveler kalıcı durumumuz olamaz, ancak böyle bir deneyimin yokluğu veya derin unutulması - mecazi olarak konuşursak, bu "dikey bir boşluk" haline gelir. derin içsel bozukluğun nedeni, dış yaşamındaki herhangi bir değişiklikle veya bir danışman psikoloğun konunun özüne dokunmayan özel tavsiyeleriyle ortadan kaldırılamayan bir kişi.

Filozof bu boşluğu "insanın özü ile varoluşu arasındaki çelişki" olarak tanımlayacaktır; hümanist bir psikolog - kendini gerçekleştirme eksikliği olarak, “yüksek ihtiyaçlardan yoksun bırakma” olarak (A. Maslow); psikoterapist, içinde yaşamın anlamının kaybolmasının nedenini makul bir şekilde görebilir - tüm hastalıkların kökü (V. Frankl). Her halükarda, sadece aslında “kendimiz” olmadığımız gerçeğinden bahsediyoruz, ki bu belki de bütünüyle elde edilemez - kendimizin uzak çevresinde yaşıyoruz, kayıp bağlantıyı yeniden kurmaya çalışmıyoruz. kendi gerçek “Ben” ", Ona yaklaş. Sadece yabancı bir dünyada değil, özünde uzaylılar ve kendimize yaşıyoruz.

Ve yine aynı soru ortaya çıkıyor: erken (hatta sadece erken değil) bir sanatsal yaratım deneyimi, bu durumda bir kişiye nasıl yardımcı olabilir?

Biraz geriye gidelim. Estetik bir deneyimde, bir kişi bazen - beklenmedik bir şekilde kendisi için "ego" nun olağan sınırlarını aşar, yaşar. ortak yaşam büyük bir dünya ile ve bu, bu dünyayla orantılı, büyük bir benlik ile "buluşmak" için, kendisiyle ilgili bir tür ifşa için verimli bir zemin yaratır. Şair Walt Whitman'ın sözleriyle bir adam, birdenbire, düşündüğünden daha büyük ve daha iyi olduğunu, "ayakkabılarla şapka arasına" sığmadığını sevinçle keşfeder ...

Birçok sanat ustası bu tür bir "buluşmayı" deneyimler ve hafızalarına kaydeder. O zaman, olağan yeteneklerinin açıkça ötesine geçen ve yine de somutlaşan fikirleri vardır. Bir eseri yaratma veya icra etme sürecinde insan kendini çok daha güçlü ve sezgili bir "birisinin" elinde bir "enstrüman" gibi hissetmekte ve bazen de sonucu kopuk, doğrudan ilişkisi olmayan bir şey olarak algılamaktadır. Bu tür öz bildirimler genellikle güvenilir bir ayıklık, yapmacıklık eksikliği ile karakterize edilir. Bu deneyimin farkındalık düzeyi farklıdır - duygusal ve enerjik bir yükseliş yaşamaktan, yaratıcı cüretten, kendi sınırlarını bilince aşmaktan, neredeyse metodoloji düzeyinde, "yaratıcı benliği" işbirliğine çekmekten - örneğin, büyük Rus aktör M. Chekhov'un (15) uygulaması ... Varlığı şüphe götürmeyen bu psikolojik fenomenleri hiçbir şekilde yorumlamaya çalışmayacağım. Şimdi bizim için önemli olan başka bir şey: sanatsal ve yaratıcı deneyim (ve muhtemelen herhangi bir gerçekten yaratıcı deneyim), bir dereceye kadar “kendi olma” deneyimidir. En azından geçici olarak "dikey boşluğun" üstesinden gelmenizi sağlar: gündelik hayatın ve daha yüksek, yaratıcı benliğin birlik anını deneyimlemek; en azından - varlığının gerçeğini hatırlamak ve deneyimlemek.

Şunu not edeyim: yaratıcılıktan bahsetmişken, "yeni bir şey yaratmak"tan bahsetmiyorum, bu sadece bir sonuçtur, yaratıcılık sürecinin dışsal bir kanıtıdır, ayrıca kanıt her zaman anlaşılabilir ve tartışılmaz değildir. Yaratıcılık derken, her şeyden önce, özgür (dışarıdan belirlenmemiş) bir nesil ve belirli bir alanda kendi niyetinin somutlaşması olarak gerçekleşen “ruhun içsel aktivitesinin” (16) tezahürünü kastediyorum. yaşam ve kültür.

Teolojikten deneysel ve pedagojik alana kadar her insanın doğası gereği bir yaratıcı olduğunu doğrulayan birçok kanıt vardır; kelimenin en genel anlamıyla yaratma ihtiyacı, "içten dışa yaşamak" (Sourozh Büyükşehir Anthony'si), insanın özünü en samimi şekilde karakterize eder. Ve bu ihtiyacın gerçekleştirilmesi, akıl sağlığı için gerekli bir koşuldur ve özellikle modern genel eğitim için çok karakteristik olan engellemesi, insan ruhu için örtük, ancak ciddi bir tehlike kaynağıdır. Modern araştırmacı V. Bazarny'nin dediği gibi, bir kişi ya yaratıcıdır ya da hastadır.

