Duyguları doğal bir şekilde ifade etme, sesinize, yüz ifadelerinize, jestlerinize hakim olma, esnek olma ve partnerinizi daha iyi anlama yeteneğini geliştirmek mümkün mü? Oyunculuk öğretmenleri hitabet becerileri Yetişkinlerde sanatın gelişmesinin mümkün olduğunu, sadece biraz daha fazla zaman ve çaba gerektirdiğini söylüyorlar. Ve asıl önemli olan ısrardır.

artistlik ne demek?

“Sanat” kavramının tanımında genellikle kısa ve özlü bir yorum vardır: sanatsal yetenek, sanat tutkusu, ustalık. Bir filmi ya da oyunu izlerken duygunun ne kadar içten aktarıldığına, atmosferin nasıl yaratıldığına, sınırlı karakteri olan oyuncu. İşe yaradı mı, yaramadı mı? Bu, oyuncular için her şeyin doğal yetenek tarafından belirlenmediği anlamına geliyor. Ve kendinizde sanatı nasıl geliştirebilirsiniz?

Bazen öyle görünüyor ki, insanlar çocuklukta nasıl oynadıklarını unuttukları için gösterilere gidiyorlar, doğal hissetmek, estetik zevk almak, duygulardan kurtulmak için başkasının oyununu izliyorlar. Aksiyon sırasında izleyici, sahnede olup biten her şeyin pasif bir katılımcısı haline gelir. Ya oynamayı denersen? Bu amaçla dönüşüm becerisini geliştiren egzersizler vardır.

Çocukken nasıl olduğunuzu hatırlayın: aktif, iddialı veya mütevazı ve utangaç. On ila on beş dakika boyunca tam tersi olun. Çoğu zaman karşıtlar sevimli değildir. Sanatsallığın gelişimi çevrenizdeki insanları daha iyi tanımanıza ve sosyal bağlantılar kurmanıza yardımcı olur.

Diksiyon ve daha fazlası

Sanatçı kelimeleri açık ve net bir şekilde telaffuz etmelidir. Bunun dikkate alınması gerekir. Cümlenin sonuna doğru çoğu kişi boğuk konuşur; muhatap cümlenin sonunu duymayabilir. Bazı kelimeler o kadar benzer ki, bir araya getirildiğinde kafa karıştırıcı olabiliyor. Bu gibi durumlarda tekerlemeler yardımcı olur. Konuşulan kelimelerin net bir şekilde ayrılması, “esnekliği” önemlidir.

Herhangi bir eserin bulunduğu bir disk alabilir ve kayıtta okuyucuyu taklit etmeye çalışabilirsiniz. Role girdiğinizde, sesinizin kolayca, yüksek sesle ve özgürce akmasını sağlayan bir dayanak noktası, bir temel hissedeceksiniz. Dayanak noktası, kaldırılması gereken midede ve mümkünse omuzların gevşetilmesi gerekiyor.

Beceri eğitimi

Ses, tonlama, konuşma - farklı mesleklerden insanları geliştirmek gerekir. Dinlenmek için tekdüze değil, canlı konuşmak önemlidir. Zengin diyaloglar içeren birçok eser, farklı tonlamaları incelemenize olanak tanır. Karakterleri, konuşma tarzını tanıtın - kısa bir pasajda tasvir edin.

Oyunculuk ısınmalarında çocukların seslerini taklit etmek, çizgi film karakterlerini taklit etmeye benzer. Dublaj nasıl çalışır? Oyuncu aksiyonu izliyor ve kelimeleri tek tek söylüyor. Evin bir yerinde her zaman çocuk kitapları vardır, örneğin Winnie the Pooh hakkında. Onu seslendirmeye çalışın, Topuk ve Eşek. Herkes için - bir dakikadan fazla değil. Görüntülerin bu değişim hızının belli bir anlamı var: bilincin eylemleri köstekleyecek zamanı yok.

Eğitim için bir çizgi filmi açmak ve karakterlerden sonra ifadeler söylemek iyidir. Oynayarak kendinizi olumsuzluklardan kurtarırsınız. İşte burada sanat çok yardımcı oluyor.

Oyunculuk ısınmasında görüntülerde bir değişiklik var:

• Sıkıcı Profesör;
• Barker;
• Homurdanan bir bürokrat;
• Disko sunucusu.

Her görüntüde bir dakikadan fazla kalmamak, dönüşüm sanatını geliştirir. Pozitif enerji açığa çıkar ve yaratıcılığı geliştirir.

Rolleri değiştirme: Bir cümleyi seçin ve bunu farklı karakterlerin (kız, anne, iş adamı, lider) pozisyonlarından söyleyin. Duygu değişikliği ekleyin.

Yüz ifadeleri ve esneklik

Yüz ifadesi, bir kişinin içsel durumunu aktarmanın en güçlü ve etkili aracıdır. Bir yüz bin kelimeden fazlasını anlatır. Aktörler, öğretmenler, işadamları, yöneticiler, diplomatlar ve ebeveynler bazen duyguların ifade edilmesini kısıtlamak zorunda kalıyor.

Ancak aşırı kısıtlama tam tersi sonuca yol açar: Kısıtlı jestler, yüz ifadeleri ve tonlamalar nedeniyle iletişim büyük ölçüde zayıflar.

Belli bir yaşa gelindiğinde kişinin karakteri donmuş yüz kırışıklıklarından okunabilir. Bu nedenle yüz egzersizleri faydalıdır, sanatsal egzersizler nasıl geliştirilir:

• Çekici sesleri telaffuz edin: a, o, s;
• Kaşlarınızı zorla kaldırın ve indirin;
• Genişçe gülümseyin, ardından dudaklarınızı öne doğru katlayın ve uzatın;
• Gözlerinizi kısın ve gözlerinizi geniş açın.

Aynanın önünde neşeyi, şaşkınlığı, üzüntüyü, kızgınlığı, öfkeyi, zevki, düşünceliliği tasvir etmeye çalışın.