Sunumumuzun mecazi-sembolik koordinatlarına dönersek, gerçek yaratıcılığın tam olarak yatay ve dikey eksenlerin artı işaretlerinde doğduğunu söyleyebiliriz - bir kişinin kendisiyle ve dünyayla restore edilmiş ilişkisi. Bir kişi etrafındaki akraba bir dünyayı daha yüksek, yaratıcı bir benliğin gözüyle gördüğünde ve çevreleyen dünyanın imgelerinde, dilinde, maddiyatında yaratıcı benliğin olanaklarını fark ettiğinde. Bu uyum, gerçekten sanatsal herhangi bir eserde (belirli içeriği ne kadar karmaşık veya trajik olursa olsun) somutlaşır ve izleyiciyi, okuyucuyu veya dinleyiciyi doğrudan etkiler, onda belirsiz de olsa, dünya ile ilk birlik hakkında bir anı uyandırır. büyük “iç adam” kendi içinde.

Burada doğal olarak soru ortaya çıkıyor. Yaratıcılık ve sanatsal yaratımın hiçbir şekilde eş anlamlı olmadığı, yaratıcı kendini gerçekleştirmenin insan faaliyetinin tüm alanlarında ve dünyayla olan tüm ilişkilerinde mümkün olduğu açıktır; Bir insanın ve özellikle de büyüyen bir insanın ruh sağlığı için sanatın ve sanatsal yaratımın önemini neden bu kadar vurguluyoruz?

Bu, her şeyden önce, sanatın yaş önceliği ile ilgilidir. Bu alanda, okul öncesi, ilkokul, küçük ergenlik çağındaki hemen hemen tüm çocuklar, uygun pedagojik koşullarda, duygusal olarak olumlu ve başarılı bir yaratıcılık deneyimi, kendi fikirlerinin üretilmesi ve somutlaştırılması gibi bir deneyim kazanabilirler.

Daha ileri. 9, 7, 4 yaşındaki çocukların, toplumun ve en yüksek profesyonel seçkinlerin değerli olarak kabul ettiği bir şey yaratabileceği başka bir kültür alanı var mı? Çocuk yaptığı için değil, bağımsız bir kültür gerçeği olarak değerli mi? Ve sanatta, durum tam olarak budur: her türlü sanatın seçkin ustaları, çocukları yüz yıldan fazla bir süredir estetik değerler yaratabilen ve onlardan bir şeyler öğrenmeye bile çekinmeyen genç meslektaşları olarak görmektedir. onlara. Bir şey daha. Genç (ama yine de 4 veya 7 değil!) Fizikçi veya matematikçi, prensipte yetişkin bir bilim adamının yaptığının aynısını yapar, ancak yıllar önce: “çocuk bilimi” yoktur. Ve çocuk sanatı vardır: sanatsal olarak değerli olan bir çocuğun eseri aynı zamanda belirgin bir yaş işareti taşır, kolayca tanınabilir ve eserin sanatsal değerinden ayrılamaz. Bu, benim açımdan, sanatsal yaratıcılığın derin "doğaya uygunluğundan" bahsediyor: çocuk, kendisi için en uygun yaş biçimlerinde tam teşekküllü bir yaratıcı deneyim kazanır.

Bununla birlikte, bir çocuk, herhangi bir yaş işareti taşımayan bir metin veya çizim oluşturduğunda, ne duygusal olarak anlamlı ne de fikrin somutlaştırılmasının mükemmelliği açısından açıklanması zor fenomenler vardır. , ve yetişkin bir sanatçıya ait olabilir. Bu şaşırtıcı fenomeni ayrıntılı olarak tartışmaya ve açıklamaya hazır değilim - size yalnızca yetişkin bir sanatçının çalışmasında “kendinden daha fazlası” olduğunu hatırlatacağım. Ve söylemek daha iyidir - "kendi başına" olur.

A. Melik-Paşayev

Edebiyat

1. Estetik eğitim fikirleri. 2 ciltlik antoloji. Cilt.1, M.: "Sanat", 1973
2. Aristo. Poetika. (Şiir sanatı üzerine.) M.: Devlet Yayınevi kurgu, 1957
3. Yu.E. Krasny SANAT her zaman terapidir. M.: Yayınevi LLC Bölgeler Arası Yönetim ve Siyasi Danışmanlık Merkezi, 2006
4. AV Toropova Çocuğun müzikal bilincinin duyusal olarak doldurulması yoluyla kişiliğin bütünlüğünün geliştirilmesi. / Müzik eğitimi pedagojisi metodolojisi (E.B. Abdullin'in bilimsel okulu). - M., Moskova Devlet Pedagoji Üniversitesi, 2007.S. 167-180.
5. Kirnarskaya D.K. Müzikal yetenek. M.: Yetenekler-XXI yüzyıl, 2004
6. Lazarev M. Yeni bir eğitim paradigması. Okulda Sanat, No.3, 2011
7. Sitnova E.N. Ergenlik ve ergenlik döneminde sanat ve estetik eğitiminin kişilik gelişimine etkisi. Tezin özeti. Tez adayı, M., 2005
8. Kaşekova I. Rakamlar ve sadece rakamlar. Okulda Sanat, No 4, 2007
9. Bahtin M.M. Sözlü Yaratıcılığın Estetiği), Moskova: Sanat, 1979.
10. Turner, W. Symbol and ritüel (Moskova: Nauka, 1983)
11. Goethe, V. Poetry and Truth, Collected Works, cilt 3, Fiction Publishing, 1976.
12. Priştine M.M. Yakın ilginin gücüyle. M.: Okulda sanat, M., 1996
13. Florenskaya T.A. Pratik psikolojide diyalog. M.:, 1991
14. Melik-Pashaev A.A. Sanatçının dünyası. M.: İlerleme-gelenek, 2000
15. Çehov M.A. 2 ciltte edebi miras. M.: Sanat, 1995
16. Zenkovski V.V. Zihinsel nedensellik sorunu. Kiev, 1914

, A.T. Matveev, P.V. Miturich, V.I. Mukhina, I.I. Nivinsky, N.I. Niss-Gol'dman, P. Ya. Pavlinov, K.S. Petrov-Vodkin, A. I Savinov, MS Saryan, NA Tyrsa, NP Ulyanov, PS Favorsky, VA , IM Çaykov.

Üyeler ve katılımcılar: I.P. Akimov, M.M. Axelrod, M.A. Arinin, M.S. Askinazi, V.G. Bekhteev, G.S. Vereisky, A.D. Goncharov, M.E. Gorshman, L.D. Gudiashvili, EG Davidovich, EV Egorov, ID Ermakov, IV LK VI. Klyun, M.V. Kuznetsov, N.N. Kupreyanov, S.I. Lobanov, K.S. Malevich, Z. Ya. Mostova (Matveeva-Mostova), V.M. Midler, V.A. Milashevsky, B.V. Milovidov, AP Mogilevsky, PI Neradovsky, NI-Lealbeditseva O. , IA Puni, VF Reidemeister, MS Rodionov, NB Rosenfeld, S.M. Romanovich, V.F. Ryndin, N. Ya. Simonovich-Efimova, N.I. Simon, M.M. Sinyakova-Urechina, A.A. Soloveichik, A.I. Stolpnikova, A.I. Tarasovyan, NP VP Fedorenko, NP Feofilaktov, AV Fonvizin, VF Franchetti, RV Frenkel-Manyusson, II Chekmazov, N.M. Chernyshev, V.D. Shitikov, S.M. Shor, I.A. Shpinel, V.A. Shchuko, A.V. Shchusev. diğer.

Sergiler: 1 - 1925 (Moskova) - 3 - 1929 (Moskova); 1928 (Leningrad)

"Blue Rose" ve "World of Art" derneklerinin eski üyelerinin girişimiyle kurulmuştur. Sanatçılar, çalışmanın yüksek profesyonel beceri ve duygusal içeriğinin önceliğini ilan ettiler. Topluluğun görevi, çeşitli sanat türlerinin özellikleri ve etkileşimi ile kentsel planlama ilkelerinin, anıtsal propagandanın ve kamu binalarının iç tasarımının geliştirilmesi konularını incelemekti.

Organizasyon toplantısında, P.V.Kuznetsov dernek başkanlığına, V.A.Favorsky vekilliğine ve K.N. İstomin sekreterliğe seçildi. 1928'de bir tüzük kabul edildi: “Sosyalist inşaya aktif olarak katılmak ve devrimci kültürün geliştirilmesi amacıyla, Dört Sanat Derneği resim, heykel, mimari ve grafik alanında çalışan RSFSR sanatçıları içinde birleşiyor, büyümeyi teşvik etmeyi amaçlayan sanatsal beceri ve üyelerinin araştırma ve pratik çalışmaları ve sanatsal ve teknik bilginin yayılması yoluyla görsel sanatlar kültürü.

Toplumun kendi öncülleri yoktu; toplantılar dönüşümlü olarak üyelerinin çalıştaylarında gerçekleştirilmiştir. Güncel sorunları çözmenin yanı sıra yazar ve şairlerle toplantılar yapıldı, edebi okumalar ve müzik akşamları düzenlendi. Bir pul (A.I.Kravchenko'nun bir taslağına dayanarak) ve bir Cemiyet afişi (E.M. Bebutova'nın bir taslağına dayanarak) geliştirildi. Sergi jürisi oluşturuldu.

İlk sergi Nisan 1925'te Moskova Devlet Güzel Sanatlar Müzesi'nde GAKhN'nin desteğiyle açıldı. 28 sanatçı 215 eser sundu (katalog yayınlandı); Halk Eğitim Komiseri A. V. Lunacharsky açılışta bir konuşma yaptı. Sergi açılışında ve Pazar günleri müzik topluluklarının performanslarına yer verdi.

İkinci sergi, Devlet Tarih Müzesi salonlarında Kasım 1926'da Ana Bilimler Sanat Bölümü'nün desteğiyle düzenlendi; 72 sanatçı 423 eser sundu (bir katalog yayınlandı). Sergi genel olarak olumlu basın değerlendirmeleri aldı. Eleştirmen I. Khvoinik şunları yazdı: “ Spesifik yer çekimi biçimsel olarak sanatsal anlamda bir grup, bu birlikteliğin çekirdeğini oluşturan çok sayıda büyük ustanın varlığı tarafından belirlenir. Devrimden önce bile oldukça köklü ve dikkat çeken bu ustaların katılımı belki de grubun ana ilgi alanıdır. Toplumun grafik “sektörü” özellikle bu anlamda güçlü”. Ardından, serginin en iyi ustalarına dikkat çekerek (P. V. Kuznetsov, V. A. Favorsky, A. I. Kravchenko, L. A. Bruni, P. I. Lvov, P. V. Miturich, P. Ya. Pavlinov , IM Chaikov), özetledi: “Tematik olarak, tüm sergi yaratır tüm grubun hayata karşı aşırı “Parnasçı” tutumunun izlenimi. Neredeyse 400 eserden ezici çoğunluğu manzaraya dalmayı, doğaya hayranlığı ve natürmort için büyük sempatiyi ifade ediyor... Çok az istisna dışında, serginin tamamı tematik olarak zamanımıza çok zayıf ipuçlarıyla bağlı, yoğun bir şekilde kepçelenmiş bir yaşamın keskinliği ve parlaklığı " 1926, No. 10. S. 28–32). F. Roginskaya da benzer bir açıklama yaptı: ““ 4 sanat ”a sanatsal bir birliktelik olarak yaklaşırsak, oldukça yüksek derecede bir sanatsal kültüre sahip olmasına rağmen, modernitenin dışında bir yerde durmasına rağmen, bir gruplaşma olarak nitelendirilebilir. o. Bu sadece arsa özelliği ile değil, yani arsalarda mevcut yaşamla bağlantı eksikliği ve sadece ana ruh hali ile değil, ... aynı zamanda herhangi bir görünür unsur içermeyen resmi işaretlerle bile belirlenir. yaratıcı bir şekilde yükselen ve derneği hareket ettiren "(" Pravda ", 1926, 6 Kasım).