Plastik cerrahi vücut gerilimlerini gevşetme yeteneğini geliştirir. Zıplayarak ve dans ederek aşırı gerginliği giderebilirsiniz. Plastisite, "dalga" - kollarınızı yanlara doğru uzatın, omuzlarınızın üzerinden bir dalga gönderin, "duvar" - avuçlarınızı görünmez bir duvar boyunca hareket ettirin, "çit boyama" - fırçayla hareketler, "kürek çekme" egzersizleriyle geliştirilir. - kürek çekme taklidi.

Yeni özellikler

Oyunculuk öğretmenleri sahneden önce gerginlik-gevşeme egzersizi yapılmasını öneriyor. Dik durun, kollarınızı kaldırın, onlara bakın, ayak parmaklarınızın üzerinde yükselin ve on saniye boyunca yukarı doğru esneyin ve sonra rahatlayın. Egzersiz sertliği azaltır. Arkadaşlarınızla bir partide rol oynama fırsatı doğarsa reddetmeyin. Kendinizi hoş bir şekilde şaşırtabilirsiniz.

“Sanat” kavramının özü

Sanat olgusu, diğerlerinin yanı sıra felsefe, estetik, psikoloji, pedagoji ve müzik eğitimi pedagojisi sorunlarıyla ilgilenen çeşitli bilim adamlarının dikkatini çekmektedir.

Estetik ve sanat tarihinde sanat, farklı sanat türlerinde ve türlerinde kendini gösteren özel bir ifade niteliği olarak kabul edilir. Analizin konusu, “sanatçılık” kavramının çok yönlülüğü ve çeşitli estetik profilleridir: virtüözlüğün, şakacılığın, doğaçlamanın hakimiyetinden, anlık deneyimin değerinin onaylanmasına, paradoksal olarak çelişkili gerilimi ortadan kaldırma yeteneğine kadar. sanatsal formun unsurlarını keşfedecek ve bir eserin içsel, gizli sanatının yönlerini keşfedecek (O.A. Krivtsun, O. Semenov, A.K. Yakimovich).

Filozoflar, sanatsal prensipteki farklılıkları, sanatın en önemli ontolojik bileşeni olarak yorumluyor, “anlamın üstünde anlam üreterek” sanatsal içeriğe yeni bir boyut kazandırıyor. B.M. Bershtein, sanatın tezahürünün özelliklerinin hem klasik sanatta hem de klasik olmayan ifade tekniklerinde incelendiğini belirtiyor. özel formlar resim, edebiyat, mimari, reklamcılık, kostüm tarihi, müzik gibi malzemeler üzerinde farklı sanatsal hareketler ve tarzlarda yaşam yaratıcılığı.

Sanatın gelişimi sorununun teorik ve pratik gelişimi, K.S. Stanislavsky. "Yaratıcı görevlere derinlemesine dalmış bir sanatçının, bir kişi olarak kendisiyle ve duygularıyla ilgilenecek zamanı yoktur." K.S.'ye göre, bir oyuncunun sanatında ustalaşmanın ilk adımı. Stanislavsky, sahne performansının tüm geleneklerinin aksine, kendisini sahneye "doğru, neredeyse tamamen doğal insan refahına" getirme yeteneğinde. Bu, aktör K.S.'nin "doğru, doğal" sağlık durumudur. Stanislavsky, yaratıcı refahı sanatın en önemli bileşenlerinden biri olarak adlandırıyor. K.S. Stanislavsky içsel, dışsal ve genel refah arasında ayrım yapıyor.

Sanatın oluşumu sorunu K.S.'nin sisteminde çok önemli bir yer tutuyor. Stanislavsky. Yaratıcı (sahne) refahın doğal, organik doğasını ısrarla vurguluyor. “Şaşırtıcı bir şekilde, çok iyi bildiğimiz, gerçek hayatta doğal olarak olup bitenler, sanatçı sahneye çıktığı andan itibaren iz bırakmadan kayboluyor ya da deforme oluyor. Her insan için hayatta bu kadar normal olan şeyleri sahneye geri getirmek için çok fazla çalışmaya ihtiyaç var.”

Sanatın tezahürünü engelleyen en önemli nokta, yaratıcılığın tanıtılmasıdır. Sanatçının refahı, her şeyden önce öz kontrolün kaybı, "kalabalığa bağımlılık" duygusuyla karakterize edilir. “Bir insan sanatçı binlerce kişilik bir kalabalığın önünde sahneye çıktığında korkudan, utançtan, utangaçlıktan, sorumluluktan ve zorluklardan dolayı öz kontrolünü kaybeder. Bu anlarda insan gibi konuşamaz, bakamaz, dinleyemez, düşünemez, isteyemez, hissedemez, yürüyemez, hareket edemez.”

Dolayısıyla sanat, birleştiren oldukça karmaşık bir kavramdır. bütün bir seriçok düzeyli (hem fizyolojik hem de psikolojik) özellikler. Fizyolojik açıdan bakıldığında sanat, duygusal stresin arttığı bir durumda belirli sınırları aşmayan bir aktivasyon düzeyidir. Psikolojik açıdan bu, genellikle olumsuz renkli bir iç huzursuzluk, endişe, "ateş" deneyimi, verimsiz, hareketsizleştirici nitelikte bir heyecan telaşına dönüşme olarak anlaşılan belirli bir karakterolojik kaygı düzeyidir.

Gerçekleştirilen analizin sonuçları, belirli yaratıcı koşullarda sanat sergileyebilme becerisiyle ilişkili çok düzeyli özelliklerin üç grubunu tanımlamamıza olanak tanır:

• 1. Aktörü optimal yaratıcı durumdan “döndüren” “duygusal müdahaleyi” hızlı ve dinamik bir şekilde ortadan kaldırma yeteneği sağlayan özellikler.
• 2. Oyuncunun sahne eylemine aktif olarak (gönüllü olarak) konsantre olma yeteneğini sağlayan, bir "sahne baskın" oluşturma - yaratıcı süreci düzensizleştiren dikkat dağıtıcı faktörlerin etkisini bastıran istikrarlı bir heyecan kaynağı sağlayan özellikler.
• 3. Rolün bakış açısına yönelik “dışarı” yönelimi hayata geçirme olanağını sağlayan özellikler, ana hedef karakter (süper görev), böylece oyuncunun “rolün yaşamı” ile ilgili olmayan kendi deneyimlerinden “dikkatini dağıtır” negatif karakter reklamın kendisinden daha az değil yaratıcı süreç, sahne davranışını dağıtma yeteneğine sahip.