Buna karşılık, “4 Sanat” Derneği kendi ilkelerini savunduğu bir bildiri yayınladı: “Sanatçı, izleyiciye her şeyden önce eserinin sanatsal kalitesini gösterir. Sadece bu kapasitede sanatçının etrafındaki dünyaya karşı tutumu ifade edilir ... Rus geleneğinin koşullarında en uygun olanı düşünüyoruz. sanatsal kültür zamanımızın, ressam gerçekçiliği. Çalışmalarımızın içeriği arsalarla karakterize edilmez. Bu nedenle resimlerimize hiçbir şekilde isim vermiyoruz. Arsa seçimi, sanatçının işgal ettiği sanatsal görevleri karakterize eder. Bu anlamda arsa, malzemenin bir sanat formuna yaratıcı dönüşümü için sadece bir bahane ... ”(1929 Edebiyat ve Sanat Yıllığı).

İkinci sergiden sonra, sergiyi Leningrad sanatçılarının eserleriyle tamamlayarak, Leningrad'daki ilk iki sergiden en iyi eserlerin gösterilmesine karar verildi. Devlet Rus Müzesi müdürü P.I.Neradovsky ile yapılan görüşmelerden sonra, Müzenin alt salonları Cemiyete verildi. 3 Mart 1928'de açılan sergi; 51 sanatçı katıldı, 284 eser sergilendi (katalog yayınlandı). Leningrad sanatçıları (A. E. Karev, V. V. Lebedev, P. I. Lvov, K. S. Petrov-Vodkin, N. A. Tyrsa) ayrıca Çağdaş Leningrad Sanat Grupları (1928 / 1929) sergisinde Derneği temsil etti.

Üçüncü (son) Moskova sergisi "4 Sanat" Mayıs 1929'da Mokhovaya Caddesi'ndeki Moskova Devlet Üniversitesi salonlarında yapıldı; 49 sanatçı katıldı, 304 eser sergilendi (katalog yayınlandı). O dramatik bir satır var kritik değerlendirmeler Basında. Bu nedenle, AHR "Kitlelere Sanat" (1929, №№3-4. S. 52) dergisi şunları yazdı: "Toplum" 4 sanat "kendilerini sosyal etkiden giderek daha fazla izole eden, dar bir lonca haline gelenlerden biridir. , örgütlenme yoluyla aristokrat izolasyon özellikleri ile ... son sergi “4 sanat” ın karakteristik bir özelliği, toplumun mistik ve nesnel olmayan kanadının önemli bir güçlenmesidir ... Bu serginin sonucu nedir? Öncelikle bu sergi, gücünü etkin toplumsal saiklerden almayan sanatçıların kaçınılmaz olarak yok olacağını doğruluyor... Nitelik ve yeni bir üslup mücadelesini mottosu olarak belirleyen “4 Sanat” Derneği, dar lonca ve tam bir umursamazlık içinde. Sovyetler ülkesinin sosyal politik tutumu için, bunun üzerine spekülasyon yapıyor, başarılarını evrensel bir nitelik ve yöntem olarak sunuyor. "

Eleştirilere rağmen Cemiyet, “Çocukların hayatı ve gündelik hayatı” adlı büyük karma sergilere katıldı. Sovyetler Birliği”(Ağustos 1929), Halk Eğitim Komiserliği Glavischestvo tarafından düzenlenen iki gezici sergi (1929, Moskova; 1930, Nizhny Novgorod, Kazan, Sverdlovsk, Perm, Ufa, Samara, Saratov, Penza). Ancak eleştiriler yoğunlaştı. Nisan 1930'da, "Kitlelere Sanat" dergisi, "Sanat kaçakçılığı veya "4 Sanat" (1930, No. 4. S. 10-12) tarafından kime ve nasıl hizmet edilir bir makale ile çıktı. Derneğin üyeleri, "burjuva", "Toplumsal pasiflik", "idealist biçimcilik", "Batı Avrupa sanatının çökmekte ve gerileyen biçimlerine" bağımlı olmakla suçlandı.

Halk Eğitim Komiserliği'nin sanat sektörünün, Moskova sanat topluluklarının 1930'ların sonlarında kabul edilen raporuna ilişkin kararı, Topluluğun "radikal bir yeniden yapılandırılması" ve "saflarının temizlenmesi" çağrısında bulundu. Sert eleştirinin etkisi altında, Cemiyet kendi kendini imha etti. 1931'in başında, eski üyelerinden bir grup (K.N. Istomin, V.M. Midler, M.S. Rodionov, V.F. Ryndin, A.V. Fonvizin, N.M. Chernyshev ve diğerleri) AHR'ye üyelik için başvurdu.

Kaynakları :

1. 1920'lerin Güzel Sanatlarında Gerçekçilik Mücadelesi: Malzemeler, Belgeler, Anılar. M., 1962. S. 230-235.
2. Sovyet güzel sanatlarının sergileri. Dizin. T. 1. 1917-1932. M., 1965. S. 153-154, 179-180, 261, 294-295.
3. T. Kotovich... Rus avangardının ansiklopedisi. Minsk, 2003. S. 389-390.
4. Omega I... Sanat kaçakçılığı veya “4 sanat” kime ve nasıl sunuluyor // Sanat kitlelere. 1930, sayı 4 (Nisan). 10-12.
5. Severyukhin D.Ya., Leikind O.L.... Rusya ve SSCB'de Sanat Derneklerinin Altın Çağı. Dizin. SPb., 1992. S. 341–343.
6. Khvoinik I.E... "Dört Sanat" ve Sergileri // Sovyet Sanatı, 1926, No. 10. S. 28–32.

(9/11)

Sanat çeşitliliği sınırsızdır. Hangisini tercih edersiniz: sinema, tiyatro, resim, müzik? Neden?

Ansiklopedilerde sanat, güzelliği veya gerçekliği yansıtan maddi eserler yapma süreci ve sonucu olarak tanımlanır. "Yaratıcı sanatlar", amacı izleyicinin yorumlaması için bir mesajı, ruh halini ve sembolleri yansıtan maddi şeyler yaratmak olan bir dizi disiplini ifade eder.

Sanat, nesir yazımı, şiir, dans, oyunculuk, heykel, resim, müzik gibi çeşitli formları içerir. "Sanat" terimi genellikle "güzel sanatlar" anlamına gelir - resim, heykel, çizim, gravür. Enstalasyon sanatı, mobilya, endüstriyel tasarım, grafik tasarım ve diğerleri uygulamalı sanatlara dahildir. Görsel sanatlar ve tasarım, dekoratif sanatlar, plastik sanatlar ve sahne sanatları dahil olmak üzere çeşitli sanatlar vardır. Sanatsal ifade birçok biçimde olabilir: resim, çizim, baskı, heykel, müzik ve mimari. Yeni formlar arasında fotoğraf, film, video sanatı, kavramsal sanat, performans sanatı, arazi sanatı, moda, çizgi roman, bilgisayar sanatı yer alıyor. Her form içinde, çok çeşitli türler bulunabilir.

Tüm sanat dalları arasında resim ve müziği tercih ederim. Birkaç nedenden dolayı resimle gerçekten ilgileniyorum. Birincisi, sanatın en eski biçimlerinden biridir. İnsanlar, yazdıklarından yaklaşık 6 kat daha uzun süredir resim yapıyorlar. Bulunan en eski tablo 32.000 yıldan daha eski. Resim, birçok kişinin duygu ve düşüncelerini görsel biçimde ifade ettiğine inanılan bir sanat türüdür. Renkler, ışık ve gölge, formlar ve şekil gibi görsel imgeleri kullanan bir ressam, yaşam kavramını anlamamızı, duygularını paylaşmamızı ve dünyanın güzelliğinden zevk almamızı sağlar. İkincisi, resim size geniş bir stil seçeneği sunar, istediğimiz kadar spesifik veya soyut olmamızı sağlar. Çok çeşitli sanat okulları ve tarzları (gerçekçilik, izlenimcilik, kübizm, fovizm, sürrealizm, modernizm, pop art, vb.) arasından beğeninize göre birini seçebilirsiniz. Tercih ettiğim sanat okulları, biçim ve ruh halini en belirgin ve canlı şekilde tasvir ettiklerini düşündüğümden gerçekçilik ve izlenimciliktir.

Gerçekten merak ettiğim ikinci sanat türü müzik. "Müzik" terimini tanımlamak zordur. Örneğin, ritim, uyum ve kontrpuan içinde hoş ses kombinasyonları yapma sanatı olarak açıklanabilir. Bestecilerin yaptığı müzikler birkaç medya aracılığıyla duyulabilir; en geleneksel yol, sanatçıların huzurunda canlı olarak dinlemektir. Canlı müzik radyo, televizyon veya internet üzerinden de yayınlanabilir. İlk olarak, müzik rahatlamama ve stresten kurtulmama yardımcı oluyor. Müzik, klasik, caz, rap ya da hoşlandığım başka bir müzik türü dinlediğimde günlük hayatın sıkıntılarını unutuyorum; müzik günlük sorunlardan bir kaçış sağlar. Müziğin güzelliği beni içine çektikçe stres eriyor. Sakin ve derinden rahatlamış hissetmeme yardımcı olabilir. İkincisi, müzik duygularımı etkiler. Her müzik türü farklı bir ruh hali belirler ve benimkini değiştirir. Bunu yaparken hem zihnime hem de bilinçaltına hitap ediyor. Üzgün, sinirli veya kafam karışık olsun, neşeli veya yumuşak müzikler dinlerim ve ruh halim değişir.