Bir müzisyen için sanat, yorumlama yeteneklerinin gelişmesi, karakter durumlarını ve duygularını hızlı bir şekilde değiştirme, bir veya başka bir duygusal moda uyum sağlama, karakter atama, eserin kahramanına düşünme ve ona göre hareket etme yeteneğinin geliştirilmesi için temel bir koşul haline gelir. onun mantığı. Burada, müzisyenin, şarkıcıyı kendisini bir aktör olarak ifade etmeye teşvik eden özel psikotekniğe sahip olup olmadığı sorusu ortaya çıkıyor. Bir karakteri sahnede tezahür ettirmek için, oyuncunun hayal gücünü, aklını ve iradesini kullanarak onu ruhunda yaratması ve ardından psikofiziksel varlığını kısmen ona tabi kılması gerekir. F.I. Chaliapin, reenkarnasyonun özünü, karakterin bilincinin oyuncunun psikofiziksel aygıtı aracılığıyla nesneleştirilmesini ima eden bir formülle ifade etti: “Oyuncunun gerçeği, ancak ondan bağımsız olarak. Aktör-yaratıcı aracılığıyla, insan aktörden bağımsız olarak."

Bir müzisyenin vokal ve sahne sanatında reenkarnasyon sorununu araştıran Silantyeva I.I., reenkarnasyon sürecinde icracıda yavaş yavaş bir "sanatsal türün" gerçekleştiğini belirtiyor. Sanatsal kişilik tipinin özelliklerinin ortaya çıkmasının önündeki önemli psikolojik engeller arasında kişinin kendi olanaklarının cehaleti yer alır. duygusal doğa yanı sıra güçlü deneyimlerden korkma, yumuşak bir zihinsel rejime eğilim ve duygusal olarak yatırım yapma isteksizliği. “Video” kültürünün saldırganlığı, dünya edebiyat mirasına olan talebin azlığı ve bu faktörlere bağlı olarak hayal gücü fonksiyonunun zayıflaması, sanatta kendini ifade etmenin teminatı olarak dünyaya yönelik empati ve yansıma potansiyelini azaltmaktadır. I.I. Silantyeva'ya göre bu, sanatın gelişimindeki psikolojik ve pedagojik sorunun en önemli yönlerinden biridir.

Sanatın gelişimi sorunu hakkında konuşan N.V. Suslova, nesnelci bir icracının doğasında var olan çok kişilikli bilincin, tek bir kişide benliklerin çokluğunu ima ettiğini belirtiyor. Bilincin çok yönlülüğünün bir sonucu olarak kişiliğin çok yönlülüğü, karakter yaşamlarının çeşitliliğinde kendini gösterir.

Bilim adamlarının ele aldığımız sorunla ilgili farklı görüşlerine rağmen, tüm teorilerin birleştirici noktası, dönüşüm yeteneğinin büyük ölçüde hafıza faktörünün belirlediği gerçeğinin kabul edilmesidir. Bir rol üzerinde çalışmanın fikir aşamasından sahne performansına kadar olan süresi boyunca hafıza, karakterin kişiliğinin inşa edildiği unsurlardan sürekli ve geniş bir şekilde çeşitli izlenimlerle doldurulur. Karakter içeriğinin sürekli olarak sahiplenilmesi sürecinin bir sonucu olarak, oyuncunun gelişen kişiliğinin toplam benliği oluşur.

Önemli Özellik sanatsal hafıza - “unutarak hatırlayabilmek”: oyuncunun, kahramanının geleceğine ilişkin kendi anısını karakterin varoluş sürecinden hariç tutma yeteneğini belirler, böylece her şeyi bilen oyuncudaki karakter yaşayabilir ve deneyimleyebilir. sanal varlığının her anını varoluşsal olarak - “burada ve şimdi”, sahne yaşamının gerçeğine uygun olarak.

Kişinin izlenim ve deneyimlerinin yaşamaya devam ettiği hafıza, karakter varoluşu koşullarında, ikincil doğası gereği icracıya zamanla “filtrelenen”, gündelik tatlardan arınmış ve acı verici şiddetini kaybetmiş duygulanım duyguları sağlar. sahne deneyiminin yaratıcı görevinin farkındalığı. Belleğin içeriği, görüntülere dönüştürülerek hayal gücü tarafından yeniden düzenlenir ve sentezlenir.

Reenkarnasyon sorunu bağlamında hayal gücü, müzik psikolojisi alanında çalışan bilim adamları tarafından öncelikle sanal gerçeklik yaratmanın bir aracı olarak değerlendirilmektedir: zihinsel enerjiyi karakter bilinci alanında yönlendirir, yoğunlaştırır ve korur. Ayrıntılı, yoğun ve uzun vadeli hayal gücü karaktere içerik ve hayat verir, çünkü onun sahne varoluşu, oyuncunun zihinsel ve zihinsel gücünün sürekli hayal gücüdür. zihinsel durum her an karakter. Doğanın sanatçıya armağanı, parlaklık açısından gerçek dünyanın algısından daha düşük olmayan prosedürel iç görme yeteneğinin yanı sıra hayalet dokunuşu şarkıcıda fizyolojik bir reaksiyona neden olan, hatta dokuyu etkileyen şehvetli hayal gücüdür. sesin.

Yarzhemsky G.L. sanatın gelişiminin psikolojik mekanizmalarından bahsederken, dönüşümü belirleyen birçok faktörün bilinçdışında saklı psikolojik savunma mekanizmalarına dayandığını belirtiyor: gizli kişiliklerden birinin gerçekleşmesi, yansıtma, uyumluluk veya tamamlayıcı zıtlık; başka birinin zihinsel yaşamını düşünürken veya deneyimlerken kendinizi kaybetme ihtiyacı; bir kahraman kisvesi altında itiraf; fedakar sevgi manevi nitelikler başka bir benlik; güzel bir ruhu bir ideal olarak gerçekçi bir şekilde tasvir etme ihtiyacı. Yaratıcı enerjiyi aktif duruma getiren derinlerde gizli dürtüler arasında yüceltmeden de bahsedilmektedir.