Müziğin birçok bölümü ve grubu vardır. Daha büyük türler arasında klasik müzik, popüler müzik veya ticari müzik, country müzik ve halk müziği bulunur. Klasik müzik sofistike ve rafinedir, ancak evrensel bir iletişim biçimidir, tarihsel olarak toplumun üst katmanlarının müziğiydi. Popüler müzik, genel halka açık olan çeşitli müzik tarzlarından herhangi birine ait müziktir; çoğunlukla ticari olarak dağıtılır. Pop müzik daha sık popüler müziğin daha dar bir dalı için kullanılmasına rağmen, bazen pop müzik olarak kısaltılır. Pop müzik, sesleri, sözleri ve akılda kalıcı melodiler yaratan enstrümanları ile genellikle akılda kalıcıdır. Pop müzik, kolay sesli görüntülerle dinleyicileri cezbeder.

Aşağıdaki cümleleri İngilizce'ye çevirin.
1. Sınırsız çeşitlilikteki sanat formlarından resim ve müziği tercih ederim.
2. Sanat, dünyanın güzelliğini yansıttığı için birçok insan arasında popülerdir.
3. Görsel sanatlar, resim, çizim, oyma, heykel ve yerleştirme, endüstriyel tasarım, grafik tasarım vb. gibi bir dizi uygulamalı sanatı içerir.
4. Sanatsal ifade, resim, heykel, müzik ve mimari gibi geleneksel biçimlerin yanı sıra fotoğraf, video sanatı, konsept sanat, peyzaj vb. gibi bir dizi yeni biçim alır.
5. Sanatçının kullandığı renk, ışık, gölge, şekil gibi görsel imgeler, hayata bakışını ifade eder.
6. Müziğin en önemli unsurları sesler, ritim, armoni ve kontrpuandır.
7. Müzik, popüler veya ticari müzik, country müzik, klasik müzik gibi birçok türü (çeşitleri) içerir.
8. Klasik müzik eskiden toplumun üst tabakasının müziğiydi, popüler müzik geniş bir kitleye hitap ediyor.

1. Sınırsız sanat çeşitliliğinden resim ve müziği tercih ederim.
2. Sanat, güzelliği veya gerçekliği yansıttığı için birçok insan arasında popülerdir.
3. Güzel sanatlar, resim, çizim, oyma, heykel ve yerleştirme sanatı, endüstriyel tasarım, grafik tasarım vb. gibi bir dizi uygulamalı sanatı içerir.
4. Sanatsal ifade, resim, heykel, müzik ve mimari gibi geleneksel biçimler ve fotoğraf, video sanatı, kavramsal sanat, arazi sanatı vb. gibi bir dizi yeni biçim alır.
5. Ressamın kullandığı renkler, ışık, gölge, şekil gibi görsel imgeler onun yaşam anlayışını ifade eder.
6. Müziğin en önemli unsurları sesler, ritim, armoni ve kontrpuandır.
7. Müzik, popüler müzik veya ticari müzik, country müzik, klasik müzik gibi birçok türü içerir.
8. Klasik müzik, toplumun üst katmanlarının müziğiydi, popüler müzik genel halk tarafından erişilebilir.

"Birleşik Devlet Sınavı. İngilizce. Sözlü Konular" kılavuzundan Zanina E.L. (2010, 272s.) - Bölüm Bir. İngilizce sınav konuları. Formlar 9/11.

kunst ölmek

In der Kunst'ta daha geniş spiegelt sich die Welt. Sie hilft dem Menschen sein schöpferisches Können zeigen. Die Kunst bereichert und formt den Menschen, erzieht die besten Eigenschaften an, appelliert an menschliche Gefühle, lässt ihn miterleben, mitdenken.

Es gibt verchiedene Kunstarten: Kino, Tiyatro, Malerei, Skulptur, Literatur, Architektur, Tanz und Musik. Die Kunst nimmt im Leben der Menschen einen wichtigen Platz. Dank ihr wird das Leben schöner. Durch die Kunst lernen die Menschen die Nature and die anderen Menschen daha fazla kennen ve verstehen ihre Gedanken.

Viele Menschen ilgi alanları sich für Kunst. Ich bin auch keine Ausnahme. Malerei bereitet mir besonderes Vergnügen. Mir gefallen solche Maler wie Schischkin, Aiwasowski, Serow.

Die Bilder von Schischkin "Der Roggen", "Waldische Weite" nageln die Schönheit des russischen Waldes festivali. Diese Bilder, en iyi Schaffen'den, Bestätigung der Größe und Anmut der russischen Natur gewidmet'ten der.

Bei Aiwasowski ist das Bild "Das Schwarze Meer" bekannt. Das ist sein Bild'i 70-80 Jahren'de yendi. Das Meer savaş sein Lieblingsthema. Er stellte das Meer in seinen verschiedenen Zuständen, in verschiedener Beleuchtung dar.

Serow schuff sein erstes Meisterwerk "Das Mädchen mit Pfirsichen", ayrıca 22 Jahre alt war. Dieses Mädchen şapka am Bild einen ernsten, hızlı erwachsenen Augenblick. Diesem Augenblick'te İdeale sich hohe hatalı. Er war ein berühmter Porträtmaler. Außer Porträte arbeitete er auch an den Landschaften, denenen manchmal die Bauern dargestellt wurden.

Sanat

Dünya sanata yansır. Bir kişinin yaratıcı becerilerini göstermesine yardımcı olur. Sanat insanı zenginleştirir ve şekillendirir, en iyi nitelikleri ortaya çıkarır, insan duygularına hitap eder, deneyimlemenizi, düşünmenizi sağlar.

Farklı sanat türleri vardır: sinema, tiyatro, resim, heykel, edebiyat, mimari, dans ve müzik. Sanat insan hayatında önemli bir yer tutar. Onun sayesinde hayat daha da güzelleşiyor. Sanat sayesinde insanlar doğayı ve diğer insanları daha iyi tanımayı ve onların düşüncelerini anlamayı öğrenirler.

Birçok insan sanatla ilgileniyor. Ve ben de bir istisna değilim. Resim yapmak bana ayrı bir keyif veriyor. Shishkin, Aivazovsky, Serov gibi sanatçıları severim.

Shishkin'in "Çavdar", "Orman Mesafeleri" resimleri Rus ormanının güzelliğini vurgular. Bu resimler, tüm çalışmaları gibi, Rus doğasının büyüklüğünü ve zarafetini doğrulamaya adanmıştır.

Aivazovsky'nin "Karadeniz" tablosu iyi bilinir. Bu onun 70'li ve 80'li yıllardaki en iyi tablosu. Deniz en sevdiği konuydu. Denizi farklı halleri, farklı ışıklandırmaları ile resmetti.

Serov, 22 yaşındayken ilk şaheseri "Şeftali Kız"ı yarattı. Resimdeki bu kız ciddi, neredeyse yetişkin bir görünüme sahip. Bu görüşte, yüksek idealler tahmin edilir. Ünlü bir portre ressamıydı. Portrelere ek olarak, bazen köylülerin tasvir edildiği manzaralar üzerinde de çalıştı.

"Sanat için sanat", "saf sanat" 19. yüzyılda Fransa'da geliştirilen koşullu ad bir takım estetik tercihler ve kavramlar, ortak bir dışa dönük işaret hangi - sanatsal yaratıcılığın içsel değerinin iddiası, sanatın siyasetten bağımsızlığı, sosyal gereksinimler, eğitim görevleri. Özünde, "Sanat için Sanat" kavramları farklı koşullar altında hem toplumsal hem de ideolojik kökenleri ve nesnel anlamları bakımından farklıdır. Genellikle “Sanat için Sanat” kavramları, belirli okulların ve eğilimlerin artan “faydacılığına”, sanatı siyasi iktidara veya sosyal doktrine tabi kılma girişimlerine bir tepkidir. Bu gibi durumlarda, savunma, sanatın kendisine düşman olan güçlere karşı kendini savunması olarak ortaya çıkar, manevi özgüllüğünü, bir dizi başka bilinç ve etkinlik biçiminde bağımsızlığını korur. Çirkin gerçekliğe rağmen güzel bir dünya yaratma arzusu, sanatın hayatı dönüştürmedeki kendi gücünün abartılı bir fikrinden kaynaklanır ve çoğu zaman estetiğe yol açar. Bununla birlikte, gerçek sanat pratiğinde, sanatsal bir olgunun "saf sanat" olarak ilan edilmesi, kural olarak, kasıtlı veya istemsiz bir aldatmaca, çoğu zaman muhafazakar ve diğer popüler olmayanlar için bir kılıf olarak ortaya çıkar. şu an eğilimler (örneğin, Rusya'da, 1860'larda "Sanat için Sanat" destekçilerinin kamu muhafazakarlıklarını savundukları ve A.S. Puşkin'in otoritesine başvurdukları liberal faaliyet döneminde).

"Saf sanatı" savunma arzusu, Eski Doğu'nun görüşlerinde, Greko-Romen antik çağda ("İskenderiye" şiirinde, imparatorluğun son yüzyıllarının Roma edebiyatında), Rönesans'ın sonlarında - tavırcılıkta, gongorizm. "Sanat için Sanat" kavramı ilk kez G.E. Lessing "Laocoon" (1766) adlı kitabında formüle edildi. Fikirler, 19. yüzyılda, Aydınlanma faydacılığının aşırı uçlarına bir tepki olarak, kesin bir teori haline geldi. I. Kant'ın "zevk yargıları"na (estetik deneyimler) pratik ilgisizlik doktrini, F. Schiller'in bir "oyun" ve estetik "görünüş" olarak sanat hakkındaki bireysel formülleri (Schiller F. Estetik üzerine makaleler) yalnızca romantiklere değil, aynı zamanda romantiklere de hizmet etti. ilham özgürlüğü hakkındaki düşüncelerin bir takviyesi olarak, ancak mutlaklaştırılarak "Sanat için Sanat" kavramının teorik kaynağı haline geldiler. Demir Çağı (E.A. Baratynsky) hem gerçekçiliğin sosyal analizinin gelişmesine hem de sanatın koruyucu güçlerinin tepkisine neden oldu. Tek yanlılıkları, romantizmin takipçilerinin estetik düşüncesine hakimdir. Karakteristik bir fenomen, Fransa'daki "Parnasyalılar" okulu ve onun ustası T. Gautier ("Matmazel de Maupin" romanının önsözü, 1835-36); mükemmel biçime olan tutkuları, sözlü imgenin dışavurumcu plastikleri için çabalamaları sanatsal bir etki yaratır; ancak bu, kamuya ve toplumsallığa yönelik vurgulanan bir umursamazlık pahasına elde edilir. Gauthier'e göre, C. Baudelaire'in gücü, "sanatın koşulsuz özgürlüğünü savunmuş, şiirin şiirden başka bir amacı olmasına izin vermemiş" (Baudelaire C. Kötülüğün Çiçekleri) gerçeğinde yatmaktadır. Karakteristik bir çelişki: Sanatın mutlak bağımsızlığının savunulması, konuların seçiminde gerçek bir özgürlük eksikliğine, sivil sorunların yasaklanmasına dönüşür. O. Wilde, Sanat için Sanat teorisinin sadık bir savunucusuydu.