Yukarıdakileri özetlemek gerekirse, bir nitelik olarak sanatın sistemik eğitim içeriğin anlaşılması, müzikal hafıza, hayal gücü, empati gibi bileşenleri içerir.

Sanat özel bir sanattır. Bir araya gelen iki siddhiden ibarettir. Birincisi, oynamanız gereken rolün içine nüfuz etmektir ve sahnede ya da hayatta oynamanız önemli değildir. Anna Karenina rolünü iyi oynamak için romanda yaşadığı duygu ve tutkuları yaşamak gerekiyor. Bunun nasıl yapılacağını Stanislavsky, Çehov ve diğer sanat uzmanlarından okuyabilirsiniz. Ancak incelik şu ki, eğer sahnede veya hayatta bir rol oynadığınız anda, role karşılık gelen duygusal enerjiyi ve çok fazla enerjiyi kendiniz çakralarınızdan geçirirseniz, çünkü rol genellikle çok duygusaldır, o zaman vücudunuz yıpranacaktır. Bazı ünlü sanatçılar bile bu şekilde çalışır ama bu bir insan için çok yorucudur ve bir yogi için hiç uygun değildir. Dolayısıyla ikinci siddha: çakraları kapatmak, şu anda yaşadığınız şeyin derinliklerine değil, enerji alanınıza, öne sürülen auraya inanmak, tüm enerji performansını olabildiğince doğal bir şekilde tasvir etmek. Sesinizi, hareketlerinizi ve yüz ifadelerinizi ayarlıyor ancak enerji akışı vermiyorsanız bu henüz mükemmel bir sanat değildir. İyi sanat, arzu edilen enerjilerin auranızda ve çakranızda parıldaması ve alevlenmesidir. iç enerji bunun için harcanmaz. Bu dış enerjiyi nereden alacaksınız: onu astral düzlemden çekin, izleyiciden toplayın veya başka bir şey, bunu kendiniz çözmelisiniz. Sanatçılar için bir not daha: Sahnede enerjik bir bakış açısıyla açık bir şekilde çalışırsanız, seyircinin tüm enerjisi doğrudan içinize girecektir. Ancak buna saf denemez. Birisi kıskanıyor, biri alay ediyor, biri sizi kınıyor - ve siz tüm bunları hayranlık, gözyaşları, neşe vb. ile birlikte yutuyorsunuz.

Esasen hayattaki sanat, özünüzü, içsel tepkilerinizi, düşüncelerinizi, eksikliklerinizi ve hatta erdemlerinizi gizleyebilme yeteneğidir. Birçoğu bunun yoganın doğruluk, dürüstlük ve dürüstlük ilkelerine uymadığını iddia edebilir. Teorik olarak bu doğrudur, ancak daha önce de belirtildiği gibi, hala Kali Yuga yasalarına doymuş bir dünyada yaşıyoruz ve eğer her konuda dürüstseniz, anlaşılmayabilir, alay edilmeyebilir, aptal olarak görülmeyebilir ve hatta taşlanabilirsiniz. . Sanat, her gün yabancılardan bile enerjik ve psişik saldırılara maruz kaldığımız bir çağda gerekli bir savunma silahıdır. Bu oyunda önemli olan vicdanınızın rahat olması ve kendinize karşı dürüst olmanızdır. Ve dışarıda sadece bir tane değil birden fazla maske takabilmeniz gerekiyor. Yeterince çaba gösterirseniz, sanatçılığınızı geliştirmenize yardımcı olacak özel teknikler burada yer alıyor.

1) Bir şarkıyı, daha da iyisi, sizi derinden etkileyen, sevdiğiniz ve kanunlarına göre yaşadığınız bir düzine şarkıyı öğrenin. Bunları yalnız olduğunuzda veya açık olabileceğiniz insanlarla birlikte yaşayın ve sonra bunları herkese, her yerde söylemeyi öğrenin ve böylece göğsünüzde şarkı söylerken her şey cam gibi sakin ve berrak olsun, böylece şarkı size İçerisi duygusallaşmadı.

2) Hala küçümsediğiniz, tiksindiğiniz veya başka bir tiksinti duyduğunuz kişileri bulun. Elbette bu niteliklerin ortadan kaldırılması gerekiyor, ruhsal gelişime uygun değiller ama farkındalığınızla onlara ulaşana, bilinçaltınızdan temizlemeyene kadar bunları kullanabilirsiniz - başka bir şey öğrenebilirsiniz, aklınızı kullanarak. eksiklikler. Bu nedenle, görünüşünüz kusursuz olacak şekilde insanlarla iletişim kurmaya çalışın, böylece kimse kontrol edilemeyen reddedilme tepkileriniz olduğunu tahmin edemez.

Kendinizi özel olarak dahil etmekten korkmayın zor durumlar- sonuçta bu, gelişiminizi büyük ölçüde hızlandıracaktır.

3) Diyelim ki, korktuğunuz ya da en azından yanınızdayken güvensiz hissettiğiniz, davranış biçimiyle, sosyal statüsüyle ya da başka bir şeyle sizi ezen bir kişi var. Özellikle onunla daha fazla iletişim kurun, kolay ve bağımsız bir davranış biçimi geliştirin. Davranışlarınız kibirli ve meydan okuyan değil, hafif ve özgür olmalıdır. Aynı anda iradeyi, korkusuzluğu ve sanatın yanı sıra özgüveni de geliştireceksiniz. Bunlar ilerlemeniz için çok değerli insanlardır; korktuğunuz insanlar. Bunlar bir aksiyon filmindeki canavarlar değil; büyük olasılıkla iş yerindeki patronunuz, şirketin yöneticisi, kendi anneniz ve babanız ve bir şekilde sizden gözle görülür derecede daha güçlü olan herkes.

4) Biriyle bir ilişkiniz varsa veya birini seviyorsanız, o zaman muhtemelen partnerinize karşı duygularınızı, ilişkinizin doğasını vb. başkalarından gizlemek zorunda kalacağınız durumlar olacaktır. Bu aynı zamanda maske takma sanatının gelişmesi açısından da harika bir durum. Beklenmedik bir şekilde yok sorulan soru ilişkiniz sizi şaşırtmamalı. Ya hiçbir şeye cevap vermeyeceksiniz ve sizden duygularınızla ilgili bir şey belirlemek imkansız hale gelecek ya da bir rol oynayıp içinizdekinden biraz farklı duygular sergileyeceksiniz. Burada duygularınızı yönetebilmeniz gerekir - ya gösterin ya da tamamen kapatın.