Bir tür "Sanat için Sanat" özünde modern natüralist ürünlerdir. Özellikle Goncourt kardeşlerin veya G. Flaubert'in en iyi eserlerinde bulunan sosyal keskinlik, fenomenlerin kendi kendine kopyalanmasındaki epigonlar arasında çözülür ve sanat bazen doğrudan özel bir zevk aracı olarak ilan edilir (Romanlarda) JC Huysmans). Görsel sanatlardaki çeşitli “akademizm” biçimleri de bu kavramın olumsuz anlamında “Sanat için Sanat”ın kalesi haline gelir; güzelliğin ebedi normlarını savunurken, modern gerçekliğin yeniden üretilmesine (Rusya'da "akademizmin" "gezici hareket" ile "akademizm" mücadelesi) aktif olarak karşı çıkıyorlar. Erken sembolizmin (S. Mallarmé) bazı temsilcileri arasında karşılaşılan biçimci eğilimler, fütürizm ve sonraki sayısız estetik aşırılık biçimleri gibi programlara ve okullara dönüşür. Böylece, bir zamanlar ilerici olan sanatın kendini savunması kavramı, kendi kendini yok etmenin pratik propagandasına dönüşür. Gittikçe daha popüler olmayan hale gelmek sanat fikirleri için sanat bize yakın bir çağda, sadece parçası sosyolojinin uçlarına karşı çıkan estetik yapılara dönüşür. "Sanat için Sanat" fikri, geleneksel sanat tarihinin "sezgiciliğine" karşı mücadele örtüsü altında beklenmedik bir şekilde kendini gösterir. Böylece, şiirsel bir eserdeki biçimciler, yalnızca aygıtlara ayrıştırılacak bir "metin" gördüler.

Rusya'da "Sanat için Sanat"

Rus sanatında, "Sanat için Sanat" sloganları, 40'lardan 19. yüzyılın 50'lerine kadar, doğal okula veya “Gogol akımına” polemik olarak karşı çıktıklarında gerçekten militan hale geldi. Belinsky, "M. Lermontov'un Şiirleri" (1841) adlı makalesinde, "Şiirin kendi dışında bir amacı yoktur, ancak kendisinin bir amacı vardır" güvencesini verdi. Daha sonra liberal çevrenin etkisi altında “Rus Edebiyatına Bir Bakış 1847” makalesinde görüşünü değiştirdi: “Yine de kendi alanında yaşayan saf, müstakil bir sanat düşüncesinin ... soyut olduğunu düşünüyoruz, rüya gibi düşünce. Böyle bir sanat hiçbir yerde görülmedi." 19. yüzyılın ikinci yarısından itibaren, en keskin tartışma konusu, Puşkin'in "Şair" (1827), "Şair ve Kalabalık" (1828), "Şair ve Kalabalık" (1828), "Şair" şiirlerinde ifade edilen sanatçının özgürlüğü hakkındaki yargılarıydı. Şair" (1830) ve diğerleri. "Gogol eğiliminin" muhalifleri ( AVDruzhinin, SSDudyshkin, PV Annenkov, kısmen "genç" Slavofiller) şairin bazı lirik formüllerini mutlaklaştırdı ("Günlük heyecan için değil ...", vb. .), onları Puşkin'in estetiğinin ana nedeni olarak kabul etmek ve belirli tarihsel anlamlarını atlamak. "Sanat için Sanat"ı, NG Chernyshevsky ve NA Dobrolyubov, iyi bilinen sınırlamaları, metafizikleri ve polemik yanlılıkları nedeniyle kararlılıkla reddederek, Puşkin'in eserlerinin "sanat" teorisinin destekçileri tarafından yorumlanmasını reddetmediler ve eleştirilerini sanata yönelttiler. şairin kendisi, onu yalnızca büyük bir biçim ustası olarak tanır. D.I. Pisarev, Puşkin'in devrilmesini tamamladı ve yanlış anlaşılmayı pekiştirdi: "Sanat için Sanat" programının kendisinin tanımlanması, ilham özgürlüğü gereksinimi ile özünün estetiği, sanatçının içsel bağımsızlığı ve sadece bu Puşkin tarafından savunuldu. Bazı şairler geleneksel olarak 19. yüzyılın Rus şiirindeki "saf sanat" okuluna atfedildi (A.A. Fet, A.N. Maikov, kısmen N.F. Shcherbin tarafından "antolojik" dizelerde), çünkü şiirlerinde bazen meydan okurcasına politik ve sivil sorunlar. 1880'lerde halkın tepkisi sırasında bu okulun eğilimleri, A.N. Apukhtin, A.A. Golenishchev-Kutuzov, K.M. Fofanov'un şiirine yansıdı. Ancak, önceki dönemin aksine, bu tür şiir, liberal entelijansiyanın belirli katmanlarının zihniyetine içkin “evrensel mutluluk” (A.K. Sanat için Sanat çerçevesine uymadığı açıktır. Sembolizmden (ego-fütürizm, hayalcilik, kısmen acmeizm) sonra ortaya çıkan edebiyat okullarında, "Sanat için sanat" fikri esasen Rus topraklarında kendini tüketmiştir. V.Ya.Bryusov, A. Bely ve özellikle A.A. Blok, sanatı herhangi bir manevi etkinliğin üzerine koysalar da, zamanla şiir ve toplum hayatı arasındaki bağlantıyı giderek daha fazla ısrarla savundular.