5) Düşüncelerinizi gizlemek için, onları gizlemek istediğiniz kişilerin yanında düşünmemeniz yeterlidir. Kafanızı boş tutmak veya tam tersine dolu tutmak için eğitim almanız gerekir, ancak tamamen farklı bir şeyle, sizden almak istediklerinden farklı bir şeyle. Birisi hakkındaki gerçek düşüncelerinizi, bir şey hakkında derinlemesine arka plana alabilmeniz ve onları orada küçük noktalar halinde katlayabilmeniz gerekir. Ve ileride, tıpkı bir film gibi, farklı ilginç, akıllı, derin, renkli düşünce formlarının geçit törenleri olacak ve bunların gerçek özünüzle hiçbir ilgisi yok.

Yani sanat, durum gerektirdiğinde kendin olamama sanatıdır.

Eğitimin gelişimindeki modern eğilimler, öğrencinin kişiliğine yönelik artan talepler, her çocuğun yaratıcı bireyselliğinin oluşmasına, kendi gelişiminin gerçekleştirilmesine olan ihtiyacı arttırmıştır. yaratıcılık, gelişim yaratıcı aktivite. Günümüzde önemli kişilik nitelikleri, müzik ve dans kültürlerinin son derece sanatsal örnekleriyle etkileşim içinde, duygu ve duyguları açık ve ikna edici bir şekilde ifade etme, figüratif ve mantıksal ilkeleri kişinin düşünce ve davranışında ustaca birleştirme yeteneğidir. Bu nitelikler kümesindeki önemli yerlerden biri de sanat gibi bir kavram tarafından oynanmaktadır.

Koreografiyi öğrenme sürecinde çocuklarda sanat oluşumunun özünü ve özelliklerini belirlemek için sanat kavramının anlaşılmasını netleştirmek gerekir.

Sanat, duygusal bilgileri hareketler, yüz ifadeleri, göz ifadeleri ve ses yoluyla aktarma yeteneğidir. Sanat, kişinin belirli bir “maske” takmasına izin veren dönüşüm sanatıdır. Role alışan kişi, derin kişisel tutumlarını değiştirmeden kişiliğini geçici olarak değiştirir. S.I. Ozhegov'un sözlüğüne göre sanat, sanatta incelikli bir beceridir, çalışmadaki ustalıktır, yalnızca yaratıcı faaliyetin vazgeçilmez bir niteliği değil, aynı zamanda özgürlüğün ve insan yeterliliğinin bir kriteridir. S.I.'ye göre sanatsal yeteneği olan bir kişi. Ozhegov bir virtüözdür, işinin ustasıdır.

Bir araştırma nesnesi olarak sanat çok yönlüdür. Bu sorunun incelenmesine çeşitli bilimlerin temsilcileri katılıyor: filozoflar, sosyologlar, psikologlar, öğretmenler, sanat tarihçileri vb. Temel bu çalışma sanat alanında çalışmış isimlerin görüşlerine sahiptir. Sanatta en etkili şekilde ustalaşılabilecek teknik ve çalışma yöntemlerini, yani algı, hayal gücü, yaratıcı düşünmeyi geliştirme, duygusal esneklik ve doğaçlama yeteneğini kullandılar (K.S. Stanislavsky ve V.E. Meyerhold, E.B. I.A. Moiseev ve A.Ya). . K.S. Oyunculuk mesleğinin inceliklerini ortaya koyan Stanislavsky, bir oyuncunun sahip olması gereken belirli niteliklere, becerinin kişisel çekiciliğin gücü, seyirci üzerindeki etkisi, bulaşıcılığı ve oyuncunun çekiciliği olarak anlaşılmasına odaklandı. Oyuncu, görüntüde kendini değil, kendi içindeki görüntüyü sevmeli ve sahneye çıktığında kendini değil, imajını ortaya koymalıdır. V.E. Meyerhold, sanatsal etkinin izleyiciyi etkileme ve etkileme yeteneği olduğuna inanıyordu.

Yukarıdakilerin hepsi eşit derecede koreografideki sanata atfedilebilir. A.Ya'ya göre. Vaganova'nın asıl görevi, koreografın görevlerini yerine getiren anlamlı koreografik görüntüler yaratmak için dans araçlarını kullanmaktır. En büyük Rus koreograflarından ve öğretmenlerinden biri olan Mikhail Fokine, canlı görüntüler ve sanat uğruna rafine tekniği terk etti ve bunu yaparak balede devrim yarattı. Ve büyük koreograf Igor Moiseev şunu yazdı: “Bir sanat formu olarak dans her zaman tatmin edici olmuştur. belirli görevler ve görünüşe göre dans, bir insanın hayatında, insanın kendini ifade etmesinin araçlarından biri olarak, duygularını, hislerini ve güzellik anlayışını aktardığı için basitçe gereklidir. Ve bu sanat türü geliştikçe manevi zenginliklerinin bir kısmını aktarabilir hale gelir. Daha zengin olduğunu biliyoruz iç dünyaİnsan, herhangi bir sanat biçiminde ifade araçları ne kadar zengin olursa." Büyük koreograf Rostislav Zakharov defalarca şunu vurguladı: “Dans her zaman anlamlı olmalı, aksi takdirde vücut hareketlerinin soyut, soğuk bir kombinasyonuna dönüşecektir. İmajı sanatçı tarafından somutlaştırılan kişinin durumu, izleyicinin dansa kattığı düşünce ve duyguyu algılaması sayesinde belli nitelikteki dans hareketleriyle ifade edilir. Yalnızca dansçının gerçek yeteneği ve sanatıyla onu dolduran düşünce ve duygular seyirciyi ele geçirir.”

Koreografi sanatı müzikal olarak organize edilmiş, geleneksel, figüratif ve ifade edici hareketlere dayanmaktadır. insan vücudu insan plastisitesinin karakteristik özelliği olan ve gerçek hayat. Bir kişinin hareket etme, jest yapma ve başkalarının eylemlerine plastik tepki verme şekli, onun karakterinin özelliklerini ve kişiliğinin benzersizliğini ifade eder. Koreografi, müziğe dayanan karakteristik olarak ifade edici plastik motiflerin, çeşitli gerçek yaşam hareketlerinden seçilmesi, ritim ve simetri yasalarına göre zenginleştirilmesi ve düzenlenmesi, süs deseninin tek bir bütün halinde olması gerçeğine dayanmaktadır. Ve burada dansçının performans sanatı sadece teknik beceride değil, aynı zamanda görüntünün doğru aktarımında, dans düşüncesinde, performansın ifadesinde ve sanatsallığında da yatmaktadır.

Koreografi doğası gereği sentetik bir sanattır ve dansın esnekliğini artıran, ona duygusal ve ritmik bir temel veren müzik olmadan var olamaz. Aynı zamanda koreografi, dansın yalnızca zamansal değil, aynı zamanda mekansal kompozisyonunun, dansçıların görünür görünümünün (dolayısıyla kostümün, dekoratif tasarımın vb. Rolü) de büyük önem kazandığı muhteşem bir sanattır.

Parlaklık ve ifade gücü nasıl elde edilir? Oldukça iyi bir performans tekniğiyle bile çocuklar, kural olarak hareketleri ruhlarından geçirmeden dans ederler.

Tüm ciddi koreograf öğretmenleri koreografi okulunda çalışır. Bazıları daha büyük, bazıları daha az ama klasik ve halk dansları ekolü aynıdır, her öğretmen için küçük nüanslar vardır. Bu konuyla ilgili birçok ders kitabı ve el kitabı yazılmıştır. Ancak koreografi sanatında sanatın rolüne gereken önem verilmiyor. Koreografi sanatının özgüllüğü, insan vücudunun ifade gücü ve belagatidir. Sürekli fiziksel aktivite ile ilişkilidir. Ancak fiziksel aktivitenin tek başına bir çocuk için eğitim değeri yoktur. Yaratıcılık, zihinsel çalışma ve duygusal ifadeyle ilişkilendirilmelidir. Makarenko, “Çalışmak için çalışmak henüz olumlu bir şey yapmadı. Yalnızca emek vererek duygusal durum inanılmaz sonuçlar veriyor."

Sanat bize eşlik eden yararlı bir insani niteliktir. günlük yaşam. Her şeyden önce sanat aktörler için gereklidir ama diğer faaliyet alanlarında da önemlidir. Aslında oyunculuk, bir rolü oynarken kendin olabilme yeteneğidir. Bu beceriye eşit derecede önemli diğer becerilere sahip olmak da eklenir. Bu, içsel özgürleşmeyi, yüz ve vücut kaslarının kontrolünü, nefes almayı, dikkati, bir partnerle etkileşimi, psikolojik engellerin, korkuların ve kaygının üstesinden gelmeyi, esneklik ve hafızanın gelişimini ve iyileştirilmesini içerir. Ve insanın mutlaka hepsine ihtiyacı var.

Yukarıdakileri özetlersek, sanatın hem fizyolojik hem de fizyolojik özellikleri bir araya getiren oldukça karmaşık bir kavram olduğu belirtilmelidir. psikolojik özellikler. Bir sanatçı için sanat, yaratıcı yeteneklerin geliştirilmesi, öğrencinin dans, müzik ve tiyatro sanatları aracılığıyla sanatsal ve figüratif düzenleme becerileri ve yeteneklerine hakim olması için temel bir koşul haline gelir. Araştırma problemine ilişkin literatürün analizine dayanarak, öğrencilerde sanatsal yeteneklerin oluşumunun çocuğun yaratıcı potansiyelini ortaya çıkarmak ve yaratıcı yönelimli bir kişilik yetiştirmek için bir fırsat olduğu sonucuna varabiliriz.

“Seyircilerin önünde durmak ve keman çalmak bana tamamen doğal geldi. Bana rehberlik edilen standartlar en yüksek standartlardı ve kendimi onlarla daha iyi görünme arzusundan değil, hayranlıktan ölçtüm.

Yehudi Menuhin, “Gezinmek” kitabından

Sanat- sanatsal yetenek, olağanüstü yaratıcı yetenekler. Yüksek yaratıcı beceri, bir bakıma ustalık. Aslında. Davranışların özel zarafeti, zarif hareketler. (

T. Efremova tarafından düzenlenen Rus dilinin açıklayıcı sözlüğü)

Sanat inkar edilemez bir tezahürdür yaratıcılık kişi. Her ne kadar bu özelliğe sadece sanat insanları, aktörler ve şarkıcılar ihtiyaç duymuyor. Sanatsallık göstermek günlük yaşamda her zaman yardımcı olur.

Sanat, durum gerektirdiğinde kendini dönüştürme sanatıdır.

• Sanat, maske takma ve seçilen role uygun yaşama becerisidir.
• Sanat, kendinize ihanet etmeden kendinizi hem dışsal hem de içsel olarak dönüştürme yeteneğidir.
• Sanat, koşullar gerektirdiğinde sahnede, hayatta farklı olabilme yeteneğidir.

Sanatsallığın özü, izleyiciyi etkileme, performansınızla onları “yakalama” yeteneğinde yatmaktadır. Burada sadece bir müzik eserine derin psikolojik nüfuz etme yeteneği değil, aynı zamanda izleyiciyi kendi yaratıcı iradesine - "sanatsal manyetizma" - tabi kılma yeteneği de ön plana çıkıyor. Kişisel çekicilik önemli bir rol oynar. Mesela seçkin Amerikalı piyanist W. Clyburn hakkında, sadece halkla iletişim kursa bile yine de büyük başarı elde edeceğini, müzisyenin çok çekici olduğunu söylediler. Dinleyiciyi müzikal bir deneyime dahil etme sanatsal yeteneği.

Sanatçılık, zamanı sahnede iki kez deneyimleme yeteneğini içerir. Anlık bir önsezide, henüz ortaya çıkmamış bir bütünün öngörüsünde yatıyor. Ve bu aynı zamanda bilincin ve iradenin müzikal düşüncenin genel hareketine yönelmesinde kendini gösteren gerçek anların yaşanmasıdır. İyi bir kas tepkisi ile keskin bir zihinsel değişim olmadan, zamanın çifte deneyimi düşünülemez. Zamanın ikili deneyimi aynı zamanda dikkati "bölme", ​​hem coşkulu hem de soğuk bir analist olma becerisini de gerektirir. Sanatsal performansın özelliği, müzisyenin kendisine kattığı düşünce ve duyguların, müzikal imaja alışma sürecinde kendisi tarafından önceden düşünülmesi ve hissedilmesi gerektiğidir. Sanki sondaj görüntüsünün enerjisinin özü haline gelmeliler. Sahnede ise planlarınızı gerçekleştirmede kontrol ve öz kontrol önemlidir.

Sanat, doğanın özel bir zihinsel özelliğidir ve her zaman genel zihinsel niteliklerine karşılık gelmez. Çoğu zaman büyük bir izleyici kitlesini güçlü bir şekilde etkileyen parlak bir müzisyen olmasına rağmen, günlük yaşamda nazik bir karaktere sahip sakin bir insan olabilir. Tersine, belirgin liderlik özelliklerine sahip, emredici bir kişiliğin performansı zayıf iradeli ve karizmatik niteliklerden yoksun olabilir.

Sanatçılık kavramı pop dayanıklılığı kavramıyla aynı değildir. Tarihsel uygulamalar, çoğu zaman zeki, sanatçı insanların topluluk önünde konuşurken psikolojik rahatsızlık hissettiklerini doğrulamaktadır. Ve tam tersi, sanatsal yetenekten yoksun insanlar bazen özgürce sahneye çıkabilir, hiçbir şey "kaybetmeden", aynı zamanda dinleyicilerin kulaklarını sallamadan güvenle oynayabilirler. Sahne dayanıklılığına sahip olmak, kişinin doğası gereği zihinsel yapısına bağlıdır; çünkü sahnede olmak, özellikle müzikal performans ve oyunculuk, güçlü zihinsel baskıyla ilişkilidir. Sahnedeki davranış, sahnedeki davranıştır. aşırı durum Bunun özü, öncelikle birçok insanın dikkatinin yönünde, biyo-alanlarının etkisinde ve ikinci olarak topluluk önünde konuşmanın sosyal öneminde yatmaktadır.

Uygulama, topluluk önünde konuşma sırasında heyecanın gerekli olduğunu göstermiştir; bu, algı ve duygu keskinliğini arttırmalıdır. Bu tür kaygıya üretken denir. Yorumla ilgisi olmayan ve tam tersine kendini ifade etmeye müdahale eden aşırı kaygı verimsizdir.

Bir müzisyene bir performansın sosyal önemi duygusunu kasıtlı ve odaklanmış bir şekilde aşılamanın yanlış olduğunu düşünüyorum, çünkü bu faktör çoğu zaman aşırı ve verimsiz kaygının nedenidir. Çoğu çocuğun, yetişkinlerin aksine, topluluk önünde konuşmaktan tam olarak bunun sosyal öneminin farkında olmadıkları için korkmadıklarını belirtiyorlar. Ancak ergenlik döneminde bu farkındalık gelir ve sahneye çıkma korkusu ortaya çıkar. Baskıcı “sorumluluktan” soyutlanma ve kasvetli önsezilerin üstesinden gelme yeteneği, hem güçlü iradeli çabalar hem de ciddi bir kendi kendine hipnoz gerektirir. Başlangıçta müzisyenin dikkatini sahneye çıkmanın mutlaka kendisi için önemli olan belirli (kamusal veya sosyal) bir amacı olduğu gerçeğine odaklamak: Başarılı bir performansa bağımlılık, eğitim kurumu, geçiş sınavını geçmek, ödüllü bir unvan almak, mesleki statünün onaylanması vb. ve son olarak sadece rahat bir psikolojik durum - her şeyden önce toplum içinde aşağılanma ve bir performansla ilgili olumsuz geri bildirim alma korkusu oluşur. Ve bir müzisyen kendisini sıklıkla yaratıcılığıyla, “kendi niteliğini” enstrümana hakim olma kalitesiyle ve yorumlama becerisiyle özdeşleştirdiğinden, sonuç olarak, eğer performans kötüyse, bir felaket önsezisiyle karşılaştırılabilecek bir önsezi uyandırır. başarısız. Böyle bir durumu deneyimlerken, müzisyenin tüm duygusal ve psikolojik kaynakları korkuyla başa çıkmaya harcandığı için, sanatsal ve hatta basitçe ifade performansından bahsetmek imkansızdır, bu durumu sadece hoş olmayan bir durum olarak "atar", ancak Sosyal kendini gerçekleştirme süreçleri için gereklidir.

Uzun bir süre, psikolojik açıdan rahatsız edici bir sahne durumuna uyum sağlamanın tek yolunun düzenli olarak sahneye çıkmak olduğuna inanılıyordu. Ancak son yıllarda sahne heyecanı bir konu haline geldi bilimsel araştırma sonuçları sahne dayanıklılığının eğitime uygun olduğunu gösterdi.

Elbette sahnede psikolojik olarak rahat olmanın temeli, eserin öğrenilme derecesidir. Bu nedenle, bir eseri konser dışı bir yere göndermeden önce, pop hazırlığı kriterini karşılayıp karşılamadığını kontrol etmek gerekir. Bu kavram L.L. tarafından tanıtıldı ve kullanıldı. Bochkarev. Çeşitliliğe hazır olma kriteri şunları içerir: oyunu bilinçli olarak kontrol etme yeteneği, çalışmayı hayali ses ve eylemle yorumlama yeteneği, teknik zorluklarla ilgili fikirlerin ortadan kalkması, doğaçlama özgürlüğünün tezahürü, kişinin duygusal "yaşama" olasılığı performans ve "dinleyicinin" kişinin oyununa ilişkin algısı, psikolojik durumu düzenleme yeteneği. Ancak bu seviyede öğrenilen bir eserin halka açık olarak icra edilmesi gerekiyor, bu durumda sahne uyarlamasından bahsedebiliriz.

Eğer bir müzisyen olduğunu söylersek sanatçı ve sadece mesleği halk için çalışmakla ilgili olan bir kişi değil, dolayısıyla bir müzisyenin yetiştirilmesi sadece enstrümana mükemmel hakimiyet eğitiminin bir parçası olarak değil, aynı zamanda bir oyuncu olarak da gerçekleşmelidir.

için hazırlanıyor topluluk önünde konuşma Sanatçının, işi gerçekleştireceği veya gerçekleştireceği görüntüler hakkında düşünmesi gerekiyor. Bu görüntülerin hayattan, edebiyattan, resimden, tiyatrodan vb. örneklerini bulun. Bu görüntülerin hangi müzikal ifade araçlarıyla tezahür ettirilebileceğini ve eserin neresinde yer aldıklarını bulun. Derste sadece teknik zorluklara bir çözüm değil, duygusal bir sanatsal durum, bir görüntü aktaran bir durum eğitin. İstenilen sonucu elde edin, etki. Sanatçının görüntüye adaptasyonu, “görme, tefekkür, izleme mekanizması” (K.S. Stanislavsky) aracılığıyla kendi imajında ​​gerçekleşir. Düşünen bir sanatçıya, ne yaptığını anlama özgürlüğü verilir, çünkü onun için zorunlu olan bir şey vardır - bu, eserin temelinde yatan fikirdir. Bu fikri tanımak, onu deneyimlemek ya da aklın ışığıyla kutsallaştırmak, icracının ilk görevidir.

Gösteri yapan bir müzisyenin sahne sanatı, sanatsal ve sahne düşüncesinin ustalığıyla ilişkilidir, çünkü yalnızca yaratıcı, bilinçli olarak organize edilmiş bir sonucun sonucudur. özel süreç yaratıcı düşünme Sahnedeki müzisyen derin, çok yönlü duygular, anlamlı, duygusal enstrümantal ses doğurur. Bu nedenle icracı, yalnızca bestecinin ikonik metnini anlamak, eserin biçim ve içeriğini analiz etmekle kalmayıp, aynı zamanda dinleyici üzerinde psikolojik etki yaratacak bir program oluşturup bunu izleyiciye aktarmak, dinleyiciyi başka bir gerçekliğe aktarmak, yol göstermekle görevlidir. sanal gerçeklik yaratıp iç dünyanıza girerek onu yeni bir deneyimle tanıştırın.

Bir müzisyenin sanatsal ve sahne düşüncesini geliştirmek için, öncelikle her tür sanatın temsilcilerinde genel yeteneklerin geliştirilmesine dikkat eden oyuncu eğitimi deneyiminden yararlanabilirsiniz: hayal gücü, mecazi hafıza, yaratıcı düşünme, yetenek Soyut bir fikri mecazi forma dönüştürmek, gerçeklik fenomenine aktif tepki vermek, ince hassasiyet, genel duygusal hassasiyet.

Tiyatro yönetmenliği alanı için özel yetenekler: analitik (derinlik, esneklik, bağımsızlık, düşünme inisiyatifi), ifade edici (plastisite, yüz ifadeleri, jestler, konuşma). Oyunculuk mesleği için önemli yetenekler de öne çıkıyor: sahne mizacı, dönüştürme yeteneği, sahne çekiciliği, bulaşıcılık ve ikna edicilik.

Bunlar teorik arka plan müzisyen yetiştirmenin görevlerini tanımlamak açısından önemlidir, çünkü tiyatro ve müzik arasında sadece farklılıklar değil, aynı zamanda bazı benzerlikler de vardır: bunlar geçici sanatlardır; oyun yazarı ile izleyici, besteci ile dinleyici arasında yaratıcı bir aracı olan bir icracıya ihtiyaçları var. Müzikal performans etkinliğinin psikolojisi (V.I. Petrushin), bestecinin niyetini icra eden müzisyenin özel düzenlemesinde aktarma sorununu inceler.

Sahne sanatı ve oyunculuk dönüşümü sorunu konuyla ilgilidir: “İyi bir oyuncu, sahnede bulunur, metnini telaffuz eder, her zaman uygun imajda olmaya çalışır, sahnede yaşar ve kahramanın deneyimleri kendisininmiş gibi davranır. Aktörlerin aksine müzisyenler genellikle uygun psiko-duygusal durumda olmadan çalmaya izin verirler. Bu nedenle burada, temelleri K.S. tarafından geliştirilen oyunculuk psikotekniği tekniklerinde ustalaşan performans müzisyeninin sanatsal eğitimi ile ilgili soru ortaya çıkıyor. Stanislavski"

Oyunculuk faaliyetinin belirlenen spesifik özelliklerine dayanarak, araştırmacılar oyunculuk faaliyeti ile icra eden bir müzisyenin faaliyeti arasındaki benzerliklere dikkat çekmektedir: Bir aktör gibi icra eden bir müzisyen, "üç kişiden" biridir (yaratıcı, sahne görüntüsünün oluşturulduğu malzeme). yaratılır ve nihai sonuç - yaratıcılığın konusu); Bir oyuncu gibi performans sergileyen bir müzisyen, görüntüyü anlamalı, içsel olarak modellemeli ve yeniden üretmeli, yazarın niyetinin atmosferine nüfuz etmeli ve onu müzikal ifadeyle büyülemelidir.

Müzikal dönüşüm yalnızca iç düzlemde gerçekleştirilir, dolaylılığıyla ayırt edilir, bunun sonucunda sanatsal olarak haklı ses büyür; iç iş ve oyunculuğun kendisi olarak değil. “Ancak bu alana, ses öncesi veya süpersonik gerçekliğe nüfuz etmek, yalnızca sanat yoluyla, dönüşüm olanakları aracılığıyla gerçekleşir.” Bir performans müzisyeninin eserinin tanıtımı, onun duygusal aygıtının özel bir fiziksel organizasyonunu gerektirir ve yaratıcı düşünme Bir aktörün neye ihtiyacı var? Bir müzisyen-sanatçı, gelişmiş yaratıcı yetenekler, entelektüel potansiyel ve düşünme esnekliği gerektiren tek kişide bir sanatçı, yönetmen ve aktördür.